Caven's Photo Digest and Blog

世界是平的，摄影是方的

2007-01-12T14:50:00.000+08:00

时下正流行着一本书叫《世界是平的》，大致是将全球化浪潮种世界正逐渐变平的过程和证明，这或许让国人有些得意，也给美人们以激励。

偶近来用摄影活动甚少，思路也渐渐稀疏…… 却感觉摄影万万是不能变平的，反而是要奔着变方的方向去的。所谓的方，就是摄影中的立体/立方。我手中的相机只有一直眼，它看世界的方式就是平的，只有借用虚实、大小、光影等各种对比和类比的手段才能让世界看起来是方的，而这方又比眼睛看到的方更加有味道。废话少说，看图为证：

说到头来，方就是摄影中空间的表达形式。通常我们会借助引导线、物体形状、前景、中景和后景的安排这样的手段来表现空间感。可说起来容易做起来难，大部分拍摄活动都不是摆拍，画面中的元素是动态，尤其人物的表情、动作等只是瞬间的事，只有深喑其道，并加上我们积累起来的预判力，才有机会抓住“决定性的瞬间”。

这一点点方，可能是花我一辈子的时间去要做的。
脑子里一直想着这个方，是为记。

摄影史上的里程碑（转载）

2007-01-08T17:19:00.000+08:00

在电脑上和在纸上欣赏摄影作品，所获得的感觉可能是很不相同的。

这组作品里，个人更喜欢采睡莲和纺织女童工。

第一张照片约瑟夫·尼埃普斯:《窗外》

　　法国人约瑟夫·尼埃普斯是世界上第一幅永久性照片的成功拍摄者。从1793年起，尼埃普斯就已从事用感光材料做永久性的保存影像的试验。 1826年的一天，尼埃普斯在房子顶楼的工作室里，拍摄了世界上第一张永久保存的照片。他当时的制作工艺是在白蜡板上敷上一层薄沥青，然后利用阳光和原始镜头，拍摄下窗外的景色，曝光时间长达八小时，再经过熏衣草油的冲洗，才获得了人类拍摄的第一张照片。

　　在这张正像上，左边是鸽子笼，中间是仓库屋顶，右边是另一物的一角。由于受到长时间的日照，左边和右边都有阳光照射的痕迹。尼埃普斯把他这种用日光将影像永久的记录在玻璃和金属板上的摄影方法，称作“日光蚀刻法”，又称阳光摄影法。他的摄影方法，比达盖尔早了十几年，实际上应被称为摄影术的发明者，只是由于尼埃普斯为保密而一直拒绝公开，也就未被予以公认。美国盖蒂研究保护所的科学家最近对这张世界上最古老的照片进行全方位分析后认为，这张照片至今保护完好。科学家正在设计一个内含惰性气体的密封盒，以求使这张照片能够再保存数百年。这幅照片最后一次公开展览的时间为1898年，此后一度销声匿迹，直至1952年才重新面世。科学家杜森·斯图里克说：“如果你想一想照片的整个历史，还有胶片和电视的发展，就会发现，它们都是从这第一张照片开始的。这张照片是所有这些技术的老祖宗，是源头。也正因如此，它才那么令人激动。”

　　摄影术的诞生路易斯·达盖尔:《巴黎寺院街》

　　法国人路易斯·达盖尔是世界上第一个实用摄影术的发明人。达盖尔青年时从事舞台美术，达盖尔最初就是用查恩式暗箱进行精心绘画的，当他得知尼埃普斯的阳光摄影法之后，与尼埃普斯通信，并与他合作共同探讨新的摄影方法。但尼埃普斯没有同意达盖尔用银盐做进一步实验的主张，所以直到尼埃普斯去世，阳光摄影法没有得到根本的改善。直到1837年,达盖尔形成了一套完整的新的实验方法来彻底改进摄影的技术。他用感光过的镀银铜板，浸泡在加热的盐水中获得定影而完成了自己的“达盖尔法”。他的作品世存很少，《巴黎寺院街》是他在1838年摄制的。由于曝光时间要长达数分钟之久，因此很难留下人的行迹和身影。

　　达盖尔因银版法成为举世公认的摄影术发明人。银版法作为一种实用可行的摄影方法，虽然价格昂贵，但影像质量极为精细，自公布于世，便迅速在欧美应用，直到19世纪50年代的胶棉湿版工艺出现之前，一直是最主要的摄影技法。在达盖尔将他的方法公诸于众后的两年时间内，其他人对这一方法提出了一些小的改进：在用作光敏材料的碘化银中加入溴化银。这一微小的变化对于大大减少必需的曝光时间起了很重要的作用，因而使得用摄影术产生图像变得实用。银版法在摄影史上具有重大意义。正是银版法的发明和问世，才使摄影得以成为人类在绘画之外保存视觉图像的新方式，由此开创了人类视觉信息传递的新纪元。我们现在所使用的照相方法虽然相当不同于达盖尔的方法；但是即使后来的这些方法没有被发明出来，达盖尔的方法仍然可以向我们提供一种实用的照相技术，而达盖尔本人也入选麦克·哈特所著的《影响人类历史进程的100名人排行榜》。

　　摄影取代了绘画主要功能——记录影像，摄影的诞生是向绘画的挑战，它迫使绘画向不同定位的视觉形态转换。摄影的诞生从而引起了摄影是否为艺术的争论，摄影与绘画最终经历了：绘画视摄影为其附庸——摄影以绘画为范本——绘画向摄影学习——绘画和摄影既相互独立，又相互渗透的过程。

　古老的文明杜冈·马克西姆《阿布·辛拜勒神庙》

　　这幅照片拍摄于1850年，表现的是阿布·辛拜勒神庙。杜冈在埃及和近东地区执行一项特别的记录拍摄任务。阿布·辛拜勒神庙是埃及著名的古迹，它建于3000多年前法老拉美西斯二世统治时期。神庙塑造了拉美西斯二世和古代埃及众神的形象，神庙正面守护在两侧的四座拉美西斯二世及王后的雕像雄伟壮观，堪称古埃及艺术中最绚丽的瑰宝。

　　从画面上看，一个蒙面的埃及向导正坐在拉美西斯二世巨大的石像上，而石像尚未完全出土。出土后的石像高达二十米，极其雄伟壮观。杜冈当时拍摄这幅画面可能只是出于记录，并以人做对比显示石像的高大，但这张照片却被后人在摄影史上常常引用，并产生无尽遐想。蒙面的埃及向导在石像上停留是短暂的，却高高在上，石像伫立在神庙前是永恒的，却木然地任凭向导端坐其上。有人说这或许可被视为摄影术辉煌成功的象征，因为摄影是瞬间的艺术，而传统艺术总与永久相伴随，但笔者相信杜冈当时拍摄时恐怕没有想这么多。不过从照片产生的历史背景上，我们的确可以感觉到现代文明对古老文明的冲击。拿破仑远征埃及最终以失败告终，但这次远征却促进了埃及在政治上的觉醒，同时也拉开了国际性的多学科考察埃及的序幕。这种考察和研究从那时一直持续至今。

　　阿布·辛拜勒神庙是古埃及建筑艺术的颠峰之作，它在设计与建筑上，巧妙地吸收和运用当时最先进的天文、地理、数学等知识，使阳光在每年的2月 21日和10月21日两次穿过60多米长的甬道，直接照射在寺庙最内部拉美西斯二世的雕像上，创造了举世无双的“日出奇观”。以现代的评判标准讲，埃及向导或任何游人坐在神庙石像上都是对历史文物的不尊重和破坏，但百年后在神庙却演出了人类历史上首次联合起来保护人类文化遗产的一幕。1959年，埃及与苏丹两国商定，在阿斯旺修建一座规模宏大的水坝。但让他们没有料到的是，修建水坝将直接威胁到努比亚遗址和阿布·辛拜勒神庙的存亡。为保存这两处文化遗产，埃及和苏丹政府向联合国求助。联合国教科文组织发起呼吁，得到50多个国家的积极响应和支持。人们把这次拯救阿布辛拜勒神庙事件称为“阿布辛拜勒运动”。这次拯救行动不仅仅保住了神庙，而且使全世界第一次看到了国际间联合救援人类文化的伟大力量。

　　1965年，在华盛顿的白宫举行了一个国际保护组织的会议，通过了一项旨在保护人类自然和文化遗产的决议，这就是建立“世界遗产信托基金”； 1972年，联合国教科文组织大会通过了《保护世界文化和自然遗产公约》，一个影响人类文化与自然遗产未来命运的世界性公约由此诞生了。公约明确指出，世界遗产不仅属于个别国家，而且属于整个人类。

新艺术的诞生奥斯卡·雷兰德《两种人生》

《两种人生》是奥斯卡·雷兰德的代表之作，拍摄于1857年。雷兰德的摄影是一种合成艺术品，它将戏剧、版画、绘画与摄影混合起来。他重视画面的具体情景气氛和人物的内心冲突，带有强烈的寓意性和宣泄性，同时完全保持画面的结构稳定、均衡和带有明显古典意味的和谐。这幅作品是19世纪最引人注目的高雅艺术照片，它以戏剧性的场景传达了关于人生的说教。在摄制上，他调用16个以上的模特，按预先设计好的位置去摆好姿势，用了30多张底片，在两张相纸上叠印，耗时六周，方才成功。在这幅照片中，雷兰德构想出一个寓意性的场面：一位先哲引领两个青年走入人生之路。其中一个青年崇尚宗教、勤劳向善，具有可敬的美德。而另一个青年一离开先哲就奔向享乐世界，染上赌博、酗酒、淫欲等恶习，以致失去理智，危害自己，走向死亡。

这幅作品为31×16英寸，在“曼彻斯特艺术珍品博览会”展出，得到英国维多利亚女王的赏识，被称为是“最壮观的场面，最出色的照片”。女王用高价买下了这幅照片，作为英国王室的艺术珍品收藏。这是前所未有的，因此引起了人们的极大震动。雷兰德通过自己的创作向世人证明，摄影也可以象画家作画一样，依照自己的构想，任意操控画面，而非大家所想，摄影只能机械性的精密记录现实。这张照片的重要意义，在于以能在艺术殿堂与其它艺术品鼎足而立，来表明摄影是艺术的创作手段。雷兰德的成就，使他被誉为“艺术摄影之父”。

回归自然 彼得·埃默森：《收获》《采睡莲》《拉纤》

19世纪80年代，伴随着高艺术摄影的衰落，写实风格的画意摄影——自然主义摄影开始出现。

自然主义摄影随艺术上的自然主义思潮出现，代表人物是英国的彼得·埃默森，1889年著有《自然主义摄影》，代表作《收获》。

《收获》

在其著作中，彼得·埃默森阐述了自然主义摄影的理论体系：摄影应是一门独立的艺术，是艺术与科学的结合；摄影艺术可以由自然环境中的自然题材，通过取景、构图、用光和选择调焦的直接记录来实现；焦点视觉理论，即人眼视场的中间部分是清晰的，而边缘部分是模糊的，为达到人眼的视觉再现，则焦点不必完全准确。在不破坏拍摄对象的结构和形象的前提下，对焦可以有适当的模糊和变化。

埃默森一改当时聚焦于达官贵人的时尚，把手中的镜头对向普通人的日常生活，对向了大自然。他以自然、单纯、质朴的拍摄方式，向“画意摄影”的观念、风格以及方式提出了公开挑战。

《采睡莲》

以埃默森的《自然主义摄影》一书为标志，自然主义摄影流派提出了“回归自然”的口号，突破高艺术摄影创作的模式，追求以自然环境，自然情趣和自然手法表现摄影。埃默森最著名的作品《采睡莲》，就是以不干预的手法，拍摄了真实环境中的人物和背景，使摄影的纪实能力和审美特性得到了较好的结合。这幅作品不仅奠定了自然主义摄影地位，同时在制作上独辟蹊径，而是采取简洁的白金相纸制作，以其对自然场景的直接、真实还原，获得了更为令人信服的力量。

《拉纤》

埃默森的摄影理论和实践激起一大批追随者的热情，这些摄影者深入到英国的风景区和乡村，拍摄了很多影响深远的自然主义摄影作品。其中尤以英国摄影家里德尔·沙耶、弗兰克·梅多·萨克利夫的成就最为突出。

埃默森是一位有着重要地位的摄影艺术家，也是第一位完全意识到摄影这一媒介的局限性的摄影家。他的摄影艺术是简单、朴实的艺术，表现的都是与自然接近的人。他不动感情地进行描述，拍摄对象则在环境中来体现，并希望通过专心于户外工作来达到一种真实、自然的生活方式，以对抗都市中遍布的人工痕迹。

影视的鼻祖穆布里奇·埃德沃德《奔马》

穆布里奇是第一个把照相术用于活动摄影的人。

这组照片的产生源于一次偶然的打赌。法国画家借里柯笔下的骏马在奔跑时是四蹄腾空的，而当时人们也对他的画面感觉身如其境，相信马的确是这样奔跑的。在美国加利福尼亚州一个酒店里，斯坦福与科恩两个人发生了激烈的争执：马奔跑时蹄子是否都着地？斯坦福认为奔跑的马在跃起的瞬间四蹄是腾空的；科恩却认为，马奔跑时始终有一蹄着地。争执的结果谁也说服不了谁，于是就采取了美国人惯用的方式：打赌来解决。

他们请来一位驯马师来做裁决，然而，这位裁判员也难以断定谁是谁非。马奔跑时速度的确太快，单凭人眼确实难以看清马蹄是如何运动的。驯马师的好友穆布里奇得知这件事后，表示可由他来试一试。他在跑道的一边安置了24架照相机，排成一行，相机镜头都对准跑道；在跑道的另一边，他打了24个木桩，每根木桩上都系上一根细绳，这些细绳横穿跑道，分别系到对面每架照相机的快门上。这样，当跑马经过这一区域时，依次把24根引线绊断，24架照相机的快门也就依次被拉动而拍下了24张照片。穆布里奇把这些照片按先后顺序剪接起来。每相邻的两张照片动作差别很小，它们组成了一条连贯的照片带。裁判根据这组照片，终于看出马在奔跑时总有一蹄着地，不会四蹄腾空，从而判定科恩赢了。

可故事并未到此就结束了，这场打赌及其判定的奇特方法引起了人们很大的兴趣。穆布里奇一次又一次地向人们出示那条录有奔马形象的照片带。一次，有人无意识地快速牵动那条照片带，结果眼前出现了一幕奇异的景象：各张照片中那些静止的马叠成一匹运动的马，它竟然“活”起来了！

后来生物学家马莱从这里得到启迪。终于在1888年制造出一种轻便的 “固定底片连续摄影机”，这就是现代摄影机的鼻祖了。虽说19世纪末电影的诞生是科学技术发展的产物，但穆布里奇的奔马照片却起到了重要作用，并成为电影诞生的催化剂，迅速导致了电影综合技术的出现和产生。

叛逆与新生艾尔弗雷德·斯蒂格利茨《阳光》

斯蒂格利茨是美国摄影史上的一位巨匠式人物。

斯蒂格利茨在摄影上的一个重要贡献就是组织发起了摄影分离主义，又称作“摄影分离派”。在1902年前后，斯蒂格利茨开始对“画意摄影”的许多艺术观念提出质疑，1902年，他在美国建立了摄影分离派，创办刊物，开设“291”画廊，不遗余力地的提供条件，不计报酬地介绍和扶持欧美的前卫画家、摄影家，如塞尚、毕加索、马蒂斯、卡塞比尔、戴维·希尔、怀特、斯泰肯等。20世纪以来，美国能超过英法成为世界艺术摄影的前卫，与斯蒂格利茨付出的不懈努力不无关系。

关于摄影分离主义，斯蒂格利茨这样解释道：“将那些献身于画意摄影的松散的美国人组织起来，通过努力使人们认识到画意摄影不是艺术的陪衬，而是表达个人的一种独特的手段”。他力图强调摄影不仅在技术手法上，更要在表达个体的个性意义上更多地考虑摄影本身的规律和特点，使摄影变得更纯粹化，独立于绘画之外。斯蒂格利茨提倡“纯摄影”，即发挥摄影自身的特质，照片的影像要真实清晰，影调要丰富而层次分明。

斯蒂格利茨拍摄这幅照片时只有25岁，但他独特的艺术天分却已开始显山露水。斯蒂格利茨大胆地使用了通过格栅射入室内的光线，而使得画面充满韵律和魅力。他的纯摄影理念的倡导其意义当然超过了“怎么拍一张照片”的问题，而是对摄影艺术独立空间的一种拓展，也就是说：摄影就是摄影，而不是其它艺术的附属。斯蒂格利茨在摄影的巨大成就，使他被誉为“当代摄影之父”。

东方的采访约翰.汤姆森：《中国九江的街头行当》《街头郎中》

英国的约翰.汤姆森可以说是“以整个社会为主题”进行拍摄的先驱。在中国期间，汤姆森行程达 5000英里，足迹遍及大半个中国。与许多西方旅行家不同，汤姆森不仅迷恋中国的锦绣河山、城市风光，更关注这个文明古国的人民生活、风土人情、地方物产和生活劳动。他将镜头对准社会各阶层的人们，在《中国九江的街头行当》这幅照片，在有限的空间里，将四种正在街头摆摊儿的行当摄入镜头，留下了行将消逝的影像。照片中每个人物的神情和姿态都生动自然，每个人都忙着自己的生意，没有意识到相机的存在，显现出纪实摄影的魅力。

他用了五年的时间，拍摄了大量照片，并于1873年出版了作品集《中国和她的人民》。《中国和她的人民》是部百科全书式的摄影集，共收入200多幅照片，反映了当时中国社会的各个方面，它第一次用直观形象的图片，把东方古老的中国介绍给西方世界。谈及此书，汤姆森兴奋地说：“尝试用照片给游记作插图是一种新奇的体验……我对这一事业的成功充满信心，我希望能看到我的这种方法为其他旅行家所采用，因为照片中的真实可以让观众靠得更近，好象真的把他们置于所拍的风景面前一样。”

在汤姆森看来，摄影者是最好的见证人，他写到：“照相机一直陪伴着我的旅行，成为唯一准确地描绘我沿途见到的一切有趣之物以及所接触的各种民族的工具。因此，它使我任何时候都能向我的著作的读者提供真实地再现当时情景而无可争议的图片，使他们第一次面对遥远东方大地上的景物和人民，与我一起分享那愉悦的经历。”汤姆森强调照片的真实性，主张用摄影的方法去观察和表现世界。他摆脱了传统绘画的影响，对所摄画面按常规印制而不作任何特意的加工。因此，他镜头中的人物，大都显得生动、真实、自然。有些照片，构图虽不那么完美，象是随意“切割”下来的景物一角，但也往往具有一定的情节性。

汤姆森给我们中国留下了一百多年后最有价值的照片，他以无可置疑的准确度的照片，显示出纪实摄影的成熟意识，揭开了纪实摄影的新篇章。

1872年，约翰"汤姆森回到英国，5年后，他与作家阿道夫·史密斯共同出版了另一部著名摄影集《伦敦街道生活》。这本书中不仅刊载了他拍摄的36 幅照片，而且每幅照片都配有一篇小品文章，是摄影史上第一次对城市类型进行考察的摄影专著。从画面上看，这位郎中一脚高一脚低，正在说服两位妇女买他的药，但从妇女冷漠的表情看，他很难达到目的。街头郎中又被称作江湖郎中，被认为跟行骗无异。

汤姆森与史密斯在序言中指出，他们运用“摄影的准确特质为我们的主题做插图，由于照片见证不容置疑的准确性，使我们能够呈现伦敦穷人的真正典型，也能防备外界指责我们刻意缩小或夸大不同外貌上的差异。”这些照片是社会观察上的突破，因为维多利亚时期中叶的摄影家不拍摄社会问题。汤姆森则以同情心客观地记录穷困的工人阶级的生活。

广告摄影的诞生 M·威金斯:《麦片粥广告》

这幅照片是采用干版感光材料制作的广告画面，作者是M·威金斯，发表于1889年。画面上清晰的影像被消费者认同为真实的记录，所以宣传的效果大大增强。

摄影术发明后人们就很快发现其商业价值。早在1840年众多广告主争相运用这种具有强烈视觉表现力的媒体形式，在商业推销上取得了良好的利益。聪明的推销员使用照片，奔忙于批发商和众多零售店之间，可以把公司的最新产品及时地推向市场，免却了携带笨重产品样品之苦。19世纪后半叶消费大众慢慢地接受了这种新兴的形式，这大大增强了摄影广告的市场推销作用，成为一种被广泛应用的广告艺术形式。由于摄影具有视觉传达准确、明确的特点，因此它具有绘画或其它形式难以企及的作用。在商业流通中广告摄影以直观的形象沟通了企业与消费者之间的联系，使消费者简便、明确地了解到产品的相关信息，便于作出购买抉择。企业的销售和利润也获得了增长，广告摄影可以同时为买卖双方服务，赢得他们共同的认可。

1856年，美国纽约的《每日论坛报》第一次采用湿版法照片为一家帽子店做广告。从那时起，广告摄影的形式并不仅仅限于靠推销员单纯使用照片，同印刷媒体结合以提高传播效率从而进入真正实用阶段。19世纪末网版印刷技术的出现使照片的印制在经济上和质量上真正为广告客户所接受。

现在，广告摄影已成为摄影艺术的重要组成部分。虽然广告摄影是一门服务于商业行为的图解性摄影艺术活动，以商业销售目的为宗旨，但它并不仅仅具有其商业上的价值，它在拍摄技术及表现形式都极大推动了现代摄影的发展，并丰富了人们的文化生活。

纪实的力量路易斯·海因:《纺织女童工》《汽管装配工》

著名纪实摄影家路易斯·海因有着强烈的社会意识，他说过这样一句名言：“摄影不应当仅仅为了美，而应有一个社会目的。要表现那些应予赞美的东西，也要表现那些应予纠正的东西。”海因原是一位教师和社会学者，从1904年拍摄埃利斯岛的难民安置开始了他的纪实摄影生涯，同时代很少有人象他那样，几十年不断的用摄影做主要手段，致力于多个主题的社会改革。他的创作涉及迁移的难民、各地的童工、城镇贫民窟和受灾乡村等。

1906年，海因受国家童工委员会主席阿德勒的委托，以自由摄影师的身份组织工作，调查美国各地童工的生存状况，从而使儿童免受剥削。他不辞劳苦，深入东北、东南和大西洋沿岸各州的煤矿、工厂和纺织车间，拍摄儿童工作时的场景。海因1909年出版了第一部反映童工生活的摄影报道，其中的照片展现了童工们在艰苦和危险条件下的生存状况，并最终导致美国国会颁布《童工法》，废除了童工制度。

美国《ICP摄影百科全书》对此评价到：“海因既不是第一个，也不一定是最后一个用照相机反映社会改革运动的摄影家。但他极为出色的工作质量却很少有人能够相比。更重要的是，海因拍摄的童工照片在实现他为之奋斗的改革方面起了帮助。”这就是纪实摄影的人文价值：它决定着你的照片是否能超越时空进入历史，超越个体打动大众。艾伦·特拉亨伯格对海因赞美：“对于海因而言，‘正直’并不仅意味着拍摄方法的纯洁，它还表明对于亲眼所见的事实担负的责任。”

画面中这个汽管装配工被要求以适当角度握扳手，以便使身形与身后机器的圆形完美组合。人与机器合成一个劳动的概念,这种拍摄模式在现代工业摄影着一直延续下来。海因不但用摄影揭露生活中的黑暗，他更赞美劳动的伟大，他晚期作品所表现的是对工人劳动的尊重和对工业加以肯定的乐观信心。

海因深信摄影具有无可置疑的纪实力量。他说：“如果用语言可以说得清楚，何必再去背起相机。”这幅表现工人与机械的作品，被视为表现劳动者的经典之作，紧握扳手、弓身屈臂，这是力量的表现；聚精会神、一丝不苟，这是精神的表现；强壮的身体、绷紧的筋骨和隆起的肌肉，这个有如雕塑的形象告诉我们，劳动不仅创造了客观世界，而且塑造了主体的健美。强光恰恰照射在主体上。工人，这是工业文明时代的主人。

海因以他具有强烈社会责任感的照片，推动了社会的进步，使他成为当代最伟大的社会纪实摄影家之一。1940年，海因去世，他一生的创作向我们展现出摄影作品能够教育大众及教育人们了解生命价值的巨大作用，他给我们太多的启示。

Merry Christmas to my friends !

2006-12-24T21:58:00.000+08:00

Merry Christmas to my friends !, by cavenli2008.

:))

Best wishes!!!

淳朴的笑 Pure Smile

2006-12-21T23:51:00.000+08:00

Pure Smile, by cavenli2008.

母亲在弹琴卖艺谋生，孩子在无邪地玩耍，清鼻涕掩饰不住他的快乐。

摄于中华世纪坛附近。

Photo of the day on the front of on Dec 21st.

1on1 people Group

胡同摄影之看图说话（一）

2006-12-07T09:21:00.000+08:00

纪实照片的最大魅力之一在于在于讲述故事，给人以回味，而胡同摄影则是讲述胡同里发生的独有的文化故事，因为这里居住的都是千百年的古宅，经历了风风雨雨，这里发生着变迁，或许有着幽闲、和谐，也可能蕴含着矛盾，照片就需要反映出这种文化和特色，把矛盾、趣味、和谐、幽默、执著等等个性展示给观众，引人遐想和回味。如果说风光照片更注重形式美感，包括线条、形状、色彩、透视、影调的对比和类比，给人以美的回味和享受，那么纪实照片则需要注重发掘构图要素之间的内在联系，带人进入思考的空间。从构图要素上则更注重构图要素的内在意义，而不是其形式美。当然这内在意义则需要有理解这文化底蕴的人才能产生共鸣和感思。不妨从来以一些照片为例子，总结一些快速提高的技巧。

1. 不完整构图：
抓住构图要素的主要部分，也就是说只要从部分能知晓构图要素即可，但这一部分必须足以反映出主体的鲜明特征。例如不完整的人的脑袋能看出是一个什么样的人，他/她的年龄/职业性格特征等等，其它车、字等等亦同，由于胡同的地理环境限制，胡同摄影从表达人与生活环境的关系。例如左图的平板三轮车和右图的理发师老人，和两幅图中所共有的墙壁。

2. 对比和类比
运用黑白，大小，动静，虚实，远近，真假等对比和类比的手法，制造视觉的跳跃。

黑与白，正与反，耐人寻味。

白雪茫茫中的一队人力车，让人感受到什么？

虚与实，真实世界还是梦境？

动与静，独特的观察力

3. 光影变换

摄影就是用光作画，胡同摄影也不例外。

最后附上我几张最近的习作，摄于5th Beijing Flickr Meetup，东四地区

做游戏的孩子

乐

"骑自行车的人

蓝色畅想 - Blue Fantasy

2006-11-21T13:22:00.000+08:00

This one is the Week 13 Winner of Kris Kros Contacts Group.

Kris Kros Contacts Group: http://www.flickr.com/groups/kriskroscontacts/

Contest Thread: http://www.flickr.com/groups/kriskroscontacts/discuss/72157594371837394/

神灯 SB-800 使用对话录

2006-10-13T11:49:00.000+08:00

作者：色影无忌网友
TAG: 色影无忌 NIKON SB-800 闪光灯
用灯的误区，常常听到如下说法和做法：
1、闪光灯是业余的人或者不入流的新闻摄影记者才用的东西，一个真正的摄影者，从来只用现场光，不用闪光灯
2、闪光灯自动功能越强的越好，尤为重要的是各种 Advanced TTL 功能
3、闪光灯总是处于正面照射的状态，总是处于 x-ttl 的状态，总是配合P档，或者A档
4、盲目相信TTL测光，从来不计算，也不做闪光灯曝光补偿 FEC
5、从来不使用改变光质的附件，包括柔光箱/罩；肥皂盒，反光板，反光卡，滤色片
6、认为闪光灯只能当作辅助光源，或者只能当作暗环境的照明光源
7、认为闪光灯只有用来照亮主体的功能
8、从来不使用处于手动档的灯，从来不离机用灯
9、从来没有考虑过闪光灯的色温指标，只考虑了自动功能和功率
10、无论拍摄什么片子，从来同时只是用一只闪光灯，而不是多只同时工作。

与如上错误现象相对应，是用闪光灯应该出于这个状态：

1、什么时候都应该考虑使用闪光灯，除了极个别情况自然光源已经非常完美之外。这个完美，包括光照，光质，光比，色温，色调，造型等等各个方面。事实上自然光照条件很难达到完全令人满意。所以闪光灯的使用其实是非常频繁的。

2、闪光灯应该有一定的TTL测光的功能，这样使用起来比较方便，让我们的补偿计算可以从一个相对值而不是绝对值开始，省力，准确。但是不一定需要各种高级的TTL功能，事实上这些功能不但准确性提高有限而且限制了灯的摇头转头，因辞害义。所以，一盏有稳定的TTL功能的灯即可，各种不同的 ttl 功能，在熟悉其性能之后，都可以做出准确的补偿。想完全不补偿从原理上讲是不可实现的，跟相机的测光系统完全脱离曝光补偿是不现实的一样。如果让我选择，我宁可要一个功率够大,色温稳定，可以摇头的灯；也不要一个拥有高级TTL功能，我什么都无法控制的灯（典型的例子就是佳能220EX）

3、闪光灯应该极少处于正面对着主体打光的状态，也因此很少处于各种高级的TTL状态。同时，如果TTL功能的存在，我们可以让机身指挥灯，而不是灯指挥机身，所以在大多数现场光可以忽略不计的时候，M档才是使用闪光灯最好的档位：光圈控制景深和效果，灯的输出会自动跟着光圈走，不用担心；快门控制环境光线的比例，达到合理配合。所以M当才真正实现了充分发挥机身和闪光灯的自动功能。而在闪光摄影的状态下，P档等于完全放弃了对机身和闪光灯的控制权，A档放弃了对环境光线光比的控制权。

4、盲目相信闪光灯的各种TTL功能和曝光测量，比盲目相信相机在一般拍摄的时候的评价测光结果或者中央重点平均测光的结果一样是很可能导致失败的曝光的。同时，我们总是会依据创作主题要求对相机测光结果进行修正，所以很少会出现完全不错曝光补偿的时候。同理，做闪光灯摄影的时候，不做闪光补偿是很难想象的。事实上要实现不同的质感和层次，实现不同的光比和影调，以及和环境光线相配合，都是需要大量的计算和经验的。这个计算不是闪光灯指数，ISO和距离光圈之间的计算，正如不是阳光十六原则的计算一般，是做补偿的相对值计算，类似十一分区曝光法的计算。类比一下一目了然。所以用灯不做闪光补偿的做法，跟用傻瓜机，把控制权完全交给机器，有什么区别呢？相机的测光系统完全脱离曝光补偿是不现实的一样。如果让我选择，我宁可要一个功率够大,色温稳定，可以摇头的灯；也不要一个拥有高级TTL功能，我什么都无法控制的灯（典型的例子就是佳能220EX）

5、除了曝光要正确，达到创作目的之外，还有一个很重要的，关于用光的一个TIPS那就是光质和颜色。表达不同的主体打到不同的创作目的，需要不同的光线。由于发光面积小，所以闪光灯要实现硬朗的光线是很容易的。但是我们不是什么时候都需要硬朗的光线，这个时候，能改变光质的附件就非常重要了。也许我们需要柔和的光线，需要方向性很强的光线，等等。所以类似跳灯，反打，反光板，柔光箱，蜂窝，聚光筒，反光卡，柔光罩这些东西就是必备物品，而且几乎一用灯就会用到。另一方面，我们所需要的的色温不一定都是5500K，我们需要的色调不一定都是纯白。所以闪光灯用的滤色镜也是必备的附件，往往带着情绪的光源，会为我们主题的表达带来强烈的情绪渲染。所以用灯不用这些附件，又是远远没有用到闪光摄影最为灵活有趣的功能了。

6、闪光灯可以当作主光源，可以当作辅助光源，可以作为制造眼神光的手段，可以作为补色的手段，可以专门只用来照亮背景，或者成为给背景补色的手段。如此功能丰富，凡是用光用色，闪光灯都能干，所以不必限制闪光灯的使用范围，创造性地用灯，是用好闪光灯的根本原则。当然，如果不是有特别目的，用灯的最高境界就是看不出来用了灯，这点跟女孩子化妆类似。因为我们的目的是更好表达主题，更好表达作者主观感受，而不是为了用灯而用灯。

7、认为闪光灯只有用来照亮主体的功能

8、按照6~7这个原则，那么用灯也应该是离机比在机顶用的多，用手动档比用自动档要多。逐渐经验丰富之后，使用手动档和离机闪光，可以获得很大的创作自由度。具体怎样使用要依据现场情况和创作目的来进行。但是可以肯定的是，在机顶一个方向，只用自动档一种效果，肯定是作茧自缚。

9、按照如上所有的分析，事实上认真的闪光摄影，一只灯是远远不够的。由于环境光线的来源很丰富，所以闪光灯要创造自然的表现，往往需要多只灯协同工作。同时造型，轮廓，主光辅光背景光等等，还有很多的造型要求。所以，用好灯，往往一只不够。不过，不要认为要多灯协同工作是一个很难的事情，需要昂贵的器材。其实很便宜的器材一样可以做到。

闪光灯最重要的功能，按顺序拍：
1、使用可充电五号电池：所以G2的那个灯没戏了
2、能上下左右摇头：所以佳能380ex之类是肯定没戏了
3、有散射/反射片：这个仅次于2，很重要的，所以佳能除了540ez/550ex都不行了
4、指数高，大于45，否则不够用，真的是不够用
5、手动分档输出，至少从1/1~1/64，sigh,可怜我看好的sigma 500/st也出局了
6、基本的TTL功能，主要目的是为了告诉我有效范围，所以液晶屏是最好的，剩下的可有可无的功能（从最没用到有点用）：各种advanced TTL，频闪，高速同步，前后帘同步，离机，协同闪光，等等。
7、SB800闪指ISO200下53用长焦头威力不错，用广角头，吃力
8、把SB800装上柔光罩，90度朝天打（室外），得此提示，试验SB800把广角扩散片拉下，柔光罩装上，灯头也是90度朝上打，发现此漫射光能使得焦点（如人）和周围景致的色温基本保持一致，没有强烈的阴影，比灯头直射人的效果要好，猜想大光比用闪光灯补光的效果应该也好
9、SB800在加上广角扩散片和柔光罩时焦距自动会发生变化，特别是加上柔光罩自动被设置成14mm，足够广了
10、D100内闪手动配SB800SU-4手动是非常之痛苦的事，几千块的闪光灯用来这样用是太浪费了。请把D100内闪设置为TTL输出模式，SB800设置未SU-4，SB800输出量调节在1/4或者以下（1/8、1/16）等，或许你可以体现出TTL闪光的快感
11、我室内（顶白，不高）横拍的时候一般是60度角拉放射板用反射光，效果很好。但碰到顶高且颜色深各位如何处理（我用柔光照直打，然后再根据试拍调整)。
12、还有就是竖拍，在室内（顶白，不高）我旋转灯头90度直打天花板，漫射效果不错。但是在室外补光大家如何设置，直打的话我怕一边会有阴影。
13、用“REMOTE”模式和“SU-4”模式，分别试验了一阵子，夜晚室内，内灯引闪，相同参数“REMOTE”模式出片几乎都比“SU-4”模式出片要曝光不足。虽然你前面说过“SU-4”模式是全功率输出，但是基本曝光准确，而“REMOTE”模式都要手动进行曝光补偿。另外，刚开始时在“SU-4”模式下是有严重曝光过度的现象，但是当把800的红外屏面向内闪时，问题就解决了。

两灯协作照明：两个闪光灯通过光同步或者无线同步的方式协同闪光。
优点：
1、功率大，可以完成简单的造型布光。
2、有一个灯饰固定位置，输出量稳定，拍摄者活动范围大，拍摄成功率高。
3、可以照顾会场的不同部分，得到大范围均匀的布光
4、获得与自然光配合的光质和方向都比较自然的效果。

缺点：
1、相对单灯而言不够灵活
2、需要空间和秩序来放置第二个灯，而且活动要局限在有限范围内
3、如果是光同步灯的话，会被别人的闪光灯引闪，造成回电太慢或者拍摄失败。所以总的来说，这样的方式适合自己占拍摄的绝对优势（只有你一个人是主要拍摄者）和相对比较固定的范围使用。可以获得相对精致的会议记录照片和新闻照片。

为了兼顾闪光和环境光，以及反光面的固有颜色，所以设置手动白平衡。
为了尽量利用中间一块干扰较少的白色天顶，固定照明光源的色温变化以及尽可能
让光线符合环境，自然合理，sb800离机，反打，用泛光片制造眼神光。TTL遥控，

拍摄的时候要注意的tips
1、拍摄要点面结合：要有观众-演讲者关系的场面，也要有说明演讲者内容的描述，还要有演讲者自己的特写，一般来说特写应该是英明神武的。
2、拍摄的时候注意发言人的表情，眼神，说话的时候的唇型嘴形。注意发音韵母的预测，注意手势的姿态和配合。
3、注意反射光的位置，除了均匀自然照亮被摄区域和被摄主体之外，有的时候可以使用手动变焦灯头，经反射形成追光效果的光照，保留荧屏上的讲稿和图案
4、注意不同比例的闪光和环境光线的比例补色，造成不同的色温效果。以及使用闪光灯滤镜，重新定义白平衡，获得统一的色彩效果。
5、抓拍表情，同时记住只是手枪打法，不可快速连拍，等闪光灯回电，所以瞄准了，打中了，才是最重要的。

事实上，作为一种人工光源，便携闪光灯有很多用途，只要环境许可就应该使用，因为自然光很完美的机会总是很少见。所以闪光灯是我使用最多的器材，跟机身一样多。我买的两样非常值得，利用率很高的东东，一个是闪光灯，一个是三脚架。虽然闪光灯应该经常用，灿烂阳光下也应该使用，但是如果让别人看出来用了灯，那么用灯的水平就不怎么高了，这个感觉跟化妆很类似。妆要化的好神采飞扬。但是如果让别人觉得不自然甚至是浓妆艳抹，因辞害义，那么就没什么意思了。所以闪光灯是很好玩的东东，作用也很大，各位多多琢磨。另外sb800加上两块反光板就可以构成最简单的移动外拍灯，非常简便高效，效果可以看我贴出来的照片，都是在拥挤的宿舍拍摄的而已。所以sb800很好玩很值得。充分挖掘器材的性能，总是一件很有意义的事情。我在85/1.8和它之间选择了后者，至今不悔。

最近发现用D70配合sb800,用ttl－bl，发现拍摄一些近物时候，过曝，感觉ttl－bl发光量不准。而将sb800 bl去掉就可以曝光正常了。这个问题困扰我很久了，网上找不到任何答案。昨天晚上终于发现了。研究d70 和sb800说明书发现，d70在测光模式用3d和中央测光时候采用的测光方式为ittl bl就是代均衡闪光的测光，在用点测光模式就是标准的ittl测光模式，一次用d70内闪时候，如果采用3d活着中央测光拍摄一些反差较大场面（对焦点和整个画面有较大的反差）时候也会出现曝光不准的现象，而用点测光表现正常。在使用sb800的时候，如果d70采用点测光模式，sb800就不带ittl-bl模式现象，这时候就是标准的ittl测光模式，如果d70采用3d或者中央测光，sb800就有ittl 和ittl-bl模式，拍摄一些反差较大场面时候，发现ittl曝光正常，ittl－bl曝光过渡。测试过程发现：拍摄一些较广场面的时候两种测光模式基本相同。

结论：对一些区域要求准确曝光的绝对只能用d70 中央或3D＋sb800 ittl，或者d70点测在拍摄场面中无要求准备曝光的小区域时候可以用ittl－bl模式，但是个人感觉这个模式经常会不准，还是标准的itll模式准。

TTL BL过曝是主体和背景距离过大的原因，BL的功能是要平衡背景，如果背景和主体不在同一个平面上或者颜色太深，肯定会过曝。同样，如果背景很亮，或者是高反光的东西，比如做PPT的时候的屏幕，主体只有放在对焦点上，才能解决这个问题。

SU-4模式不是无线TTL模式，而是离机闪光同步而已。TTL无论是A档、S档甚至M档都会在出力范围内输出正确的暴光量。SU-4要么就是手动指定输出量，要么就AUTO跟随主闪光的闪光时间，

SB800的无线TTL模式应该设置为“REMOTE”模式，而不是SU-4。设置为REMOTE后有通道“1234”和组别ABC选择，如果用内闪（内闪在机身设置外TTL指令模式）引发SB800，请将SB800的通道设置为3。如果用机顶SB800引发外闪SB800，设置为任意相同的通道就可以了。除非有其他支持CLS无线TTL的机身，并且设置为和你同一通道才会个干扰到你的闪灯，否则任何闪光都不会引发你的无线闪灯。两个人一起用D70无线遥控，只要大家通道不相同也不会干扰，其他的相机闪光更加不会（无线TTL闪光是靠闪光引发的）

配合D70s，说明书，还有一些不明白的：
1、用remote(没拼错吧？)无线引闪的SB800可以像在机顶一样变焦吗？
2、个人感觉快门释放前内灯有不到一秒的高频闪烁，是否是“什么”－TLL的测距在工作？但是不是说那个一连串的闪烁是看不到的吗? 问题是：触发SB800无线引闪的是之前内灯的高频闪烁还是和快门一同释放的那次“大闪”？
3、在户外此灯如何和反光板配合？是反光板反闪灯的光还是闪光灯和反光板各自工作？

答:
1、SB800离机之后不能自动变焦
2、内闪那一连串的闪烁是以特定的闪光方式遥控SB800所需要的闪光量,触发SB800的当然是最后一次的大闪了,用内闪无线遥控SB800时内闪本身是不参与暴光的,不需要发出闪光来TTL
3、反光板是一个反光工具,既可以反射自然光,也可以反射人造光,具体怎么好用LZ自己琢磨了

SB800在D70身上已经没什么好玩了，昨晚琢磨了一下在佳能系统可以怎么玩呢？
于是乎就把EOS 300给翻出来了。经过简单测试以及理论推断，SB800可以在任何TTL闪光系统下“实现TTL闪光功能”。SB800用SU-4功能（闪光同步），这是唯一在其他闪光系统下可用的功能，俺可没敢把闪灯装上机顶去。为什么说可以实现TTL功能呢？SB800具有连续闪光（和快门是同步的，非频闪）功能，可以跟住其他闪光高速同步多次。EOS系统TTL闪光，SB800在你设定的输出值（少于闪光次数的倒数，闪4次最多只能设置1/4输出）跟随机身的TTL一样闪光两次。这样一来内闪在预闪时就会把SB800的闪光量一并计算进去，到正式闪光时SB800也以同样的出力再同步多次，达到TTL闪光效果。

1、无论你主灯是单次暴光频闪、预闪，多次暴光连闪，怎么闪SB800都能给你每次跟上
2、SB800的出光光量设置可以尽量少，例如设置在1/64，但正确暴光需要1/16。主闪灯在 TTL预闪时会计算SB800的输出量（SB800已经闪过一次了），主灯补上那需要的1/16~1/64的差距就可以了，所以这种使用方法还是TTL的
3、不单是佳能系统，因为SB800这个功能，基本上可以配合其他任何系统的TTL闪光使用

总结：
D70配合SB800婚宴拍摄心得，经过多次的临场婚宴实战，总结一下关于D70配合SB800的使用心得
1、必须带闪光灯！就算你有F1.0的镜头
2、使用广角变焦镜头（折合FF相机焦距起码28MM或者以下），定焦的大光圈镜头不推荐。实战证明摄影师很多时候都处于抓拍而非摆拍，照顾拍摄的角度站位很受局限。
3、婚宴的灯光一般都比较统一，光照范围也平均。最好相机M档设置好一个固定的光圈和快门照顾环境光（使用A挡打开闪光灯前帘同步也等于固定光圈和快门）。自动设置的变化会令整缉照片的背景明暗不一，都不像同一场景下拍摄了。
4、千万不要使用全图分区自动侧光，测光的准确性决定闪光灯输出量的准确性！主体的衣着颜色会严重干扰侧光的准确性，穿黑衣服的就过暴，穿白衣服的就欠暴。
5、使用闪光锁定，如果是D70或者其他支持i-ttl的机器配合SB800，每张照片构图拍摄之前都使用FV闪光锁定功能，则保证暴光正确率可以达到100%。正确的闪光锁定操作：变焦镜头用最大焦距将中心焦点完全覆盖在主体的面部，然后按下A/E L键预闪锁定闪光，然后再构图拍摄。如果构图之后再进行闪光锁定，会因为焦点中可能包含太多的东西而干扰准确性。
6、多人照起码要连拍两到三张，很多人的眼睛很敏感，可以敏锐地和你的闪光同步闭上

关于电池:
1、碱性电池的自放电率小相对于镍氢电池的充电便利性无任何优势可言，隔天充满的镍氢电池在容量上是绝对性优势击败碱性电池。找有充电的地方绝对比找有金霸王卖的东西容易。不过现在新出的三洋镍氢电池一年的自放电率为15%两年是25%，孤寡了不是
2、就以可靠性来说，碱性电池在低温环境下使用，可能比镍氢电池更可靠。
3、单就闪光灯而言，最适合使用的就是镍隔电池。其特有的大电流放电特性，会让Guowerdwj深切体会到“五节高容量碱性电池的回电时间”不是一般的慢啊。我具体形容一下五节镍隔电池在SB800上的回电时间吧，如果你是使用D70之类一秒连拍3张左右的机器，闪灯的回电时间基本可以忽略，你能拍多少张它能给你闪多少次。闪他个一百张左右电量消耗，碱性电池由于电压下降的原因回电时间已经线性上升了，镍隔电池依然维持满电时的放电状态，直至临近终止电压1V时一下子彻底降压完全放电完毕需要更换电池。

测试了一下电池，三菱的标称2000毫安时四节电池，闪光量大于或者等于1/4输出量每次，SB800一共闪了三百多次（我大概拍了四百张产品照，每张都闪光）回电时间还不超过三秒

广告摄影的景深控制

2006-10-12T16:14:00.000+08:00

作者：邵大浪
人们在观看广告照片时经常会发现这样的现象：有的照片中很近的景物到很远的景物都非常清晰，而有的照片中除了被摄主体清晰外，主体稍前或稍后的景物都模糊。为何照片的清晰范围会产生如此大的不同？拍摄时如何控制被摄体的清晰范围？这便是本本讨论的主题—景深的控制。
决定景深的因素
　　在摄影中，要自如地控制景深大小，必须要先了解景深的大小与哪些因素有关。一般地，对135和120照相机来说，影响景深大小的因素有光圈、镜头焦距、摄距、影像允许的模糊圈大小等；而对大片幅照相机来说，除了以上因素外，照相机的移轴调整也会影响着景深的大小。
　　1. 光圈
　　光圈大小对景深有着直接而重要的影响。所用的光圈大，景深小；光圈小，景深大。在控制景深的过程中，调节光圈大小是最为简便而有效的手段。
　　2. 镜头焦距
　　一般认为，景深大小与镜头焦距成反比关系。镜头的焦距短，产生的景深大；镜头的焦距长，产生的景深小。
　　3. 摄距
　　景深的大小与摄距成正比关系。在光圈、镜头焦距等因素不变的情况下，摄距越大，景深就越大；反之，景深越小。在摄距很小的情况下，摄距对景深的影响显得特别重要，此时，不管用大景深的广角镜头，还是用小景深的远摄镜头，在同倍率摄影时，景深几乎是相同的。
　　4. 影像允许的模糊圈大小
　　影像可看成由无数光点构成，光点的直径越小，影像越清晰，随着光点直径的增大，影像渐渐地变模糊。所谓的模糊圈，就是指一个临界的光点，当构成影像光点的直径小于这个临界光点的直径，也即小于模糊圈直径时，影像是清晰或较为清晰的；而当构成影像的光点直径大于模糊圈直径时，影像就显得模糊了。影像允许的模糊圈直径取决于影像放大倍率、观看者的视力和观看距离三个因素。对于同一张胶片，若将影像进行高倍放大，并从近处观看，那么，胶片上可允许的模糊圈直径就变小，相对地，景深也变小；相反，若胶片上影像不作高倍放大或观看距离较远，胶片上可允许的模糊圈直径就变大，景深也显得较大。
　　5. 相机的移轴调整
　　如果拍摄时使用的是镜头和胶片位置都固定的135或120照相机，那么，影响景深的因素一般就是上面四个因素，但是，在广告摄影中大片幅照相机被广泛使用，大片幅照相机通过前座、后座的移轴调整，不仅可以改变被摄体的透视关系，而且可以改变被摄体清晰度的分配。使用大片幅照相机时，通过移轴对清晰度进行重新分配，也即对景深进行控制，往往比利用上面四个因素来控制更为重要。
135和120照相机的景深控制
　　对135和120照相机的景深控制一般采用控制光圈大小、选用镜头的焦距及摄距的大小等方法进行。在景深的控制中，掌握最小景深和最大景深的获取是最具意义的，因为，只要掌握最小景深和最大景深的获取方法，对其他大小景深的控制自然会迎刃而解的。
　　1. 最小景深的获取
　　采用小景深拍摄的画面，往往只有被聚焦的拍摄主体是清晰的，画面中的其他部分，如前景或背景都呈模糊状，而这些虚幻、柔和的模糊部分却更加衬托了拍摄主体的清晰和醒目。小景深拍摄法是一种很有力的突出主体的拍摄方法。
根据景深与光圈、摄距及镜头焦距的内在关系，使用中小片幅照相机摄影时，一般采用下面的方法获取小景深：最大光圈 + 尽可能小的摄距 + 长焦镜头。
　　在获取最小景深的三种方法中，采用最大光圈是既简便又效果很好的方法，它不会引起被摄体形变和空间透视失真的效应。适当地缩小摄距，可以使景深变小，但过分地缩小摄距，则会引起被摄主体形变失真。而采用长焦镜头来获取小景深，同时会带来空间透视压缩的效应，而且镜头的焦距越长，空间透视压缩的程度越大。
　　2. 最大景深的获取
　　采用大景深方法拍摄的画面，其清晰度的范围非常大，往往从很近到很无限远都清晰。这种大范围的清晰度对拍摄环境的描绘，被摄主体在环境中的位置的交代以及景物透视关系的反映都很有利。
　　获取最大景深的方法为：最小光圈 + 短焦镜头 + 超焦距聚焦。
　　获取大景深较简便的方法是采用小光圈，但随着光圈的缩小，曝光量也将明显减少，为了保持合适的曝光量，必须将快门速度放慢，但当快门速度放慢至1/30s以下时，容易造成照相机的晃动而影响影像的清晰度，此时可选用高感光度胶片或三脚架来解决。此外，当光圈收缩至最小时，还有可能使镜头产生绕射现象，对成像质量有一定影响，因此，在景深效果允许的情况下，可将光圈从最小光圈开大1〜2级以保证成像的质量。
　　在获取最大景深的三种方法中，采用短焦镜头往往不可取。因为，在同样的拍摄状况下，虽然短焦镜头较标准镜头和长焦镜头能产生较大的景深，但短焦镜头会给拍摄画面造成畸变，并且还会改变画面中的远近透视关系，它使近处的物体显得更大，而远处的物体变得更小。镜头的焦距越短，这种畸变和改变透视的现象就越严重。
　　至于超焦距，它的定义如下：在某一焦距和光圈大小下，当镜头对无限远聚焦时，镜头至景深近界的距离就称为这一焦距和光圈系数下的超焦距。拍摄中，当我们对超焦距处进行聚焦时，景深范围会由原来的超焦距处至无限远扩展为1/2超焦距处至无限远，也就是说，景深比原来增加了1/2超焦距。需要注意的是，虽然超焦距聚焦扩展了景深范围，但我们要牢记除了聚焦点平面的影像是清晰的外，景深范围内的其他影像都是较清晰的，其清晰的程度取决于可允许模糊圈直径大小。因此，在下列的拍摄情况下无需采用超焦距聚焦：①被摄主体在无限远处，无前景或前景影像不需清晰。②被摄主体位于有限远处，但背景或无限远处不需清晰。在这两种情况下，只需对无限远处或有限远处的被摄体聚焦，便可获得最佳质量的影像。
大片幅照相机的景深控制
　　对大片幅照相机来说，控制好景深是一件相当不容易的事，光圈、镜头焦距、摄距和影像允许的模糊圈大小都会影响景深的大小，更有甚者，大片幅照相机可以通过移轴来控制景深。移轴操作的千变万化，一方面使大片幅照相机做到了一般中小片幅照相机无法做到的对清晰区域的精确控制，而另一方面，也使大片幅照相机的景深控制变得特别复杂。
　　1. 增加纵向景深
　　对于增加纵深方向排列被摄体（如图1）的景深，使其近处清晰，最佳的办法就是运用莎姆弗鲁格定律。具体的操作如下：①将照相机对无穷远处聚焦。②把照相机整体向下移动（X→Y），从而改变被摄体与胶片平面的相对角度。③将前座下俯，使镜头平面、胶片平面和被摄体平面的延长面相交于一线，莎姆弗鲁格定律得以实现。④升降照相机后座，最终修正影像区。采用这样操作的好处是既能获得强烈的透视效果，又能获得很大的景深。
　　2. 同时增加纵向和横向景深
　　当被摄体的各部分在一个平面上纵深排列（如图2），景深的增加需要在纵向和横向同时增加。具体的操作如下：①确定正确的照相机位置。先将未加调整的照相机指向被摄体，注意不能让主体占满整个取景屏，一般被摄主体最近点相当于10倍镜头焦距时影像占3/4取景屏，被摄主体最近点相当于5倍镜头焦距时影像占2/3取景屏，否则，在下面的扭转和位移操作中很容易使影像越出取景屏。②使被摄主体最远点F在取景屏上聚焦为F1。③横向直线移动后座，使远点的像处于画面的预定位置上。此时要注意，不要让被摄体近点的像处在画面的边缘，因为在下一步旋转后座时，近点的像将会由N1外移到N2的位置上，要防止N2越出取景范围。④旋转照相机后座，使胶片平面、镜头平面和被摄体平面的延长面相交于一线，莎姆弗鲁格得以实现，这时，被摄主体近点的像变清晰。
　　如果拍摄时除了增加景深之外，还需获得特殊的透视效果，则可采用这样的方法：先确定胶片平面的角度，得到预想的透视效果，然后转动镜头平面以实现莎姆弗鲁格定律。
　　 3. 反莎姆弗鲁格定律
　　在大片幅照相机的景深控制中，运用莎姆弗鲁格定律可使被摄体任意方向上的一个面在影像上得到全面的合焦。由此引申开来，如果将莎姆弗鲁格定律反过来使用，那么就可以轻而易举地将被摄体的清晰范围限定于对焦点上，而使其它部位影像模糊。在具体操作上，只需将照相机的前座和后座按莎姆弗鲁格定律反向扭转，这样就违背了三平面的延长面交于一线的原理，从而限制了对焦平面影像的清晰范围。通常，只须反向在水平轴仰俯，同时在垂直轴上旋转就可达到将清晰范围限定在一条线上或极小的区域内。
　　4. 扭转与光圈缩小配合
　　利用莎姆弗鲁格定律可以控制影像清晰度的分配，但是莎姆弗鲁格定律只能使被摄体的一个平面全面合焦，对于两个或两个以上平面清晰度的提高则无能为力，而在专业摄影中，拍摄的物体往往是三维的。另外，在控制景深的过程中，如果照相机移轴调整的幅度较大，除了带来较大透视变化外，还使镜头光轴较大地偏离胶片平面中心，离开光轴较远一侧胶片所得的光线会较弱，整个乳剂感光会发生轻微的不均匀，因此，拍摄时，照相机的移轴调整幅度尽量要小，以设法减少由此产生的不利因素。从上面两点可知，大片幅照相机仅仅利用扭转全面增加景深还不够，还需缩小光圈来配合（如图3）。
　　景深分前景深（对焦点以前的景深）和后景深（对焦点以后的景深），随着光圈缩小，前景深和后景深同时增大。拍摄时，选择合适的对焦点很重要，不然，在光圈缩小时会造成或前景深或后景深的浪费，这是相当可惜的。通常，在近距离拍摄时，前景深与后景深的大小大致一样；在中、远距离拍摄时，后景深增加得比前景深大。因此，为避免过度地缩小光圈，一般将对焦平面确定在被摄体的前1/3处位置上，这样，不需要使用太小的光圈也可以全面控制景深。
　　从光圈与景深的关系规律看，为了追求最大的景深，除了将照相机作最佳的移轴调整外，还应该将光圈收缩至最小。但在实际操作中，并不是按光圈与景深的规律将光圈收缩至最小来获取最大景深。这是因为，相对于光圈全开状态，适当缩小光圈可减少对解像力不利的诸多像差，提高了镜头的解像力；但是，如果光圈过分缩小，镜头的解像力反而会下降，这是由于光的衍射所至的。光线从光圈的边缘通过时，其前进方向被弯折，不能形成清晰的影像，随着光圈的缩小，这种衍射的比例逐渐增加，对镜头成像质量的影响也越大。
　　在景深控制中，光圈缩小至多少，既可保证一定的景深，又不会使光线的衍射现象产生不良影响，这是每个摄影师都应认真考虑的。一般来说，光圈缩小时，短焦镜头受衍射的影响比长焦镜头来得快。因此，135相机镜头的光圈一般最多只能收缩至F16或F22；而大片幅相机镜头一般能收缩至F45，对长焦镜头，甚至可收缩至F64或F90。但不管怎样，摄影师必须充分意识到，过分地缩小光圈，必定会使镜头的成像质量下降。
　　5. 几点有用经验
　　大片幅照相机的景深控制实际上是相当复杂的，记住以下几点有用的经验，会使调节操作变得简单些。
　　（1）用照相机扭转控制清晰度只能用于被摄体的主要平面与胶片平面成斜角并均匀地向纵深延深的场合。
　　（2）照相机的扭转对于与胶片平面平行的被摄体没有意义，在被摄体有两个或两个以上的面需要提高清晰度时也无能为力。
　　（3）在具体操作中，多以扭转胶片平面来控制影像的透视变形，以扭转镜头平面来控制影像清晰度的分配。
　　（4）在可能的情况下，应先利用扭转来校正被摄体的清晰度。通常先寻找被摄体最近点的合焦位置，因为这一点要求蛇腹的延伸量最大。
　　（5）在确定画面基本构图时，一般将被摄体最近点的影像在取景屏上留有充分余地，以防在位移和扭转操作时此点影像移出取景屏外。

坝上晨牧

2006-10-12T13:48:00.000+08:00

坝上晨牧 7:30 AM, by cavenli2008.

当早上太阳刚刚升起的时候，在一片山坡上游走，意外地发现一个世外桃源的地方，看到牛儿马儿低头安静的吃草，似乎全然没注意到外人的打扰，我马上驻足捕捉下这幅画面。

太阳已经升起一小会儿，色温迅速的变化，坡起坡落之间的美妙光影也行将消失。远处在阴影中的山坡也是沐浴在阳光下的树的良好背景，只是 28-75mm 无力企及。

我把中景中的牛羊安排在画面的视觉中心，远景用晨光中的两棵树延伸视线，前景用树枝作为打开视野的窗户。

摄于早上 7:30

Source of Subscribers

2006-10-10T11:29:00.000+08:00

Subscriber, by cavenli2008.

婚礼摄影的必拍镜头及要点

2006-08-09T17:39:00.000+08:00

婚礼摄影的必拍镜头及要点

对新人来讲，那天是你们人生中的重要一天，虽然会有很多新人在那天结婚，你们会有很多类似过程，但对你来说也有很多不一样的地方，这就是个性化和经典的，你希望比较特别点的婚礼，而不是刻图章，下面罗列是一个比较通用的婚拍流程和个性化风格，基本上都是必拍场景你可以参考。牢记一点的是备用电池!!，更重要的是备用机!（和主力机性能上差的不能太多）一般说主力机和备用机在N/C之间选择比较好，NIKOA的D10/20 D70 和CANON 350D 10D 20D都是经历过了无数个轮回证明过它的品质和历久弥新生命力的经典机器，绝对值得信赖，另外象奥林巴斯E-300 ，柯尼卡美能达a7D 也是能满足备用机的要求的！另外尽可能开足机器的性能，手要勤劳，该手动时就手动控制,一些复杂的环境自动完成不好，要有助手，如打个反光板，柔光灯什么的
1. 新娘在镜子前面化妆；
2. 新娘在女傧相的帮助下换衣服；
3. 新娘的全身照和半身照；
4. 新娘和女傧相的合影。
5. 新娘与父母合影；
6. 母亲为新娘整理衣服；
7. 父母叮嘱新娘；
8. 新娘与父母话别。
9. 新娘走出家门；
10. 新娘上花车、在车里；
11. 花车在路上；
12. 在饭店等候的新郎和男傧相；
13. 新娘下花车；
14. 放鞭炮或是奏乐、抛洒鲜花花瓣和彩纸屑的仪式；
15. 新人在花雨中步入饭店大门。
16. 新人与所有亲友合影
17. 婚礼的大全景；
18. 主持人宣布婚礼开始，介绍新人；
19. 证婚人发言；
20. 新人亲友发言；
21. 新人介绍恋爱经过；
22. 新人交换信物；
23. 新人向双方父母行礼；
24. 倒香槟塔
25. 喝交杯酒
26. 切单糕
27．新人相互祝酒；
28．新人向参加婚礼的亲友敬酒；

上面讲得是大家常遇到的过程，但你也可以让你的婚礼中，拥有期待（图1），有精心布置（图2），有难忘的时刻（图3），有新娘的特别礼物（图18），有暗香浮动的瞬间（图4）和风花雪月的时光（图5）一个以散文手法来拍摄的剧情婚礼。而不是流水帐。

拍照和摄影有什么不一样？如同写字和作文。

新人对谋求个性化之五大要点
1．沟通和剧本 2.对摄影师的要求 3.合理用光 4.相机的选用 5.创造气氛
一．沟通的好处
个性化？你会说这很难吧，我们是小老百姓呀，又不是明星。其实说穿了就不难了，关键在前期沟通和剧本的构思。你有很多独一无二东东，比如说：1。你的生活环境；2。你的情感；3。你的个人情趣爱好；（如果你喜欢摄影我又多了一个朋友：））4。你对周围事物的看法；5。你们的父母和亲人；6。你的铁干朋友们等等，虽然我们都是地球人，然而我们却很不同呀，我们要走的路取决于我们的内心深处。如果我要把你的婚礼拍出个性来，就要了解你对婚礼的想法，走进你的生活圈，就需要和你来沟通.
举个剧本小例子，有个新娘，父女感情很好，一直很关心女儿的成长，有慈爱有烦恼，女儿要出嫁了，老爸的身体却不太好了，临走时新人给父母敬茶，这是婚礼中常见的，茶后新娘讲：老爸，小时候我骑着你脖子去逛街，后来你用自行车带我逛街，我不懂事要你硬闯红灯，还被警察罚款，现在我结婚了，你却病了，让我抱你一次吧，我会常来看你的。说着自己忍不住哭了，此刻哪个八尺高的北方汉子，面带笑容含着泪花，张开双臂，紧紧抱住女儿，新郎不失时机的说了一句：我会常来陪你下棋的。边上起哄的人压雀无声，频频点头，只听快门在响。虽说新娘有准备，但这是真清的流露，不是做作，不是摆POS。婚礼摄影就是要拍的真情，错过不能重来！它是自然的记录，而不是千篇一律的制造。
其次，拍过婚纱的新人都知道，一拍就是大半天，而婚礼那天新人会很忙，时间很紧，那么短的时间里，要拍的与众不同，真的很难！如果沟通不充分，剧本没好好的策划，摄影师和新人都会心中没底，很容易拍成流水帐。

二．对摄影师的要求
1. 因为婚礼摄影要求很高，因为瞬间的掌握非常重要。婚礼具有不重复性,不能要求再来一遍,这点比电影拍摄的要求要高的多.有些摄影师是非常优秀的,但他不很了解婚礼摄影这一行,同为摄影,却隔行如隔山,就不能很好的表现婚礼，因此必须事先，了解婚礼的过程,大量的使用陷阱手法,在可以预料的时刻等待,抓取真情一刻.
2.有平面设计的经验,拍的时候就要考虑好构图是否适合相册的制作.(图6)
3.要富有激情,了解时尚,善于和新人沟通,摄影师年纪大点不要紧,但要把婚礼当作自己的创作来拍,而不仅仅是来赚钱的,这样你就会有很多优秀作品.
4.别人的相机再好也别用,用自己熟悉的相机,就不会手忙脚乱.
5.拍的前一天一定要休息好,婚礼摄影是个体力活,一天上窜下跳十小时,身体不佳顶不住的.

三．合理用光
离开光线是拍不成照片的,大多数家庭的灯光照明都不是为摄影准备的.因此摄影师必须带灯!最便捷的就是TTL闪光灯,它能很好的捕捉瞬间(图7) ,这是常用的手法;
经验丰富的摄影师喜欢用自然光+补光,它有很好的表现力,能展示出细腻的层次,和光影效果(图8) ; (图9)
在室内拍摄时最好布光,我曾用五个电影灯,把房间布置成了一个亮桌,让新人在里面自由的表现,效果很好,光影细腻.缺点就是布光时间太长,太费神,婚礼那天时间仓促,新人不会给你那么多时间!如果时间很宽余,那是就是拍广告的效果，新闻灯布光也是个不错的选择,它的色温3200K,呈暖色调,很有温馨感(图10) ,可以结合日光,以混光布光,很有诱惑力,有人使用U2灯,我认为是个不错的点精之光,可惜我还没试过,找机会再给大家看:)
总结,室内拍摄最好用灯布光,照片层次细腻,表情自然投入,没有千片一面的感觉(图11),如时间不允许就只能靠闪光灯了.
四．相机的使用
1. AF相机带自动卷片，抓拍速度更快！
2. 要有手动控制,一些复杂的环境自动完成不好
常有人问我用什么牌子的相机好？我很难回答，合适的就是最好的！相机在摄影师手中只是一个工具，关键看你怎么用。
五．创造气氛
尽管摄影师和新人交流了很多，但毕竟他们是第一次，还会有很多不能预料的事发生，他们的家人和朋友并不很了解你们的沟通情况，有些紧张是很正常的，此时的摄影师又是导演，要引导新人，创造良好的气氛，放松心情。
带着一颗创作的心来看待婚礼，走近他们的家庭，见证了一个重要时刻的，惊讶于各地的风俗，看见来自内心的快乐，以独特的手法，记录生命中重要的转折。使之成为永恒。

对摄影师来讲，如果纯粹为了赚钱，而去拍个性婚礼，那还是放弃，从策划到拍摄，一个敬业的摄影师，会花费的大量精力，这样的投入，完全可以去拍广告，赚成倍的钱。但如果带着一颗创作的心来看待婚礼，那么就会走近了他们的家庭（图12）,（图13）,（图14），见证了一个重要时刻的（图15），惊讶于各地的风俗（图16），看见来自内心的快乐（图17），以独特的手法，记录生命中重要的转折。使之成为永恒。

人像摄影要诀初探

2006-08-09T17:00:00.000+08:00

人像摄影要诀初探

    19世纪法国著名摄影家图尔纳松指出：“一个摄影艺术家，不论其照相机的性能如何，都应该把焦点对准人物的脸部，抓住人物的神情，刻画人物的心理特征，使其神韵跃然于画面之上。”显而易见，图尔纳松这段论述的核心揭示了人物人像摄影技术是摄影家首先必须关注并掌握的要义。人是万物之灵，人是生活的本源。摄影家关注人物人像摄影，是”以人为本”摄影理念的体现，是把人作为社会发展的根本动力，作为造就摄影艺术，推动摄影事业发展的基本规律的认同和实践。本文试从理论与实践相结合的视角，对人像摄影的基本要诀作一些初浅探索。
    一、追求美感
    从美学角度来说，美的本质就是协调和谐、赏心悦目。柏拉图认为：“人是上帝缔造出来的最美的艺术品”。作为以捕捉和再现美为己任的摄影师来说，我们没有理由不把人的美感通过相机和图片记录和展现于世。人的面容、肢体、曲线无不成为摄影师展现美的元素。而人又是千差万别的，世界上不可能有两个完全一样的人。从性别上有男女之分，从年纪上有老少之分，从体形上有高矮胖瘦之分，从五官长相上更有凹凸大小疏密长短之分。这就要求摄影师善于从中挖掘和发现美，运用灯光、镜头、化妆、服饰等一切技术手段塑造美，最大限度地追求人像摄影协调和谐、赏心悦目的美感。赏心悦目是一般大众也包括一般摄影师对人像摄影作品的基本要求。无论是个人写真、商业人像、婚纱人像、新闻人像乃至任何一个摄影领域中涉及的人像，无论是被摄者、摄影者和观看者，无不希望看到赏心悦目的人像照片。当然，它的基本要求是图像清晰、用光正确、构图合理、影调和谐。
    合格而称职的摄影师，应当会做人像摄影的“加法”，即：把原本不怎么好看的被摄对象拍出赏心悦目的美感。要达到赏心悦目这一境界，除了对摄影师本身的素质提出要求之外，还依赖于一些客观因素，如：优秀的化装师、美丽的服饰、精致的道具，高档的摄影器材、高级的灯光、设备先进的摄影棚，高级的照片后期加工系统、精美的装裱和精心的编辑策划等等。非摄影本体语言过多的介入和摄影本体语言的淡化是最大的缺陷。所谓摄影本体语言就是摄影技术、艺术的独特表现手段，包括胶片的运用、曝光的控制、摄影用光和构图等等。而非摄影本体语言主要是指原本对摄影起辅助作用的非摄影表现手段，如化装、服饰、道具等等。在这些人像摄影中，摄影本体语言一般较为淡化，而在所剩无几的摄影本体语言中，绝大多数已成为一种固定的模式和套路，甚至还会有所扭曲。譬如：在用光上，摄影师常常为了迎合大众口味，更多地采用正面光及柔光，使人物产生含蓄的美感；在曝光上，为了消除脸部皱纹，使肤色显得白晰，让人变得年轻，经常采用曝光过度的方法，使人物产生青春的美感；在构图上，摄影师常常打破传统的构图法则，运用不平衡和较大角度的倾斜等手法，使画面产生新奇的美感；在影调上，采用了高调或低调的表现形式，产生视觉强烈对比张力的美感。
    对于摄影师来说，选择拍摄与用光的角度来美化被摄者的方法与手段，是艺术人像摄影中的一项过硬的基本功，但仅仅掌握这一基本功还远远不够，除此之外，还必须得明白：美化人物须自然而然，切不可生硬做作。应该说，美在于自然，自然而然的美才是最高境界的美。因此，摄影师在处理人物造型时应时时处处把握好这一总体原则。
    二、追求传神
    在人像摄影中，神与形是密不可分、融化一体的两种元素。形是神的载体，神是形的灵魂。“神”一般指人物内在的气质、性格和情感，也叫神态。“形”一般指人物外在的体形、容貌、动作和表情，也叫形态。形者，神之宅；神者，形之主。形神二者，互为依托，缺一不可。在艺术创作中，只有“形神兼备”的作品才能算得上是优秀的作品。作为一个人像摄影师，必须首先认真地研究被摄者的气质特征、性格类型、兴趣爱好、所从事的事业及其成就等等。从其脸形、身体、说话时的神情举止中概括其个性印象。看他们的面孔属于哪一种形状，体形属于哪一种类型，适合于哪一种方式去表现，是否还存在某种缺陷。除此之外，你还应看到被摄者是否因为在镜头前太紧张而失去了常态。你应当适当地加以安慰，耐心地启发诱导，令其保持轻松愉快的心情。一般地说，即使是没有任何缺陷的面孔、身材，也不是每一种姿势与神态都适合于他。你得细心地加以选择，直到镜头中的效果满意为止。有时，在充分了解被摄者个性的基础上，可以尝试用中国传统的审美方法，如用形象会意的设计来展示你对被摄者的形神。
    一般说来，被摄者的外形条件好，神态也就容易拍得美。这进而有两层意思：一是指被摄者本身的自然条件要好；二是指形体的控制要得当。形体控制不得当仍然是不美的。我们所说的被摄者的外形条件要好，也并不是绝对的，许多外形条件并不怎么样的被摄者也同样能被置于人像艺术之林。关键取决于其外貌形态能否恰如其分地反映其内在性格特征，亦即形态要服从于神态。只要神态及其内在的精神动因是美丽的，哪怕外貌有缺陷，也应当算是美的作品。
    在人物肖像绘画艺术中最难的事，就是画出人的精神。没有“神”就不会有生气，画面就“立”不起来。人像摄影同样必须注重神态的处理。神态处理得好，画面中的人才能是活生生的、富有个性的具体可感的人。如果说人像摄影只是摆摆姿势，那就容易多了。事实上，人像中最精彩的部分，还在于神态的真实与完美。姿势易摆，神态难抓。过去的艺术人像曾一度为了“思想”而装“神”、找“神”，将人物变成了“时代精神的传声筒”，而在揭示人物真实内心世界的深度与广度上则大受局限。而今某此商业人象中的唯美、唯利所造成的“取貌遗神”的做法，在一定程度上也影响着艺术人像摄影的创作。艺术人像摄影的第一要务是刻划人物的内在气质及神韵，在体现被摄人物个性的同时又要表现出摄影创作者的个人感受和创作特色。一般地说，艺术人像对外貌的要求并不高，不过因为创作的对象是人，且谁都不会反对将自己拍得更美些，所以，商业摄影中的一些美化技巧也常被用于艺术人像摄影，但这些手段的运用只是为了更好地表现其内在的性格，而不能因此“取貌遗神”。
    摄影术的出现使得人像再现的“相象”问题变的轻而易举，当代人像摄影的发展又似乎脱离了这一发展方向，尤其是流行的当代商业人像越来越不象本人，而离惟妙惟肖的距离也显得更为遥远。这里的惟妙惟肖当然不仅仅是简单的“相象”，而是在赏心悦目基础上的神形兼似。笔者认为，神态的捕捉应该是摄影师永恒的主体，也是一幅人像摄影作品能否做到惟妙惟肖的关键。拍摄时，如果你从不用道具或背景干扰，不论哪种情况，你都要认真地引导被摄者，抓住被摄者的面部表情，从而拍到许多传神之作。
    三、追求个性
    英国著名摄影家克里斯·利期认为：“个性是在拍摄人像过程中最难掌握的部分。如果你能发现一种拍摄人物个性的奇妙方法，那么你将成为像卡什、布兰特和斯诺登那样的人像摄影大师了”。利斯还说过，“如果你拍摄的是供大量翻印的人像照片，那就不大可能拍摄出人物的性格。但如果你给朋友拍摄人像，那成功的希望就大得多，大多数成功的人像照片是因为你熟悉你的被摄者，这样拍出来的照片，被摄者看后一定会说‘这完全像我。’”。
    从表象上看，纪实与表现，即:机械复制方式与个性化的艺术表现手段之间，似乎是隔着一条不可逾越的鸿沟，永远也无法统一到一起。从实质上看，世界并不象我们想象的那么单一，任何事物都是一个矛盾体，对立统一是事物存在的方式和发展的动因。摄影艺术就是在这两者之间寻找一种平衡与契机。如何在纪实中充分有效地融入个人的情感、审美理想与人生的追求，即应当采取哪些具体的行之有效的表现手段，也正是艺术人像所面临的最大的任务。
    我们不妨尝试着从纪实的一方中打个探索的缺口。我们细细分析便会发现，摄影的所谓写真性、客观性与纪实性，其实都只是一种摄影外在所给世人带来的总的印象，摄影过程的许多地方都大量地存在着主观性的因素。以选景为例，你可以这么选，也可以那么找，各人自有各人的道理，完全听凭主观意志行事。我们说摄影是一门全面控制的学门，但究竟如何根据具体的表达需要去控制，是不确定的，也就是说，控制方式本身也是多样化的。摄影的这种纪实方式本身就已充分证明了摄影自身具有各种各样的可选择性因素，以及每一种选择的背后都隐含了有倾向性的表意成份。人们普遍认为，标准镜头由于其视角较接近于人眼，因而用标准镜头所拍摄的画面显得“客观真实”，因为它看上去似乎与人眼所见到的“一样”（殊不知，用标头拍摄，在画面的经营、选择与构思上仍是主观的，画面感觉之所以会与真实的“一样”，是因为镜头与被摄者隔了一段距离，如果离得非常近，到了0.45米的根限距离，我们再来看一看这时的人脸几乎充满了整画面，其变形与虚化的程度就会证明：这是一种主观主义的影像）。与标头不同，广角镜头具有较主观性的一面，用广角镜头拍摄人像特写，则尤其显得其视角冲击咄咄逼人；而长焦距镜头拍特写，尽管较不易变形，但选哪一个角度的局部，拍成怎样的特写，这本身也纯属摄影师个人选择的自由，但这种选择一旦被确定下来变成了画面上的影像，则对于欣赏者来说便是一种无选择余地的不自由，是被一种来自于镜头与景别感觉的无形的力量强制着看。如果确实是值得一看，那么画面的表现就成功了，如果你能从中端祥出某些你不曾见过的东西，琢磨出你不曾想过的问题，那么就证明，这幅人像画面的表现到位了。而反过来，画面本身就不值得一看，那么观者势必会反感，产生拒斥心理理么有关画面中的种种表现想法也就无法得以实现了。值得看，其实就是指画面中有吸引人的新鲜东西，你总得让观赏者有所发现，有所受益，有所满足，也就是说，画面的表现必须有独到之处，要富有摄影师独特而鲜明的创作个性。
    在摄影实践中，我们不难发现拍摄人像的目的无非是留念、欣赏及展现自己的个性魅力。从这一点上说，摄影师就是要帮助被摄者展现自己的的个性魅力。而从摄影者的角度出发，他作为一个艺术作品的创作者，要通过摄影手段、借助于模特的表现能力来表现自己的摄影创意，来体现自己的摄影风格及通过摄影语言来诉说自己对生活的理解。当然我们在实际拍摄过程中不可能有充足的时间与被摄者去沟通，但并不是没有办法，如阿德莱尔·穆萨威拍摄的《生命中的阴影》，画面中的男女主人公在摄影者苦心经营的光影效果中诉说着一段耐人寻味的故事。它不是一部电视剧，但却却似乎比一部电视剧蕴含的内容更多。所以摄影者个性的张扬要通过自己个性化的摄影本体语言来展现自己对摄影的理解、对被摄人物的理解、对人像摄影的理解，甚至对生活的理解，所以从某种意义上说摄影作品就是摄影者无声的自白和素养的诠释。
    四、追求创新
    人像艺术发展到今天已经几千年了，而摄影才一百多年，人像艺术在摄影产生前就早已成形与成熟了。作为一种独立的成熟的艺术表现样式，几千年里的变化与发展，客观地说并不象我们所想象的那么迅速多变，而是极其的缓慢，可以说，在众多艺术之中，肖像艺术算是最保守与最古板的了。这好几千年积淀下来的固定格式，当然有它存在的道理，但一下子要翻出个新花样来，确实很不容易。就是在努力探索新路子，准备进行肖像艺术革命的同时，也得小心谨慎、瞻前顾后。
    作为写实的摄影，继承和发展了写真性肖像艺术的传统，并且结合自己的优势，将写实感觉推向了极致。就在人们为此欢呼的时候，另一种更固定更机械的方式悄悄蔓延开了，它使人像摄影又成了另一种刻板化的操作模式。摄影产生了一百几十年，全世界有多少人在拍人像，估计难以计数，但又有多少人能自觉地而且是成功地突破这种固定框架的束缚而得到公众的认可呢?!
    创新，应当看成是一种打破常规的实践。“文似看山不喜平。”艺术人像的创作与欣赏也是如此。常规化的操作，只能是获得一种最普通与最基本的技术保证，而在视觉传递上，只能得到一种极为平庸的感受。要让画面效果不同一般，非比寻常，你就得别出心裁，独辟蹊径，在常规以外寻求各种方式，尝试各类效果。有时候，非标准化拍摄，非标准化冲洗，非标准化制作，反倒更容易出效果。这一系列非标准化的操作控制，其目的就是为了打破常规，找到全新的感觉。然而，我们必须明白，打破常规并不是彻底抛弃摄影的基本规律，而是以科学的态度为指导的有序探索和辩证扬弃。
    由此我们应当承认，创新是极其艰难的，而人像摄影的创新则尤为艰巨，几千年的肖像传统象一只硕大无比的胃，正在消化着你刚刚捕获的星星灵感。在困难与压力面前，我们决不能妥协，毕竟创新是历史发展的总体趋向，毕竟人们在热切地期盼着闪烁人性光辉和充满人之灵美的新颖而动人的肖像艺术作品的不断涌现。
    综上所述，人像摄影是摄影领域中技术和审美含量较高的艺术，人对自身熟悉的程度决定了人像摄影的难度。但在人像摄影实践中，只要我们科学地运用其基本技法，正确把握拍摄要诀，我们就会把人自身的美丽更加精辟而生动地展现于世。

尼康D70测曝光技巧的初步探讨

2006-08-08T16:31:00.000+08:00

尼康D70测、曝光技巧的初步探讨（色影无忌）

一、3D彩色矩阵测光系统

说到D70曝光不能不先谈谈它的测光系统，特别是它的3D彩色矩阵测光系统。D70的3D彩色矩阵测光系统同F5和D1系列、D2H是一样的。这次尼康公司把专业旗舰产品的专有技术下放到入门级相机有其革命性意义。可以预见D100的升级版没有理由不采用3D彩色矩阵测光系统，只是使用第1代还是刚刚发布的第2代还有存疑。

3D彩色矩阵测光系统按我的理解好像也是一个“伪彩色”测光，它最终还是把彩色信息转化成了灰度值。不知我理解的对吗？这一条其实也不重要，对于指导实际拍摄没什么用处，暂且存疑。但这个测光系统的准确率得到了国外尼康用户的一致推崇。

台湾摄影家手札、国内一些刊物的评测结果好像这个测光系统并没有太大优势，其实他们这里都存有一个误区。首先实验设计有问题，他们不知道各种测光系统80%的情况下都是相同的，90%的情况下各种分区测光也是相同的，而3D彩色矩阵测光更重要的是提高了测光准确率，而不能单纯看成提高测光准确性，也就是说别人最高90%的场景测光准确，而3D测光是95%的场景下是正确的。用最普通的场景来测试各个分区测光系统的准确性，结果应该是一样的。由此可见实验设计思想之大谬。

其次，尼康公司的矩阵测光系统有一个共同的趋势，那就是在场景反差超过胶片曝光宽容度的情况下（一般是6档左右，也有人认为只有5档），测光系统有欠曝保护高光细节的趋向。所以，如果你的拍摄场景反差过大，比如8档EV的水平，按照矩阵测光得到的片子肯定整体欠曝了。F5上矩阵测光是如此，D70上也是如此，超过6档的反差，肯定要欠曝。这只是体现了尼康公司的设计思路，保护高光，所以这个时候的欠曝是正常现象。作为一个摄影师只要掌握这条规律，使用各种手段扬长避短就可以了。

现在咱们言归正传，谈谈D70的3D彩色矩阵测光系统的使用。首先说明，3D测色矩阵测光系统使用取景器里的1005像素CCD感光器来收集信息。这块感光器只覆盖了D70取景器的80%(F5的情况不祥，好象是100%）。也就是说，在画面边缘，矩阵测光系统没有感知到光线变化。最后测光系统会把CCD采集的信息与储存的几万张照片信息作比较给出恰当的曝光值。

红框内是矩阵测光系统CCD覆盖区域

其次，D70测光系统依据4个关键因素来判断曝光值

1 画面整体亮度
2 画面反差
3 焦点亮度
4 对焦距离

在这里面最关键的是第2条，整体画面的反差。这个测光系统非常智能，它把整个测光区域分为上下两半，上半部分如果比较明亮，它会自动认为这是天空，如果下半部分有物体在焦点上，它会认为是要拍摄以物体为主以天空作背景照片，从而忽略天空在画面曝光中的重要性。而且如果你是逆光摄影，只要主体还在对焦区，它在大部分情况下（画面反差没有超出动态范围，主体大于画面1/3）也会根据画面反差自动判别出来，给出比较合适的曝光值。当画面反差超出动态范围的时候，矩阵测光系统倾向于保护高光细节，而使整体画面欠曝。因为在数码摄影中，高光过曝后后期无法挽回，而暗部欠曝仍可以挽回（代价是暗部噪音显著增加）。

当画面整体亮度非常昏暗的时候，中心区域的加权值最大，测光系统会认为这个地方最重要。当整体画面非常明亮的时候，它要不就取各处平均值要不就取各处测光的最小值。如果画面各处反差极低，矩阵测光系统将只取中间区域的测光值而不管整体画面亮度。如果画面反差很大，主体不在中间，主体甚至整个画面都很可能欠曝。如果画面反差很大，而主体在中间，但没有超过画面1/3大，主体也肯定欠曝。因为这个时候测光系统会平均各处测光值，主体由于没有足够大小所以不足以影响平均值。

通观网上各家D70评测，都一致对D70的3D彩色矩阵测光系统赞誉有加。当然也有人指出，尼康公司处于保护高光的目的，把它所有的DSLR矩阵测光系统都调整为欠曝倾向。但是即使有欠曝倾向也是一致性非常强的，也就是说都曝光补偿+0.3-0.7EV将得到正确的曝光。按说矩阵测光系统在厂家开发时已经进行了各种补偿，用户不应该自行补偿，但考虑到数码摄影的特殊性（保护高光，以免后期处理难于挽救），尼康公司在曝光考虑上倾向于更保守一些，所以用户自行补偿也说得过去。

二、中央重点平均测光

中央重点测光是一种很成熟的，相对比较“老派”的测光方式，但很多职业摄影师仍然长期坚持使用。因为在他们职业培训的年代只有这种相对先进的测光模式，并且在大量的摄影实践中已经积累了丰富的经验。直到今天他们仍然对矩阵、分区测光存有疑虑，相信自己积累起来的基于中央重点测光的经验。这个只是个人习惯而已，应当受到尊重。D70的中央重点平均测光，跟其他相机大同小异。这里指出一点，这个中央重点测光区域在D70上是可以通过菜单调节大小的。调节范围从6mm, 8mm（默认）, 10mm, 12mm可选。其中默认8mm区域比中央测光圈要稍小一点。一般选择默认8mm即可，改变中央测光区大小的情况并不常见。这种测光系统的特点是测光值的75%权重分配给了中央区，另外25%分配给了其它区域。使用这种测光系统必须遵循“白加黑减”的补偿原则，需要一定的经验积累。

中央测光区比中央测光圈实际上要小一些。

三、点测光

点测光也是一种常见的测光模式。这种测光模式对于广大业余摄影爱好者来说：看上去很高档，用起来很潇洒，出来照片很沮丧。之所以这么说是因为大多数人不知道应该点测哪里，是否需要补偿，补偿多少？它需要不断地摸索各种情况下的、不同拍摄主体之间的关系。必须深刻领会这里面的奥秘，积累丰富的经验。所以我不推荐一般爱好者特别是摄影初哥使用这种测光模式。

D70的点测光是与取景器里的5个对焦点联动的。那5个对焦点就是点测光区域。点测光范围是以对焦框为中心，比对焦框面积再大50%的区域，也就是整个画面的1%。如果你在菜单自选功能第3项“AF区域模式”中选择了“动态对焦区域”而不是单点对焦，在连续对焦模式如果被摄主体从一个对焦框移动到另一个对焦框，点测光感应器会自动移动到相应的对焦框。非常棒！但是如果你选择了“最近主体优先”方式的对焦，点测光感应器将一直固定在中央对焦框！这点要引起注意，避免测光失误。

点测光分布情况

四、D70测、曝光特性

1 D70更像彩色反转片：一方面相对彩色负片很小的曝光宽容度，需要精确曝光。另一方面宁欠勿过。彩色反转片欠曝宽容度大，而且有时候反转片欠曝会呈现一种意料外的浓郁色彩。D70欠爆主要考虑的是后期加工的可能性，因为RGB值一旦达到255，255，255，就不可挽回了。

2 D70彩色矩阵系统倾向于欠曝，我们可以在相机内预置自定义反差曲线，用以调整画面色调反差。也可以在后期通过Photoshop的curve工具来做简单调节就可以达到满意的效果（曝光准确的基础上）。由于D70采用12位NEF文件，允许我们进行深度后期加工而不用付出很大的像质代价，我们又有强大的工具可以灵活控制曝光特性，这就是数码单反的一大优势。

3 避免使用任何“情景自动曝光模式”（自动、人像、风景、夜景、夜景人像、运动、微距这7种曝光模式）。这些曝光模式取消了用户对测光模式的选择，只允许你使用3D彩色矩阵测光模式，并且关闭曝光补偿功能，使你永远也不能按自己的意志来控制相机。更糟糕的是，在这种自动模式下菜单内的“优化影像”部分被整体屏蔽，把D70真正变成了“口袋小DC”。

4 D70机内有很好的指导曝光的工具：直方图和高光显示。应该充分利用好这两个工具确保曝光准确。直方图的解读将在以后讨论。这里说一下高光显示。D70的高光显示与D1系列不同，D1系列高光数值到255，255，255时，相应区域才会闪烁，而D70在接近255，255，255时相应区域就已经闪烁，但具体多少数值高光区域就开始闪烁目前还不知道。通过这一改进也说明尼康公司非常关注高光过曝的情况发生，想尽办法防止画面中高光区域被洗白。

五、直方图的解读

D70的机背直方图显示不同于Photoshop。D70直方图显示的是亮度通道，水平轴用0（纯黑）到255（纯白）的灰度值来表示，左侧是纯黑色（亮度为0），右侧是纯白色（亮度为255）。纵轴表示像素多少，也就是有多少像素堆积在特定的灰度值上。Photoshop的直方图则是RGB图，显示RGB通道。所以两者图形是不一样的。

D70直方图的显示：

1 直方图右侧像素溢出，左侧无像素。

提示：a 曝光过度，应减少曝光量。b 画面失去高光细节，后期无法挽回。摄影师应该避免此类情况出现，除非画面里有纯白的物体。

2 直方图左侧像素溢出，右侧无像素。

提示：a 曝光不足，应增加曝光量。b 画面失去暗部层次，溢出部分如使用NEF格式后期不保证能完全挽回。JPEG格式下基本上不能挽回。

3 像素两边溢出。

提示：画面反差超出动态范围。如果是逆光人像或其他近距离高反差主体，可以使用闪光灯平衡补光。如果是风景照，请使用中灰渐变镜。有时候高亮度画面同时出现黑白两色也可以出现这样的图形，这种情况下可以判定为正常。

4 像素堆积成很窄的尖峰。

提示：拍摄了灰板或整个画面是纯色的。或者是整个画面极低反差。如果极窄的尖峰在最左侧或最右侧的格子里，分别说明欠曝和过曝。如果是画面极低反差造成的情况，可以在后期用photoshop的curve工具调整。

5 像素从左到右均匀分布在整个直方图内。

提示：整个画面极高反差。解决方法: a 改变拍摄角度，避免照度强烈变化。 b 使用闪光灯等手段给暗部补光。

6 任何左右两侧没有溢出，中间有波峰波底的图形。

提示：正常曝光。如果画面中出现纯黑色或纯白色，或极暗淡的背景，左右分别溢出可以理解。尽量不要曝光过度，而使像素从右侧溢出。在保证右侧不溢出的情况下，鼓励尽量使波峰向右色移动。这样保证了在不高光洗白的条件下充分曝光，以减少D70产生的噪音。当然，曝光从来都是具体情况具体分析，有故意欠曝的，也有故意稍稍过曝的。大家还是自己多实践，总结经验，理解并利用好直方图，更灵活的指导我们曝光。

六、复杂情况下的一些测光技巧

实际上，这部分内容已经超出了D70这个特定相机的测光范畴，而是讲普遍意义上测光的一些小诀窍。这样可以使很多摄影入门者可以更快地找到准确曝光的捷径。

1 别忘了蓝天。拍摄朝阳、夕阳、晴天雪景下的风景、华灯初上的黄昏夜景、黄昏月升，用中央重点或矩阵测光读取天空的数值，按照它曝光，你将会有惊喜地发现！拍摄朝阳、夕阳最大的苦恼就是太阳在画面里起到很强的干扰作用，从而使画面曝光不足。这个时候把镜头对准太阳旁边，画面里不包括太阳，读取数值，就是它！你的曝光正确了。雪景下如果是用常规中央重点曝光经常是白雪变灰雪，没问题，读取蓝天数值，你又可以轻松搞定烦恼的曝光补偿。但此法有禁忌：阴天。别去读取阴天的天空，那样你会死得很惨。

2 时时看看绿草绿树。遇到森林里的瀑布，遇到阴天下的田野。中央重点测光方式把整个画面框住绿色植物，读取数值，然后做-2/3档（普通绿色）到-1.3档（暗绿）的补偿，那就是正确的曝光值。

3 伸出你的手掌，那是你的肉灰板。当你拿不准曝光值的时候，在同等光线条件下，伸出手掌，把手掌充满整个画面或接近充满整个画面，用中央重点测光读取数据，然后作+2/3档补偿（胶片机），D70很多时候可能要做到+1档补偿，那就是你的曝光数据。

4 数码摄影遵循的总原则应该是：人像不要欠曝，风景不要过曝。人像摄影时，观众的眼睛对画面通透性要求高，对噪音容忍度低，对背景曝光不很关注。这个时候要求人物主体脸上光滑不要有杂质，稍稍过曝一点点有助于消除脸上斑点。即使过曝需要后期调节，只要面部没有高光洗白，减曝光不会增加面部噪音。风景摄影强调影调层次，对画面整体噪音容忍度稍高，所以只要前期没有高光洗白，后期通过调整修改能够得到层次丰富、颜色鲜艳、噪音适度的风景照。

七、直方图及曝光实例

(以下所有图片都是原图未作任何修改。)

1 这是灰板的直方图。因为直方图的中性灰定位于13%的灰度值，而灰板则是18%的灰度值，所以这条窄峰会在中线稍稍偏左一点。

2 这是黑白两色各占50%情况下3D彩色矩阵测光的表现。可以看出D70确有保护高光的倾向。我分别测试了上下、左右黑白颠倒的结果，直方图和测光值是一样。

3 由于我没有标准色板。拿儿子的魔方大略试验了一下。确如想象，直方图呈现出多尖峰排列。

4 这是典型的画面反差超过CCD动态范围的直方图。

5 这是逆光下拍摄花卉和和菠萝的照片。第1张按矩阵测光拍摄，可以看出画面欠曝，高光有过曝的倾向。第2张使用闪光灯平衡补光，直方图显示十分完美的曝光。

6 今天早上去拍日出，拿几张样片来探讨。这一张（套头），按照朝阳旁边天空读数，整个画面完美曝光。

7 日出后，按照矩阵测光拍摄（第1张），高反射的沙滩和高亮天空使矩阵测光不准确，改用中心重点测光（第2张），测量沙滩后＋2/3档后，整个画面曝光完美。拍摄后经检查EXIF信息，矩阵测光欠曝了1档。

8 3D彩色矩阵测光在侧光、顺光、阴天条件下，光比不是很大的情况下，基本上都有完美表现。日出后的沙子被照射成了温暖的黄色，表现的很好。

9 在侧光下，同时出现黑白物体的时候，表现也不错。尽管还有后期调节的必要。

10 在极端复杂的情况下，如这一张，背景是白色，前景有大面积的黑色衣服，还有绿色和红色，矩阵测光（第1张）稍稍欠一点点。改用中央重点（第2张）测量绿色，作-1档的补偿，结果更接近完美（个人口味）.

八、正确使用D70机背LCD

使用D70机背LCD指导曝光只有两个可靠的工具：直方图和高光闪烁显示。观看LCD上显示出来的照片是不能用于指导曝光的。其原因有三：

1 观看LCD受环境光线强度和角度的影响较大，不能正确判读画面明暗对比。
2 LCD所显示的照片摈弃了所有照片内置的色彩模式，不能正确判断颜色表现。
3 LCD过小，不能全面精细判断曝光差别。

D70机背LCD显示的画面作为指导构图是有帮助的。但D70机背LCD所显示的画面不仅不能用于指导曝光，而且也不能作为判断画面锐利与否的标准。因为LCD象素不够，本身画面较小，即使在LCD上看到比较锐利的图像，下载到电脑上仍有可能在大屏幕下模糊。但根据自己积累下来的经验建立LCD画面和电脑屏幕之间的相互关系还是可能的。

西安-乌鲁木齐-鄯善旅游攻略

2006-08-08T16:29:00.000+08:00

西北游看的是风光和文化。没有充裕的时间和金钱、对西域文化的高度了解，还有吃苦耐劳的精神，只能是跑马观花了。
甘肃和新疆东部各个地方值得欣赏的风景和文化古迹如下：
乌鲁木齐：看的是天池和南山牧场，达坂城的风车阵
吐鲁番：这里是人文景观的大成，交河古城、高昌交河、苏公塔，坎尔井，葡萄沟、火焰山、阿斯塔那古墓，千佛洞、艾丁湖。
哈密：必去巴里坤，这里不仅仅是东天山、草原，风景有白石头、松树塘、鸣沙山，古烽燧，而且这里是匈奴文化的发源地。此外，哈密东南的雅丹地貌（俗称白龙堆），将军戈壁，你才可以体会：大漠孤烟直，长河落日圆。
敦煌：不用再说了。
敦煌到嘉峪关之间，有安西风库，党河，玉门
嘉峪关：长城非游不可。里面的博物馆也不错，长知识。
酒泉：离嘉峪关20公里，有霍去病留下的遗迹——酒泉。
酒泉--张掖：有高台，就是长城遗址。附近好象有古罗马十字军东征留下的后裔——古罗马村。我上次去离现在有十三年了，地点可能发生错误，到甘肃打听具体位置吧。
武威：金张掖、银武威。老城关不知道还在不在？民俗不错，可以狂拍。
古浪、天祝乃藏族聚居地，可以不去西藏拍藏民。乌鞘岭盘山公路可以拍。
兰州：拍黄河可以上皋兰山和五泉山上，场面辽阔，滨河大道有特色。
天水：金张掖、银武威，金银不换是天水。附近有麦积山石窟，不错。

到这里，才是游了甘肃全境和新疆的一小部分——东疆。南北疆的阿勒泰、木垒、伊犁、塔城、喀什，库车（龟兹），叶城（叶尔羌）、阿图什、莎车、库尔勒、若羌、皮山等等，还没有去呢。这些地方都有名胜古迹，大部分都是丝绸之路上的重镇，是中原文化、波斯文化、印度文化、希腊文化、巴比伦文化、罗马文化交汇构成的西域文化的体现。

几种民俗题材的拍摄技法

2006-07-27T17:04:00.000+08:00

一民俗器物的拍摄
在民俗摄影中，民俗器物的拍摄内容是相当广泛的。如各民族的陶器、木器、竹器、瓷器、玉器、漆器、玻璃器、金、银、铜器等；民俗生产工具、交通工具，各民族的工、副、农、渔、牧业产品，民族工艺品等等。如此种类繁多的民俗器物，有的造型优美奇特，玲珑多姿；有的色彩瑰丽鲜艳，熠熠生辉；有的质地细腻精雅、晶莹透亮；有的形态线条流畅舒展，凝练透逸……不仅具有较高的科学价值、实用价值，同时也具有较高的审美价值，是民俗摄影应该拍摄纪录的重要题材。民俗器物摄影虽然不是直接地表现人物活动的现实场面，但是通过对这些民俗器物的表现，能给人以联想和启示，能间接地表现各族人民的勤劳、智慧和创造力，表现出民俗文化的博大内涵。为此，本节将就如何拍摄好这类题材进行探究。
1 总体要求
民俗器物摄影的总体要求是，尽量使拍摄对象的形、质、色具有较高的审美价值。
形，指的是拍摄对象的形态、造型特征以及画面的构图形式。器物的形，千姿百态，纷繁众多，具有大小高低之分、横斜曲直之异、方圆粗细之差，简繁疏密之别。这就要求拍摄者在事先一定要对拍摄对象的形进行一番精心揣摩，潜心研究，去芜存精，扬开避短，努力把形的真正的本质的美揭示出来，才能给人以独特的难忘的美感。在画面的构图形式上，应刻意追求具有艺术魅力的独特处理，构思新，技巧奇，别出心裁，出奇制胜。
质，指的是拍摄对象的质地、质料、质量、质感。器物摄影对于质的要求是十分严格的，体现质的影纹层次必须十分清晰、细腻、精致、逼真，特别是引人注目的细微处以及亮光和阴影部分，对质的要求尤为严格。要达到最佳水准的质，必须具备以下几个主要条件：恰到好处的布光角度，恰如其分的光比反差，严格认真的冲底程离，精确熟练的遮挡技术等。这就要求拍摄者无论的前期拍摄或后期制作时，都必须一丝不苟，精益求精，这样才能获得完美的理想效果。
色，具有生动的视觉语言特点，富有直观性。彩色器物摄影应该注重色彩的统一性和整体性，拍摄者一定要认识到：色与色之间的关系应该是互相烘托，而不是对抗；是统一的整体，而不是毫不相关的拼凑；是和谐协调，而不是互相排斥；是有机的结合，而不是貌合神离的混合。只有当主体的色与陪体、环境、背景等诸色结合成一个有机的和谐的整体时，才能真正显示其色彩的最佳效果，“室雅无须大，花香不在多”，色彩的多少与艺术效果不一定成正比关系。为数不多似乎又比较一般的处理的过程中，应该力求简、精、纯，力避繁、杂、乱。彩色的器物摄影还要求善于处理好色彩的基调，即在总的具有倾向性的色彩的基本色调中，要有丰富的色彩层次和精细的色彩微差，画面色彩应以统一的总基调为主，在统一的前提下力求有所变化，有所差异。
总之，民俗器物摄影中的形、质、色乃是相互依存的有机整体，一幅优秀的民俗器物摄影作品必然是形、质、色的完美结晶。
2 要有合适的相机
随着科学技术的迅猛发展，相机的种类日益繁多，但反复的实践证明：装有皮腔的折合式相机用于器物摄影是比较理想的，如“林哈夫“（有3寸、5寸、7寸等种规格）、“哈斯曼“，（一般常用的是3寸、5寸两种规格）。这类相机不仅备有根据拍摄要求随时可以更换的各种不同焦距的镜头和多种规格的暗盒，同时还具有近摄、校正变形、增大景深三种功能。这无疑给器物摄影带来很多方便。例如，在拍摄体积较小的器物时，使用折合式相机只要将皮腔适当伸长，就能进行近摄。又如，器物摄影经常要求将拍摄对象的三度空间准确地表现出来，这就需要适当提高拍摄点进行俯摄，一般相机的采用俯摄角度时，势必造成拍摄对象呈现上大下小的变形弊病，而折合式相机却能通过镜头板的垂直移位来校正这种变形，使拍摄对象的三度空间均能准确无误地得到再现。再如，器物摄影的拍摄对象，有时往往以群体的形式出现于画面之中，彼此间排列的纵深度比较大，光圈那怕收到最小，有时也还无法使所有拍摄对象全部纳入其景深范围，使用折合式相机却能通过适当调节镜头板和暗盒承接板来扩大景深范围，从而使由远及近的所有拍摄对象都能获得理想的清晰度。
其它类型的相机，如135单镜头反光相机，现在也可以装配透视调整镜头（PC镜头）或倾斜、移位镜头（TS镜头）来校正透视变形。一般的器物摄影也可以用“玛米亚“RB67型120单镜头反光相机，装配可以随意伸缩的皮腔，近摄甚为方便。但此类相机不具备校正变形的装置，若要进行近摄或微距摄影，往往需要加近摄镜、近摄接圈、近摄皮腔等附件，或长焦距镜头上再附加近摄镜。135单反相机则可采用微距镜头或微距变焦镜头，这两种镜头的质量都比较好，使用十分方便。
3 要选好感光片
黑白器物摄影，一般彩用21定黑白胶卷或页片均能获得比较理想的效果，这类感光片反差适中，层次丰富，颗粒较细。彩色器物摄影，若在室外或室内自然光条件下采用反转片进行拍摄，一般以选用柯达埃克泰19定目光型彩色反转片为宜。这种感光片具有良好的色彩饱和度，颗粒细腻，反差适中，在5500K的色温条件下，能取得理想的色彩平衡效果，但对景物阴影部分的色彩表现容易出现偏蓝现象（附加天光镜进行拍摄，能适当改善这种偏蓝现象）。至于柯达埃克泰24定日光型彩色反转片，虽然具有较高的感光度和较大的曝光宽容度，但色彩还原的性能不够完美，容易出现偏蓝或偏紫的现象，对大红色彩的还原，其色彩饱和度也不够理想，在一般条件下不宜选用这种感光片。另外，日本的富士21定日光型彩色反转片，具有较大的反差性能，若在散射光条件下进行器物摄影，效果较佳。这种感光片对红、橙、黄等暖色的色彩还原有一定的夸张性，其色彩浓郁鲜艳，十分悦目；对绿、青、蓝等冷色的色彩还原则不太理想，容易出现浅淡的偏黄理象。
在室外或室内自然乐队条件下采用彩色负片进行器物摄影，选用柯达II型21定、柯达VR型21定、富士HR型21定、樱花SR型21定等彩色负片都比较适宜。这类彩色负片均有良好的性能特点：清晰度高、纹理细致、色彩鲜明、还原逼真。至于柯达万利II型21定专业片、柯达万利III型21定专业片，因是美国柯达公司专为拍摄人像而特意研究制造的，在保证人的皮肤质感与影纹层次方面具有最佳的表现力，反差则比一般的彩色负片稍低些，若采用这类彩色负片拍摄某些器物，有时会影响色彩饱和度，反差稍弱。
在室内灯光条件下采用彩色反转片进行器物摄影，以选用柯达埃克泰18定灯乐队型彩色反转片最为适宜。因为这种感光片具有良好的色彩平衡性能，在3200K的色温条件下，色彩还原十分正确，特别是对器物阴影部分的色彩表现不存在明显的偏蓝现象，色彩艳丽，饱和度好，细腻的颗粒能保证器物质感的最佳显示。至于柯达埃克泰23定灯光型彩色反转片的性能特点，相对来讲就比较差些，它在色彩还原方面容易出现一些偏紫的现象，彩色颗粒也显得稍粗一些。
在室内灯光条件下采用彩色负片进行器物摄影，最好选用中速度灯光型彩色负片，以保证最佳的色彩还原效果。若采用日光型彩色负片，应在镜头前附加雷登80A（深蓝色）校正色温滤光镜，假如没有此种条件，尽量选用与灯光色湿一致的灯光型彩色负片。使用日光片在灯光下拍摄虽然在彩色放大过程中可以进行适当的校色，但要取得色彩平衡会困难些。
总之，感光片的选择，既要有明确的针对性，又要有一定的灵活性。应该根据拍摄对象、光源性质、感光片各自的性能特点以及拍摄者的色彩构思等因素，经综合考虑后再酌性而定，只有这样才能取得完美的拍摄效果。
4 不同焦距镜头的使用
（1）标准镜头
无论高级的或普通的相机，均有标准镜头。这种镜头的焦距长度和所摄底片对角线长度约相等，其视角为50度左右，具有适当的取景范围，结像力较好，畸变现象很小，适合一般器物摄影使用。
（2）短焦距镜头
短焦距镜头也称广角镜头，这种镜头的焦距长度短于所摄底片对角线的长度，其视象通常为65度到75左右（特殊的约在80度到180之间），具有较大的景深范围，口径一般比标准镜头要小些。
使用短焦距镜头，拍摄距离愈近，则前面的物体愈大，后面的物体愈小，彼此间大小高低、远近疏密的对比十分显著。在器物摄影中，结合一定的拍摄对象，充分利用短焦距镜头的这种特点，往往能形成十分奇特的透视效果，给人以深刻的印象。
另外，短焦距镜头由于技术或设计方面的原因，会产生一些畸变现象，特别是在拍摄正多连形器物时，畸变现象尤为明显，所以一定要根据拍摄对象的具体情况慎重选用。
（3）中焦距和长焦距镜头
焦距长度长于所摄底片对角线长度的镜头，称为中焦距或长焦距镜头，它们的视象一般为27度到12度左右（特殊的约在8度到2度之间）。这类镜头具有缩短前后景物空间距离的性能，能使前后景物显得十分紧凑集中。景深范围比较短，主体以外的前景或背景在较大光圈的情装饰品下，往往呈现一片虚糊，从而使主体格外鲜明突出。器物摄影，135相机选用70-90毫米焦距的镜头、“6×6“底片的相机选用100-120毫米焦距的镜头均比较适宜。这类中焦距镜头近摄较小物体，不易产生变形现象，在透视上具有一定的紧凑感，采用小光圈能有一定的景深范围，放大光圈能使前后景虚化。
5 滤光镜的应用
（1）一般滤光镜
天光镜
天光镜一般有1A和1B二种，1A呈十分浅淡的橙红色，1B呈十分浅淡的品红色，它们都具有校正色彩偏蓝的功能。在散射光条件下进行彩色器物摄影，加用天光镜后能取得比较理想的色彩平衡，对于逆射阳光条件下处于阴影部分的景物色彩所产生的偏蓝现象，也能得到一定程度的改善。天光镜不需要增加曝光量，它对彩色或黑白的各种器物摄影均不会带来任何不良影响，可长期放置在镜头上，所以也是保护镜头的良好附件。
偏光镜
也称偏振镜，呈中灰色，由前后两片镜片组成，安装在可以任意旋动的金属边框内。偏光镜有阻光作用，可根据镜圈边缘标出的曝光因数来确定增加曝光量。
偏光镜可以削弱或消除金属、玻璃、磁器、涂料、油漆物品等表面的有害反光。它也能改善阳乐队下景物阴影部分的偏蓝现象，其效果往往比天光镜还要好些。
偏光镜只适合在单镜头反光相机上使用，因为在这类相机的调焦屏上能直接观察到偏光镜的使用效果。
校正萤光灯偏色的滤光镜
采用萤光灯进行器物摄影，具有光照均匀，投影浅淡，影调柔和等特点，但表现在日光型彩色感光材料画面上的景物色彩，往往带有蓝绿偏色，而这种蓝绿偏色在后期彩色放大过程中，很难得到完美的校正效果。
萤光灯不连续的光谱（缺少红光波段）是造成蓝绿偏色的主要原因。因此，在萤光灯条件下进行彩色器物摄影，为了取得理想的色彩平衡效果，必须附加校正萤光灯偏色的滤光镜，常用的有日本保谷（HOYA）系统的FL-DAY滤光镜（适用于日光型萤光灯）或FL-W滤光镜（适用于暖白型或白型萤光灯）。这两种滤光镜因数均为2，附加此镜后均需开大一级光圈。在萤光灯下进行彩色器物摄影，若照明亮度不够，需要长时间曝光的话，由于倒易律失效又会出现另外的偏色现象，因此最好多用几只萤光灯来加强照明亮充。器物如可以搬动，尽量不要在萤光灯下拍摄。
（2）特殊效果镜
延焦镜
也称增倍镜或远摄转换镜。在镜头后面附加上延焦镜以后，能使原有镜头的焦距增加一倍或两倍，从而把聚焦屏上的影像放大一倍或两倍。在拍摄器物时，假如没有条件配置中焦距和长焦距镜头，只要有一只延焦镜也就能替而代之了。例如，一只两倍的延焦镜，可以使135相机上焦距为50毫米的标准镜头转换成焦距为100毫米镜头，加用延焦镜后，画面影像被扩大了，但光线的亮度却降低了，因此需要大幅度增加曝光量，如用一只两倍的延焦镜，则需开大两级光圈，才能保证曝光正确。延焦镜无疑会给原有的镜头质量带来一定的影响，虽然目前研究成功的延焦镜在质量上已有显著改进，但是还不能达到十分完善的技术要求。
多影镜
也称多面镜，有三面、五面、六面、七面等多种设计形式，均采用无色透明的光学玻璃，在镜面上研磨成几个不同角度的平面。加用多影镜能把一个物体在一张画面里同时拍成三个五个、六个或七个影像。多影镜一般都配制在一个可以旋动的金属边框上，拍摄时可以根据构图需要，任意旋转来获得最佳的画面效果。
在民俗摄影中应慎用多影镜，必须使用时应注意下列问题：
背景的色彩影调宜深暗些，这样各个影像的主要轮廓就会显得十分明显突出。复杂的背景，势必导致各个影像相互交错重叠，给人以眼花缭乱的不良印象，故应尽量避免；
多影镜不宜加用在短焦距广角镜头上使用，因为多影镜的金属边框一般都比较厚，往往影响镜头视象使画面四周出现虚糊的黑影。这种缺陷，在光圈没有缩小以前，在取景器内是不易观察到的，而缩小光圈后就会暴露出来；
光圈不能收得太小，一般不宜小于f/5.6。过小的光圈会使一部分经过多影镜镜面折射的光线被光圈金属遮挡，导致各个影像边缘部分形成刺眼的黑色阴影，严重影响多影效果；
多影镜一定要与单镜头反光相机配套使用，其它类型的相机均不太适合；
附加多影镜后，应酌情适当增加些曝光量。
多影镜有它的不足之处，即除了处于中间位置的影像比较清晰以外，周围其它位置的影像均会出现略有模糊变形的现象。另外，使用多影镜一定要与拍摄的主题内容尽量结合得好些，要考虑民俗摄影的真实性原则和人们的审美习惯，切忌滥用。
6 布光的要求
利用室内灯光进行器物摄影，其光线类型大致可分为主光、副光（辅助光）、轮廓光（装饰光）、背景光、顶光、地面光等几种。在一般情况下，通常只采用三至四种光线类型。
在布置各种类型的光线时，切忌将所有的灯光一下子教照射到被摄对象及其背景等处，这样势必造成光影紊乱，不易调整。特别是初学者，更应避免这样做。
正规的布光方法应该十分注重布光的先后顺序。首先要重点布好主光，因为主光是所有光线中占主导地位的光，应该布在主体物的最主要的部位上，主光布好以后，其灯位就不再轻易移动。然后再布副光，副光与主光之间的光比要掌握适当，一般以1：4为宜（在特殊情况下也可以不受此限制），副光的灯位一般都安置在相机附近，灯的位置应该适当高些，使被摄对象的投影尽量降低，让它在画面以外，不致影响背景的美感。副光布好以后，根据需要再布轮廓光，轮廓光的灯位一般都在主体景物的左后侧或右后侧。布光时要注意是否有部分光线照射到镜头表面，一经发现，就应设法遮去这部分光线，以免产生眩光。轮廓光布好以后，按拍摄需要再依次布背景光、顶光或地面光。等到所需要的光全部布好以后，再纵观全局，作一些必要的细微的调整。
这种有主有从、有先有后的布光顺序，往往能提高工作效率，获得较佳的布光效果。
7 背景的处理
处于主体景物的后面，用以衬托主体的对象，即称之为背景。“红花还需绿叶配“，背景处理是否得当，往往直接影响一线器物照片的成败，必须予以足够的重视。
（1）常用的衬景材料
拍摄器物通常采用的衬景材有呢绒、丝绒、布、纸、墙壁等。
呢绒
质地较厚，软硬适中，富有弹性，平整挺括、不易起皱，色泽品种较多，可以长期反复使用，易于保管。
丝绒
质感与光泽俱佳，色彩饱和度好，颜色品种也比较多。缺点是容易起皱，丝绒表面受到器物重压时，绒毛就会倒斜，出现花斑般的皱纹。丝绒的除皱方法是，将丝绒的起皱部位置于沸水所升起的蒸气中进行熏浴，然后使之阴干，绒毛即可重新挺直，皱纹随之消失。丝绒在使用完毕后，不要折叠受压，应该卷在纸简上收藏。丝绒和呢绒都是十分理想的衬景材料，具有很好的拍摄效果，但介格比较贵一些。
布
一般布料大都质薄细软，易起皱，使用时需烫平拉挺，用以拍摄小体积的器物，效果较好。此外，装饰室内墙面的糊墙布，是十分理想的衬景材料，有玻璃纤维和塑料涂布两种，布面都比较宽，色彩大都淡雅素净，不易起皱，平整挺括。但不能折叠，因折叠所造成的折痕是无法消除的，宜卷藏。
纸
专用背景纸宽约3米，长约10数米，成卷出售，有多种颜色供选择，并有专用支架。渐变颜色的专用背影纸。其规格尺寸一般都不大，颜色品种经较少，但价格便宜，临时用于拍摄体积较小的器物比较适合。
墙壁
利用室内的墙面作为器物摄影的背景，是一种比较简便的方法，但墙面必须平整，无班痕，涂刷均匀，墙面的油漆或涂料均以无光者为佳。
总之，常用的衬景材料是比较多的，可以根据各自的条件，结合拍摄构思的需要的酌情选用。
（2）衬景的布置方法
一种方法是，将整幅衬景（如呢绒或丝绒等）垂挂于墙上或特制的框架上，衬景表面必须十分平整而无皱纹（当然，有时也可以根据拍摄构思的特殊需要，将衬景布置成具有一定图案美的一凸一凹的条纹状形态），在被摄物的下边，可以再辅上一块垫布，垫布最好设法辅在小型的长方形或圆形的器物上，这样能使垫布边缘所形成的线条有些变化。如若垫布辅在比较大型的长方形台桌上，则垫布的边缘线条往往横贯整个画面，很容易使画面构图产生割裂之弊病。
另一种方法是，将衬景的上端固定在墙上或特制的框架上，而将它的下端自由倾斜地放置在平整的工作台上。这种倾斜式的布置方法，画面里不致出现显眼的边痕线条，背景十分简洁干净，主体分外鲜明突出。
（3）背景灯光的运用
在器物摄影中，背景灯光若运用得当，不仅在一定程度上能清除背景上杂乱的灯光投影，同时也能更好地渲染、烘托、美化主体物，使主体物更具有艺术魅力。另外，背景灯光明暗的渐变对比，还能使背景色彩更富有微妙的赏心悦目的美感。背景灯光的布光形式，一般有两种：一种是将背景的灯光亮度布得很均匀，基本上没有明暗深浅的差异；另一种是将背景灯乐队布成中间亮，周围逐渐暗淡效果。例如，用聚光灯并通过灯具上的聚光装置，将光照角度缩小，从侧面、近距离、高角度照明背景，就能在衬景上形成一个椭圆表的光束环，使背景的影调色彩既有明暗之分，又有深浅之别，增添了画面的美感。另外，若将背景灯置于主体物的背后，从正面照亮背景，则在衬景上就会形成一个圆形的光束环。灯光位置离背景近些，光束环的面积就会小些；反之，就会大些。光束环的形状、大小及其在背景上的位置，只有与主体物融合成一个完美的整体，彼此才能相得益彰。
（4）背景的色彩处理
背景色彩的审美属性，应该是完美地烘托、铺垫、渲染、映衬器物摄影中的主体物。拍摄者只有处处利用背景色彩“衬“与“托“的基本特性，才能使主体物更加鲜明突出，令人瞩目。背景色彩的运用要注重艳丽而不俗气，清淡而不苍白的视觉效果。在淡雅中追求韵味，在洗练中追求朴实。色彩的冷暖、沈淡、深浅、明暗的组合配制，都必须从更好地突出主体对象的这一总前提出发，才能使背景色彩与主体色彩相映生辉，华丽和谐，光彩夺目。背景色彩应该多选用些复色、中间色、过渡色，少和些原色。对大红色彩的运用更要慎重，因为用鲜红的颜色作背景色，在大多数情况下容易造成喧宾夺主的弊病，容易使浅淡色的主体物出现偏红现象。特别是白色的磁器、银灰色的器物等，这种偏红现象尤为严重。但在拍摄金、铜等铸品时，红色背景的效果却是十分理想的，在鲜红色彩的渲染映衬下，能够使这些器物的色彩更加金碧生辉，光彩照人。黑色背景在器物摄影中已逐渐受到人们的重视。因为黑色具有吸收一切色光的功能。对人们的视觉注重力很少起分散作用。在黑色背景的衬托下，主体物的形态线条格外鲜明突出，引人注目；主体物的色彩更加浓艳明亮，具有较强的色彩跳跃感，能给人以深远的空间感受。白色背景往往给人以简练、朴素、纯洁的视觉印象，与黑色背景一样，使主体物的形态、线条、色彩均能得到良好的显示。色彩浅淡、质地细腻、形态柔媚的主体物，若配以白色背景，就能形色彩浅淡、质地细腻、形态柔媚的主体物，若配以白色背景，就能形成一幅优美动人的高调彩色照片，清秀明净，淡雅柔丽，别具情趣。
（5）“虚化背景“的拍摄方法
在室外进行器物摄影，经常会遇到主体物虽好，但背景却过于杂乱无章，严重妨碍画面结构整体美感的情况。设法让杂乱的背景虚化，使之成为“虚化背景“，以虚托实，虚实相衬，将会产生良好的画面效果。
背景影像的虚实，取决于以下几个主要因素：镜头焦距的长短，光圈的大小，背景器物距离主体物的远近等。镜头焦距越长，光圈开得越大，背景器物距离主体物越远，背景影像就越虚化；反之，背景影像的虚化程度就比较小，甚至不虚化。因此对主体物的主要部位对焦应该非常精确，调焦工作可以通过三脚架的前脚作轻微的前后移动来进行，这种调焦方法，既方便又准确，不妨一试。

二、民居建筑的拍摄
民居建筑，是各民族民俗的物化特征，是人类赖以生存的重要物质条件。居住（或谓住所），在人类生活中早就存在了。而人工住扬营建，却比人类早期的生活要晚。目前仍在我国各民族中传承的民居建筑形式是多种多样的。从最早的原始风蓠到后来的土木、砖石结构建筑以至现代的钢盘水泥高楼大厦，样式可谓应有尽有。在我国56个民族中，民居建筑简直就是一个活的博物馆。不仅对建筑学的研究，而且对民俗学的研究都很有价值。有些独特的建筑样式，更是民俗摄影的珍贵资料。因此，搞好民居建筑摄影，是民俗摄影的重要任务之一。
1、常用器材
拍摄民居建筑，无论你选择何种类型的相机，都应当以具有手控曝光及较长的曝光时间为必要条件。120型比135型相机有底片画幅大，变形微小等优点，故为民居建筑摄影的常用相机。
多以标准镜头拍摄。若想压缩建筑空间，用长焦镜头拍摄为佳。
选用什么样的胶片拍摄建筑物，这个问题常常被人忽略。其实，正确选用胶片是提高作品质量的重要因素。有经验的建筑摄影家很注意对胶片的选择。如低感光度的黑白胶卷拍摄建筑，可以得到颗粒细，反差强，画面效果极好的摄影作品。针对不同的创作构思，可选用高、中、低不同感光度的胶片，从而创作出风格各异，意境不同的作品。
2、建筑外貌的拍摄
（1）最佳拍摄时机
拍摄民居建筑，虽然不受季节变化的影响，但也存在着拍摄时机问题。应尽量在雨后或雪后的晴天里拍摄，此时的空气中工业和生活尘埃等悬浮物少，特别适合于拍摄建筑物，景深大，清晰度高；此外，做为民俗摄影工作者及爱好者，“日未出而作，日已落不归“应成为一种创作习惯。这样，才有可能见到“朝霞满天“和“落日余辉“的美景。如果能遇上清晨或傍晚那种霞光璀璨的天空，以此作为背景拍摄具有民族特色的建筑物，其作品一定会具有艺术的魅力，如果操作水平跟得上，还可以成为佳作。
（2）自然光的运用
民居建筑外貌拍摄，主要靠自然光。因此正确运用自然光就显得十分重要。不同的光线变化，对建筑物有不同的造型作用。在晴朗的日子里，如果想表现建筑物的某一侧面或建筑物的某一局部细节的图案形式，可选择顺光拍摄；如果想表现建筑物呈剪影形式。最好的建筑剪影应在晨、昏时刻拍摄，这时天空中的景色，会为画面增添浓厚的气氛；阴天也是拍摄建筑物外貌的好时机，此时的散射光没有明显的方向性，且光线柔和，有利于表现建筑物的全貌和细节，有时还可利用这种光拍出高调的作品。
（3）角度的选择
作者初到一地，对当地民居建筑比较陌生，就是当地的作者有时因平时疏于细心观察，对一些建筑物的外型也未必十分熟悉。所以拍摄前仔细观察或对建筑物环绕一周察看其最佳审美角度，是十分必要的。有经验的摄影家，总是刻意把拍摄位置选克勤克俭他人意想不到的寺方，力求创新。你站着拍，他躺着拍，你在低处拍，他到高处拍，寻着最佳角度。
那么，选择什么样的位置最好呢？以下几点值得注意：哪个角度拍下的画面最能反映创作意图；建筑物的哪些部分应包括在构图范围内；画面的各边怎样确定；用什么镜头才能获得所期望的透视和视野效果；各影像之间的相互比例；建筑物与临近环境间的关系如何等等。
在选取了较好的拍摄位置的同时，拍摄角度也应相应地确定下来。用高角度拍摄，可以表现建筑物理学的高大特征，同时也可以增加画面的稳定感。用侧角度拍摄，有利于表现宽广的建筑物及其环境，画面立体感强。所有建筑物本身，大都有共自己的独特个性，这是拍摄时必须注意到的，所以拍摄时要千方百计保留其特性的方面，同时要避免产生“畸变“效果。例如，我们想拍摄一幢高20层的大厦，就必须在它对面（要有一定距离）将近10层高的视点进行拍摄。如果低于10层，相机采用仰角才能拍到建筑物的全部，结果，照片上大厦的下半部就会变得很大，越上面越小，整个大厦就成了金字塔形状。反之，如果站在高于10层楼面的地方去拍摄，建筑物上部很大，下部越来越小，形成了倒三角形的透视效果。为了避免这种畸变，一些装有皮腔机身的大中型座机，都具备有拍摄这类照片的调节功能。畸变现象同相机镜头的视角大小也有关系。视角越波折镜头，如135相机上80MM以上的中焦镜头，在远距离拍摄，建筑物理学的畸变现象就比较小。反之，如果用广角镜头或超广角镜头在近距离拍摄，就容易使建筑物特别是高大的建筑物产生畸变。
（4）注意环境因素
环境，是作者拍摄民居建筑中应该注意的重要因素。如果画面中只有孤单的民居建筑，没有任何环境成份衬托，那么照片就会同模型一样，缺少真实感，同时也失去了民族特色和民族生活气息。
除花草、树木、云朵、日月以外，当地的人也是映衬建筑物的重要因素。可以想象，民居背后的兰天有无白云，拍摄蒙古包有无草原背景，拍摄云南的傣楼有无傣族人在画面中，效果是截然不同的。拍城市建筑，还包括路灯、路标、雕塑和周围的建筑物。巧妙地利用环境因素，不仅会美化和突出主体，而且还能起到表达情感、深化主题的作用。
还可以用画面配景的方法。有时建筑物本身的画面景观很理想，但天空光秃秃的，照片头轻脚重。如何使画面均衡和谐，可以用配景的办法来解决这一难题。通常在夜色的建筑上空配一轮月亮，还有配白云、鸟类的。
3、建筑内景的拍摄
建筑内部的空间虽不如建筑外貌那么广阔，但拍摄的内容却也不少，如新颖别致的内部造型、颇具民俗风味的内部装饰、陈设等都是民俗摄影应该反映的内容。
拍摄建筑内景由于空间较为窄小，故中、长焦镜头无用武之地，主要用标准镜头和广角镜头。超广角镜头虽然会使物体形状变形，但若作为艺术创作，运用得当也会获得良好的艺术效果。要准确运用现场光。现场光包括室外投射进来的自然光和室内照明光。用这两种光，可以使内景保持原有特色的气氛。有时为强化这种气氛，还可以做一“加工“，例如，为使射进室内的光线呈现出“光柱“的效果，可以室内制造烟雾或水蒸气，光柱的大小可以靠窗帘自由调节。如果室内光比过大，未受光部分难以表现出来，可以考虑用闪光灯配合使用。但用闪光灯时一定注意，光的亮度不要喧宾夺主；灯不要闪在镜子上，那样会使画面留下一个大白点。为保证景深，一般采用较小的光圈。
4、街巷的拍摄
走街串巷拍摄市井风情，也是民居建筑摄影的一部分。街巷是一个地区、城市的窗口，透过这个窗口，可以看到该地的现状及发展变化，也可以看到虽具特色的当地风土民情。街巷中的景观是丰富多彩的，但也是繁纷得复杂的。哪些值得拍哪些不值得拍，全在于你的眼光。要善于在平凡的街巷中，发现不平凡的特点。在观察中思考，在思考中观察。观察包括：街巷的建筑类型，房屋布局，街巷的景和情。每一地区都有街巷，但街巷又各有不同，各有特色，发现了不同就找到了特色。如江南古城的白墙、黑瓦、石板路，江南水城的小桥、石阶，北京的胡同，边寨的小街，都是这些地方独有的景致。有了典型的景观，还要有别具特色的情节，有了情节，才会使画面动起来，活起来，才不致使街巷在照片中形成“空巷““死巷“。只有景和情交汇在一些，才能构成有民俗特色的令人玩味的作品。如果把街巷的居民及至他们的生活方式也摄入画面，使建筑照片和风土人情巧妙地合二为一，不但更有意义，而且更能显示出这一作品的个性。
白天在街巷拍摄，也要解决光线运用问题。白天可利用的光线唯一的是日光，为些，必须了解街头阳光的特殊性，准确地运用，创作出既有现场感又很生活化的街巷摄影作品。白天的街巷光线强度基本不变，这一特性有可能使景物反差过大而破坏画面的和谐。拍摄时要尽量利用周围的环境反射光高速画面光线强度。如人物的浅色衣服，白色墙壁，汽车车体等，都可以用来调整光线强度，使画面更加和谐。白天的阳光在早、中、晚会形成不同的照射方向，投射到街巷胡同里，也会有投影效果的区别。所以，还要根据街巷的走向选择一天中最好的时间，拍出最佳期效果。
三、生活人像的拍摄
人，是各民族社会生活的主体，是物质民俗、精神民俗和社会民俗的创造者，因而是民俗摄影所反映的主要对象之一。
生活人像摄影，是区别影室人像而提出的。主要表现的是各民族各种人物及其活动情节，反映的是一定的民俗生活主题。但也十分强调表现人物的精神状态。在人物摄影创作中，要表现好人物的形象，必须做到以形写神，形神兼备。这就要抓好人物的神态、姿态、皮肤质感等。一幅好的生活人像作品，不是就人照人，一般地表现民族的人物，而是表现出比真实的人看起来更美、更生动、更有民族特色和民族气质，为此，在实践中应注意掌握以下要领：
1．要注意脸部表情的处理
通过人物的脸部表情及神态，来表现人物的性格，反映其精神风貌，是拍摄生活人像时应掌握的一条重要原则。
这就要特别注意拍摄的瞬间，在极短的时间内，迅速掌握被摄人物的生动神态，运用自己的摄影技巧熟练地拍摄下来。人物典型神态的流露，往往只在一瞬，抓住了这一瞬间，就抓住了最能代表人物理学性格的神态。世界上没有绝对相似的人，人各有特征，精神面貌各有差异。由于民族、地区、年龄、性别、职业的不同，而形成的外部特征和内在性格各有不同。满脸皱纹的老人与朝气蓬勃和年轻人是不同的，城镇职业女性与饱经风霜的农妇是不同的。即便是同一年龄段同一性别的人，由于民族、地区的差异其外部特征和内在性格也有很大差别。这就需要作者在拍摄前对被摄对象的外表特征要有认真的观察和分析。找出能代表其性格的外部神态，并加以突出的表现。外貌最重要的部位是脸，人的神态主要由脸部表达出来，尤其是拍摄近景的胸像和特写的头像时，对脸部表情更要仔细。
2．要注意皮肤的处理
皮肤是人体外表的重要组成部分，它对人的精神面貌和画面的影调有重要影响。皮肤丰润、影调明朗，能表现出人物的喜悦的神情和开朗的性格；皮肤憔悴，影调低沉，表现了人物忧郁的精神状态和性格的孤僻。所以，拍摄中要注意把人物的皮肤和年轻人的皮肤当然不同，但都要把皮肤的质感体现出来。
在生活人像摄影中，拍摄角度的稍微变化，对人物面部形象的表现就会产生不同的效果。拍摄角度的变化一般可分为：正面、九分面、八分面、七分面、六分面、侧面等几种；在高度方面又分为俯拍、平拍、仰拍三种。正面和九分面可清楚的表现出被摄者的五官，看到人物正面的形象；八分面和七分面可表现出被报者的眼睛、鼻子及侧面的某些特征，能表现出人物的头型，头上的装饰品等；六分面和侧面可突出的表现被摄者的侧面轮廓，清楚地描绘出额头、鼻子和口部的线条及型式样。这里，关键的是作者要根据被摄者的脸部特征，选择合适的角度，尽可能地表现出脸型上的美的部分。
拍摄生活人像，选用全适的镜头也很重要。通常应使用标准镜头，距离两米开外拍摄人物理学，因为距离太近会产生透视变形效果。例如用低角度拍摄，人物腿部变长，头部变小；而用高角度近摄，人物理学头部很大，身躯变小。因此，人物摄影不宜选用广角镜头，以使用50mm标准镜头和80mm或75mm中焦镜头，拍摄人物脸部特写，应选用135mm的中长焦镜头。
3．要注意手的运作的处理
手的动作，能表现出人物理学的心理状态。劳动时，手的动作和人的精神面貌是一致的；唱歌跳舞时，手的动作和脸部表情是和谐的；讲话时，许多人也常常用手势表达思想感情。所以，作者一定要注意被摄人物在不同的心情下，手的不同动作。身体的姿态对表现人物的情绪起着重要作用。在表现身体姿态时，要生动活泼，自然大方，避免呆板。总之，各种姿态都要有助于表现人物的精神面貌。
4．生活人像摄影用光
生活人像摄影的用光，基本是以自然光为主，有时辅以闪光灯拍摄。
A正面光。正面光也就是顺光，可使被摄人物受光面大，获得明朗的平调效果，但明暗反差不大，缺乏立体感。所以在利用自然光的正面光拍摄时，可稍偏一点照射角度，这样既可以取得与正面光了拍摄的相同效果。又能使伤口产生一点阴影，从而鲜明有力的表现出人物的立体感。
B侧光和侧逆光。侧光和侧逆光能使被摄人物理学受光面较小，造成较大的明暗反差，影调对比罗为强烈，能表现出人物的立体感。但人物的脸部黑影较明显，可使用反光工具反光，使阴影部分得到必要的辅助光。反射光要高于照相机的位置，使光线从上往下反射，免得出现下明上暗的反常现象。同时还应注意反射光不要过强。采用侧光和侧逆光时，照相机镜头应尽可能加用遮光罩或用其它方法遮挡，以避免光线射入镜头而产生雾翳现象。
C 逆光。逆光拍摄人物照，成败的关键在于光线的处理。比如，在逆光下，倘若能使人物头顶被阳光照射形成一束光环，背景衬以深色的建筑物或树丛、山坡、画面就会十分悦目。但按正常感光，人物脸部会发黑，此时如有一块反光板反射部分光至人物脸部，或者以闪光灯作为辅助光源，便能隆低反差，使人物脸部不致过黑。但是闪光灯射出的光线比较强烈，照射到人物脸部容易使人物面部显得生硬。因此，使用时在灯前罩一层薄的白布，可以使灯光变得柔和。这样拍出的照片就比较理想了。
D 散射光。用散射光拍摄人物，即有受光照射的效果，又有明暗反差不太强烈的柔和影调，也不必用反光工具辅助照明，很适宜拍摄人物照。在黄昏或黎明，阳光不太强烈，可利用云彩作衬托，能拍出另有情趣的人物作品。但这种光线会使人物形成半剪影状态，不能区分人体的细部。阴天的散射光，由于没有明显的方向性，拍出的人像反差低，效果一般较平淡。
在室内拍摄人物照，哥奶据窗户进光的多少，进行不同处理。
若室内只有一扇窗户进光，可采用顺光或侧光拍摄。顺光能获得平调的画面效果，缺乏层次，特别是当人物和背景的亮度接近时，会使人物和背景有重迭在一起的感觉。侧光较易表现人物的立体感，但照片的反差大些，需要辅助光。室内若有相对的两扇窗户进光时，对人物造型较为有利。一面窗户的光线为主光，另一面窗户的光作辅助光或背景光。这样可以获得丰富的影调。如受条件限制人物的方向、位置不便随意变动时，就要避免或遮档不利于造型的光线，加强有利于造型的光线。
5．生活人像的影调
人物摄影的影调，是指照片上的黑白密度。影调可以表现人物的性格，不同的影调也可以表现人物皮肤的不同质感。照片的影调，可通过光线处理和洗制条件来控制。常见的人物照，按影调的明暗淡浓程度可分为以下几类。
A 高调。画面大部分是明亮的淡影调，黑色影调只占少部分，这类照片属于高调，也叫明调。它能给人以清新明快的感觉。拍这类照片时，应尽量减少人物身上的阴影，或使阴影部分减淡，服装玫背景也要选择浅的颜色，这样会产生较好的高调效果。高调人物照，靠淡影调的细微变化来表现形象，但也可以有少量较深的影调用以表现人物理学某些部分。
B 低调。低调也叫暗调。其特点是和高调人物照相反，画面上大部分都是较深的调子，尽量避免和少用亮调子。它给人以深沉、庄重的感觉。服饰和背景通常以深色为主。一般采用侧进光或侧光，使被摄者面部阴影大一些，依照被摄者面部的亮度曝光，使亮面再现为中等明暗的调子。个别是的低调人像也可以用顺光拍摄，但曝光量要少，以便将面部再现为暗调。
C 中间调。中间调是相对高调和低调而言的，其画面上明暗影调分布比较正常，是人物摄影中常见的一种。这类照片给人的感觉既不偏于明快，以不偏于凝重。画面上允许有大面积的淡调子，也允许有一定面积的深调子，有较丰富的中间层次。
此外，在谈论人物摄影的影调时，除了以上明暗不同外，还有影调的软硬之分。实践中，许多人物摄影作品就是用柔和、朦胧的软调拍摄的，自然也有与软调相反的、反差大的硬调作品。所以，不仿对这两种调子也分别做一研究。
D 柔调。柔调人物照的特点是画面的影调配置比较朦胧，而且多半是用中等明暗的调子。（在黑白照片上是灰影调；在彩色照片上是中等明暗的色调）去描绘被摄者的形象。亮调子较少，深暗的调子更是少用或不用。它给人的视觉感受是比较轻盈、明快，有一种清淡、愉悦的感受。这种柔调人物照的拍摄技巧是，尽量运用散射的柔和光线，而且光比要小，要避免画面中出现明显的深色调子。要瞄准中间影调的部位测光，并根据它的反射亮度曝光。同时，拍摄过程中常常在照相机镜头上加用柔光镜。柔光镜不仅可以使画面的调子柔化，也能使影调进一步变浅。
E 硬调。硬调人物照的特点与柔调人物照恰恰相反，它主要是运用明暗两极的影调（比如黑白照片上的黑调子和白调子）构成影像，光比大，而中间调子很少。这种影调处理方法常常用来表现被摄者处在明亮的光线之下，或者采用日光拍摄时表现一种暑热的感觉。在曝光技巧上，要分别测量被摄者脸部亮面和阴影的亮度，然后折衷曝光。或者根据脸部亮面与阴影的综合亮度曝光。
硬调人物照虽然有以上造型效果，但由于它对于被摄者皮肤的质感表现不充分，所以除了特殊需要时，一般不采用。
以上调子各有特点，画面效果各有不同。在拍摄中要根据不同民族的人物特点及作者的表现意图，采用不同影调借以烘托人物，表现出人物的外表与内在素质的关系，通过外表的拍摄来刻划人物的精神面貌和内心世界，从而拍出更多更好的民族生活的人像作品。

四、民俗环境的拍摄
民俗环境，是经过人们劳动改造过的自然环境。在各族人民生活的自然环境中，只要认真观察，善于取舍，到处都有反是非曲直当地民俗特色的景色可以拍摄。如锦绣的梯田，广阔的田野，茂密的山林，古朴的建筑等等可以表现无究。一般村寨小景也可以创作出动人的作品。
1．自然环境
用高角度拍摄能展示自然环境的大场面壮观景象。这类作品要求景深大，线条和影调分明，气势磅礴，透视效果好，深远感强烈。若平视或仰视拍摄，则难以表现好大地的气象万千。
拍摄自然环境时，不应使自己的眼睛只看到田野和植物的色调或面积的大小变化，更要注意山川、河流、林带、道路、田埂等在画面中的位置和对构图的影响。这些景物可加强画面的线条变化，层次与深度，能用以渲染气氛，突出主题，增强艺术魅力。
采光方法运用得当，是拍好自然环境的基本条件之一。多用侧光和顶逆光，在画面上的造型效果较佳，可达到立体感强，层次多，景物轮廓明朗，线条清晰。在同一景物中，若改用顺光，整个画面会变得平板、单调，景物层次少，画面上的深度效果也出不来。全用大逆光也不行，被摄景物在画面上占的面积过大时，容易形成漆黑一团。
此外，对云、雨、雾、霞等自然条件的得体运用，也是拍摄自然环境时营造画面气氛的重要手段。有人说阴雨天气无法拍摄好自然环境照片，但大量实践表明，阴雨天却是表现的有利时机。
阴雨天，由于阳光透过厚厚的云层才能到达地面，从用光的角度说，此时的光线等于加了枚柔光镜，比烈日当空的“顶光“要柔和得多。拍摄时用彩色胶卷比较适宜。这样，只要注意纳入一点暖调色彩，如红橙色的花卉或衣服，使前景中的色彩和雾蒙蒙的背景形成色彩反差，拍成的作品同样十分悦目。通过天气的变化加强对大自然气氛的刻画，或造成悬念，产生联想，或构成特有的意境，使画面形象具有诗情画意。一幅反映自然环境的照片，如果缺少云、霞、或雾气来活跃画面，就象炒菜缺少调料一样平淡无味。云、雾、霞就是摄影的调料，而掌握拍摄时机和角度，抓取瞬间，就是摄影艺术的火候。
2．村寨小景
拍好村寨小景，也是民俗摄影中常遇到的题材，大场面虽然能表现自然辽阔壮丽的景色，但村寨小景也同样富于诗意，在美的欣赏中给人以启迪，使各族人民更加热爱生活，热爱家乡，陶冶思想情操。拍好村寨小景，应选取有特色，有情趣，多层次的景物，特别要注意周围景物的特征，认真观察阴雨晴雾的变化，寻找最好的角度和理想的光线效果，以相应的景物作陪衬，当即立断地按动快门。选择的拍摄对象，如民居、田间、古建筑、池塘、溪流、椰林等等。村寨小景的拍摄并非靠单纯的摄影技巧取胜，而其更包含着作者对民俗生活的热爱，是在深刻的感受中产生的美的结晶。
3．畜牧活动
民族地区畜牧活动的拍摄，也是民俗摄影的内容之一。在民俗摄影和其它摄影艺术形式中，表现放牧的镜头较多。但如何拍摄的更有民俗风韵、更有鲜明的地方特色和给人以自然美的享受，却不是一件容易的事情。
如拍摄草原放牧情况，平视拍摄就很难表现出“风吹草低见牛羊“的辽阔气势，只有采取高角度拍摄，才能使视野开阔，深远感强，畜群的层次多，才能使构图有变化。这通常要将拍摄点选在畜群附近的高地上，居高临下拍摄。选择背景亦应尽量寻找有代表性特征的山包、树木、河流等地形，或独特树种、地貌等。形象特点突出，使人一看就大体知道是哪一地区、民族的景象。
拍畜牧情景，很多人只注意反映畜群的活动场面，这是需要的。但都拍这种场面，就难免给人千篇一律之感。我们还应从放牧生活中去挖掘那些有情趣的细节，有特点的镜头，如放牧人的动作、情感，个别牲畜的活动，人与畜的感情交流情节，借助云朵、霞光、炊烟等活跃画面。
拍羊群、马群、骆驼群，多采用逆光，侧逆光，将被摄体勾勒出生动的轮廓光，再衬以灿烂的云霞，浓郁的树丛，盛开的鲜花等，就会赋予主体形象以美的感染力。
五、婚丧礼俗的拍摄
婚丧仪礼，是社会民俗类别中人生仪礼的重要组成部分，也是各民族中最常见、最能反映民族特征的民俗事象，因而也是民俗摄影和其它摄影门类较为重视的拍摄题材。
1．结婚礼俗
婚礼，是人生仪礼中的大礼。在中国，历来受到个人、家庭和社会的高度重视。从人生诸仪礼的传承和演变来看，婚礼的形制最为完备，传承最为悠久。我国各民族的婚礼和丰富多彩的。有些婚礼不仅保持了原始古朴的特色，而且留有古老文化的痕迹较深。
各民族的婚礼虽然形式不同，但普遍都特别隆重、热闹。有的婚礼要分两次进行，订婚一次，娶亲一次；有的婚礼要热闹三天或更多的时间。所以拍婚礼，首先要对婚礼的程序有清楚的了解，知道那一道程序最管合拍摄，最应该拍摄，作到有备而拍。婚礼虽然“动态“不很激烈。但是错过了机会或抓不住重点，是不可以再重来一启蒙让你拍摄的。因此，必须抓住其最精彩最有典型意义的瞬间进行拍摄。如广东佛山市几家摄影单位联合举办了一期“思乡杯“民俗摄影大赛，收到一幅作品：反映的是珠江三角洲妹妹比哥哥先结婚要遵循的一种婚嫁风俗的照片，当地风俗要求新娘跨过放有筷子、挂有哥哥长裤和鸡公筛箕，“跨头“。作者十分熟悉地捕捉到这“跨头“的瞬间，主题突出，准确而全面地反映了这一历史悠久的当地习俗。也有与此相反的例子：某学员高兴地交给其老师一组反映某民族的“婚俗系例照片“，老师欣喜异常，但打开一看，张张都是吃喝、打闹、戏耍的场面，毫无该民族的特色。
拍摄婚礼，自然要突出喜庆气氛，但如何突出呢？可以利用环境因素或捕捉情节。如朝鲜族结婚，在新房里高高迭起的七彩缎婚被和婚礼上新郎要把新娘抱进新房的场面，既有戏剧性效果，又有鲜明的民族特点。
此外，婚礼中人物的表情也是我们拍摄的重点，对未来充满希望的新郎，被眼前的一切搞得羞怯怯的新娘，其表情都是十分真实感人的。
2、丧葬礼俗
丧葬礼仪是人生最后一项“通过仪礼“。我国各民族葬式中所表现出的民俗事象多种多样。由于民族文化素质宗教信仰不同，人们对待丧葬的态度、方式必然不同。对待宗人的死亡，有的民族是哭，有的民族是笑；有的民族是土葬，有的民族是火葬、天葬、塔葬、悬棺葬、岩洞葬、水葬等等。对于多数地区和民族的葬礼，有的民族是火葬、天葬、塔葬、悬棺葬、岩洞葬、水葬等等。对于多数地区和民族的葬礼，是较容易拍摄的，而对某些民族的葬礼的拍摄却并非易事。一是有的民族在举办葬事的过程中不愿让“外人“接近，更不喜欢你拍摄，这就需要通过一定的“媒介“，或拍摄者通过接触让当事者看到你有“诚挚、可靠“的表现；二是有的民族的葬礼过程较长，各个阶段都要间隔几天，这就需要拍摄者有相当的耐心和对事业的不懈精神。
拍摄这些丧葬仪式，要充分利用地理和气象的因素，创造精奇的气氛，并在构图、用光、角度方面尽量展示其“低沉“的情调和氛围。
六、商业贸易民俗的拍摄
商业贸易民俗，简称商俗。是各民族生活中不可缺少的一部分。不同民族有不同的贸易场所、不同的商品、不同的贸易方式。在内地和汉族地区多“集贸市场““集市“；在新疆，对经贸交流的场所称“巴札“，保留着古老的维吾尔族风俗传统；在西双版纳，对经济交易的场所叫“摆“，“赶摆“是傣家人生活的重要组成部分；还有，各地各民族还有不少既有民俗特色又有商品交易的“庙会““狮会““高跷会““赛巴大会““花会“等等。这些，都具有鲜明的民族特色和地区特色，是民俗摄影不可忽略的拍摄机遇。
这类民族商贸摄影，重要的一点是注意突出民族和地区特色。一是注意选取着有当地特色服装的买主或卖主来拍，让人一看便知是哪个民族，哪个地区的市场；二是要选取有民族地区特色的商品来的；三是要注意抓取有典型意义的时刻和场面拍摄，如顾客正在聚精会神地挑选商品，买卖双方讨价还价的瞬间，卖主高声叫卖的时刻等等；四是尽量不让被摄者发觉在拍摄他，以获取自然真实的镜头。
拍摄交易场面，通常多用中等距离和斜侧角度拍摄。中等距离可以较清晰地拍摄到交易双方的体态，表情，又可兼收一部分集市的活动场面于画面之中；而斜侧面会使人物显得活泼，富有动势，可产生环境肖像的韵味，同时还利于达成抓拍的突然性。
七、民间竞技的拍摄
民间竞技，包括各民族的文化体育活动，传统技艺比赛项目，不仅有一定的竞争性，还有浓重的实用性、表演性和娱乐性。我国各民族都有属于本民族本地区独有的民间竞技活动。尽管种类繁多，内容与形式千差万别，但活动的基本规律和相通的，可掌握的。只要把握住它们有规律性，就拿到了拍摄成功的钥匙。
竞技性摄影的主要特征是大动态摄影。多数项目是在激烈的运动中进行的。被摄者动作的速度、力量、难度、造型和生动的表情等等，都在“动“中表现出来的。而各种“动“的瞬间，往往又是最紧张、最精彩的画面。这就要求摄影者要在暂短的时间内取景、抓拍，否则就会错过机会。同时摄影教者要在暂短的时间内取景、抓拍，否则就会错过机会。同时摄影者还需要熟悉所要拍摄项目的活动规律、比赛规则，充分运用能显示动感的各种摄影技法，虚实结合的进行拍摄。下面就民间竞技摄影的有关问题做一简要探讨。
1．备好相应的器材
由于竞技活动是在特殊的环境中进行的，所以对所用的摄影器材也有一些特殊的要求。不少竞技项目动作都比较快，为了使影像清晰不模糊，需配备有1/300秋以上的高速快门的照相机，最好使用135型照相机。这种相机的好处是，体积小，重量轻，便于携带，操作方便，适宜快速抓拍动体。取景器最好是直视的，因为直视取景器中影像明亮便于直接观察动体，快速取景，抓拍灵活。胶卷以彩色为好，这样用在135相机上既能保证环境和人物色彩鲜明，美感强烈，又能保证所拍的画面数量多，不致于因为经常更换胶卷而失去拍摄精彩镜头的机会。
镜头应长短搭配，除具有标准镜头以外，还需要配带广角镜头和望远镜头。广角镜头可以用来拍摄较大的场面，如开幕式、闭幕式、团体性竞技或表演，会场全景等。望远镜头可以用来拍摄有危险的或不能接近的激烈比赛项目，如马术比赛、滑雪等，可以把它们的远景拍成中景或特写。如果有变焦镜头就更好些，可以通过镜头焦距的变化把景物拉近或推远，扩大或缩小，来选取最佳画面。还可以运用变焦距近拍法，获得动感强烈的具有放射状线条的生动画面。
在动态摄影中，有时适当地使用滤色镜可增强画面的艺术效果。例如，用黑白片拍摄运动场全景，如果此时天空晴朗并且有白云浮动，可以使用黄色滤色镜使兰天变暗，白云突出，从而使整个画面显得开阔、明朗。相反，若不使用滤色镜则会显得比较平淡，失去光彩。
在室外进行的竞技拍摄，一般使用ASA100（GB21°）的胶卷即可获得满意的效果。而在室内拍摄，这种胶卷就很难取得较好的效果。因为室内照明的亮度要比室外暗得多，而竞技摄影所需快门速度通常要1/300秒以上的快速，要使胶卷准确曝光就必须开大光圈，有时光圈开到最大仍达不到准确曝光的要求。这时应使用感光度在ASA400（GB27°）以上的胶卷，才能达到要求，才能把较快的动作清晰地拍摄下来。在少数情况下也可以使用闪光灯进行光线补偿，那就例外了。
有些情况下的竞技摄影还应使用遮光罩，以防止杂光进入镜头。在拍摄大场面的照片时，应当用三角架固定照相机，这样拍出的照片即使放得很大，也可以获得清晰的图像。
2．有计划有重点地拍摄
一个大型的民族竞技活动，往往时间长，内容多，如何在即定的时间内拍下所需要的照片，而避免在拍摄过程中的盲目性，事先需要有一个拍摄计划。首先利用各种途径了解竞技活动的程序。然后确定自己的拍摄项目（一般和重点要有所区分），排列出拍摄表，依次拍摄。
拍摄中要以有民族特色的项目为重点。各民族的竞技活动内容丰富，形式多样，几乎每个民族都有自己独特的表演。例如，同样是摔跤，蒙古族与朝鲜族不仅跤服不同，而且比赛的方式也不一样。朝鲜式摔跤，开赛前双方先抱好，而蒙古族的摔跤，开赛前对手是分开的。蒙古族摔跤手进入场地时的动作很有特色，又有舞蹈的美感，还有虎视眈眈的竞争气氛，很有拍摄价值。有些少数民族的运动会，不仅经赛项目别有特点，奖品也是很独特的。有奖励马的，奖励牛的，还有奖励骆驼的，摄影者若将这种独特的奖品作为前景，透过栓在场地上披红戴彩的黄牛，拍摄场地中央龙争虎斗的比赛场面，肯定会使画面洋溢着浓郁的民族情趣。
3．突出和强化“动“感
拍摄各民族的竞技或表演活动，不能只是简简单单地记录那些花花绿绿的场面，要让人在观赏作品的过程中得到美的享受。而这类照片的美感又突出表现在动感方面，动中有力，动中有情，动中有美，如何表现“动“感呢？必须针对不同竞技项目“动“的特点，采用不同的技巧进行拍摄。
A用高速拍摄凝固运动瞬间。这种拍摄要特别注意动热的表现，以较快的快门速度固定住优美的动作。陈扬坤拍摄的《激浪高歌同心曲》，趣味中心是龙舟上的指挥者，你看他高扬手臂，挥动指挥棒，动作潇洒，富有力量感。被高速拍摄凝固的运动员划浆的手臂，全都是一种姿式，恰到好处地表现出协力同心共争先的赛龙舟主题。高速拍摄不仅固定住了优美的动作，而且又将激起的水花凝固在空中，增加了竞争的气势和画面的动感。
B用慢速拍摄虚化动体。同样是拍摄龙舟比赛，黄雄飞选择了慢速拍摄，其作品《龙的传人》也取得了成功。作者以特写镜头，选取了几位奋力挥浆的运动员，用三分之一秒左右的快门速度抓取运动员迅速挥浆的动作，使画面上形成有规律的运动虚像，动感很强，也很有力度。
C用追随拍摄强化动体。追随拍摄，是作者手持照相机紧随被摄目标等速移动的同时按动快门，与战士打活动靶时的射击动作很相似。这样，由于焦点随着动体移动其影像清晰，而画面中的静体则变为虚像。这种虚实结合、动静结合的画面，动感更为强烈。追随拍摄的方法有很多，实践中应根据目标的不同运动方向采用不同的追随方法拍摄。
横向追随。这种方法适于表殃横向运动的民族况技活动，如赛马、赛骆驼等。
竖向追随。这种方法适于表现上下运动的民族竞技活动，如跳板运动。竖向追随的方法并不比横向追随复杂，只是相机是向上或向下移动中拍摄。
斜向追随。这种方法适于表现倾斜运动的民族技活动。如荡秋千运动。身着彩裙的姑娘踏着秋千飞向高空，背景的人群、树木呈斜向虚线，给人以秋千生风，人飞天空的感觉。
纵向追随。这种方法是用镜头正面迎着动体，并随着动体的前进或后退移动焦点，同时按动快门。变焦镜头纵向追随最为方便。如果只有定焦镜头，通过移动机身也可达到变焦效果。纵向变焦会使静止的物体在画面上变为四射的线条，给人以浓重的“爆炸感“。
追随拍摄的方法还有几种，如旋转追随。俯角追随等等。每种方法只要运用得当，都能拍出方向性动感很强的作品。
值得初学者注意的是，追随拍摄的速度一般都在六十分之一秒左右，所以一般的“傻瓜“相机是拍不出追随效果的。
4．夜晚拍摄民俗运动
我国有些民族的民俗活动是在夜幕降临后才开始的，如彝族的“火把节“，许多民族的“灯会“等。
“火把节“的夜晚，每家门口都竖有火把，村口有公立的大火把，广场上人们燃起篝火和火把集会。拍摄这种活动的大场面，应尽量选择制高点，将相机固定在三角架上拍摄，为使场面轮廓清晰，可采用两次曝光的方法：天未完全黑时，以低于正常曝光2-3档的曝光组合拍下草场垛子的轮廓，等火把点燃后再以火的亮度正常曝光。
在篝火场地拍摄时，要尽量拍出火光映照下的欢快气氛。有时要用闪光灯作辅助光拍摄，闪光灯应尽量加检红色，以使辅助光和火光色温相近，保持一定的现场感。
在我们这个民族大家庭中，灯会的形式多种多样。包括汉族在内的农历“正月十五闹花灯“，是我国最为广泛的灯会活动，还有满族的“放河灯“，有着800多年放灯历史的四川自贡市灯会及其它现代灯会等等。已成为广大摄影受好者十分喜欢的民俗摄影题材。为便于叙述，下面以流传较为广泛的“正有十五闹花灯“为主研究一下夜间拍摄要领。
正月十五前后，我国许多民族的大街小巷都挂满了形态各异的花灯。公园里更是热闹。拍摄这种传统灯会，要体现传统特点。如花灯上常常设置一些灯迹，可拍下亮闪闪的花灯及猜谜人的情态。拍闹花灯，要体现“闹“的特点。传统灯会常常伴有歌队跳跃其间，他们身着传统艳丽的服装，手举各种花灯，摇来摆去，拍摄时应选一个较高的位置，用三角架固定相机，以尽量小的光圈和较长一些的曝光时间拍摄。
对较大场面的展示，可用广角镜头拍摄。拍摄时，用各种花灯本身的亮度进行曝光，一般无须加用其它辅助灯光。在取景构图时，须仔细选择真拍摄角度，利用各种灯的亮度使画面的明暗、轻重取得平衡。有时还可以借助彩虹镜、星光镜等进行拍摄，这些滤光镜能使色彩缤纷的灯更加迷人。现代灯会多用电照明，亮度较高，所以不必用太大的光圈。曝光用光圈F8和F11，速度1/15或1/8秒即可。
拍摄灯会中的人物活动，要解决好人物曝光和背景曝光的平衡问题，不能让人物淹没在黑暗之中。拍观灯人，一是靠现场彩灯的光，二是靠辅助光，但不能太强，若人物离彩灯较近，可以不用辅助光。
拍摄灯会最好不用“傻瓜“相机。因为它的光圈和速度是电脑控制，无法手动操作。其它的相机基本上都适合灯会拍摄。
在灯会上拍摄，一般都使用彩色胶卷，这样能反映出灯会的缤纷色彩。可用21°日光型彩色胶卷，不必用灯光型彩色胶卷。因为，日光型彩卷表现低色温的灯光，画面色调呈暖调，有些偏红，有助于渲染灯会的热烈气氛，也为闪光灯补光提供了方便，因为闪光灯的色温与日光型彩色胶卷所适应的色温相符。

光线的运用和对影调的影像

2006-07-27T17:01:00.000+08:00

光线的运用和对影调的影像

户外日光是人们最常使用的光照条件，尤其是阳光普照的晴天，更是摄影者喜欢的黄金时光。充足的光线把万物照射得色彩缤纷，如果选择好拍摄角度，可以拍出立体感强、色彩饱和的照片。特别是对于使用镜头解像力弱的照相机的业余摄影者来说，这种照明能使你有机会拍到清晰度高、层次丰富的图晴日阳光的光线特点
晴日阳光的光照极强。这样的光线使摄影者采用慢速胶片并以较高的快门速度和较小的光圈进行拍摄时，仍能获得较高的清晰度和颗粒细腻、适应高倍放大的底片。若采用常用的IS0100胶片则可使用更高的快门速度，甚至可使用1／4000秒的速度来拍摄高速运动的物体，比如奔驰中的火车，奔跑中的运动员等等。同样，采用f／22、f／36等极小的光圈进行拍摄时也能使用较高的快门速度。小光圈能获得很长的景深，如果是24毫米的广角镜头采用f／22光圈，甚至不必对焦就能拍摄，这对于抓拍很有用处。
晴日阳光还能拍摄到反差很好的照片。由于光照强硬，使得物形、物体的边缘线均能得到最佳的表现。
在一天中特定的时刻进行拍摄时，太阳的位置是相对固定的，因此，只要想办法改变我们的拍摄角度和被摄者的位置，我们每时每刻都能在太阳光下拍到顺、逆、侧等光位的照片。
顺光
阳光从摄影者背后射向被摄体称为顺光。顺光照射的景物往往给人以平板的感觉，拍成照片后立体感和空间感不强，画面反差小，缺乏影调层次。如果景物的色彩相近，照片的反差就更糟。拍彩照时，顺光能不加修饰地表现被摄物的本来面貌，色彩较朴实，饱和度和透明度也较好。顺光对于拍摄人像有一定的长处，尤其是拍老年人，顺光可用来掩饰脸部皱纹、
斑疮，对人物起美化作用。还有，在翻拍资料时，顺光是最合适的。如果拍摄的资料画面不太平整，在顺光下能得到最佳效果。
由于一天中太阳高度在不断地变化，因此，·早、中、晚每个不同时辰顺光的高低角度也在不断地变化，．这种变化同样也会对拍摄产生影响。我们大致将各种高度的顺光分成平射顺光、斜射顺光两类，这两类在一天中上午、下午各一次，情况大致相同。
1．平射顺光
一般我们把太阳光线与地平线之间夹角小于45°的顺光称为“平射顺光”。这是就平原地带而言的，如果在山区，拍摄者由山下往山上仰拍或由山上往山下俯拍，此时的光线情况又应作具体分析。
顺光最典型的特点如画面易平板、反差小等在平射顺光中体现得最突出。因为这种光线会使拍摄者、被摄体与太阳基本平射顺光上处于同一条直线上。此时太阳的位置很低，阳光要穿过厚厚的大气层射向景物，太阳光线被大气层中的尘埃、水气等微粒散射比中午要多得多，所以，此时的阳光相对而言要柔和些。如果拍摄青年女性或者可爱的儿童，这种正面顺光会使图片显得明快而温和。但是，由于平射顺光光线几乎是直接照射到被摄者脸上，因而不宜拍摄正面照，否则会产生眯眼的不良效果。
平射顺光拍摄要注意影子的影响。在拍摄人像时拍摄者的影子很容易投到被摄者身上。初学摄影者往往不注意顾及整个环境，在通过取景器取景拍摄时视线总落在画面最吸引人的地方，如人的脸部。因此，初学者在拍摄平射顺光人像照时，尤其应注意自己的影子是否落在被摄者的身上并及时调整。有些大胆创新的摄影者故意利用自己的影子或用一些道具来挡住投射到被摄者的一部分光线，甚至挡掉脸上的一部分光，以产生特殊的艺术效果。初学摄影者也可以在学好基本功的基础上不囿于传统，大胆创新，进行反向思维，以激发创作灵感。
影子的妙用还可以推而广之，用在风光、小品等门类的摄影中。在平原和海滨等开阔地带，拍摄者既可以把一些建筑物、篱笆等的阴影拍入画面，也可以把自己的影子拍入画面来
活跃画面，这样还能弥补顺光下画面反差小的缺陷。
在彩色摄影中，由于光线通过大气的路径最长，七色光中的蓝色光被空气中微粒反射得最多，因此，此时太阳光的色温较低，拍出的照片往往呈暖色。
2．斜射顺光
阳光从摄影者背后与水平线呈45°-75°的角度照射被摄体称斜射顺光。用这种光线拍摄的人物照片光线呆板，虽然由于太阳位子变高，人物不易出现眯眼，但是随之而来的是人的鼻子底下开始出现不悦目的阴影。尤其当太阳角度较高，而被摄人物的眼窝较深，颧骨较高时，这种阴影就更为严重了。
这种光照拍摄风光片也不理想。拍黑白片，整个画面呈中间灰色调，白的不够白，黑的成为灰黑，景物的质感得不到很好的表现。拍彩色照，除了质感表现不佳外，整个图片偏灰，此现象因具体拍摄对象而异，据笔者经验一般偏灰蓝色。因此，一般不宜选择这种条件拍摄。
为了弥补上述两种顺光条件下光感平淡、反差不足的缺陷，在彩色摄影中可以通过不同景物、人物的色彩反差来丰富画面。例如，运用被摄物体本身的颜色差别，或者选择一些与画面的色彩基调成补色的景物作为前景来拉开画面的色彩反差。
顶光
中午，阳光垂直地照射到地面，这种光线即为顶光。此时的光线照度是一天中最强的，光线的方向性很强。因为太阳穿过大气层的距离最短，光线的散射最微弱，光线在底片上留下的反差也最强。在这种光照条件下拍人像，眼窝、鼻下或脸颊会出现难看的黑影，造成脸部变形，一般难以拍出悦目的令人满意的人物照。
如果非得在这个时候拍摄，那么可以用闪光灯补光，但要注意闪光灯的光量须较强；或者适当靠近人物，以使顶光下呈现的脸部黑影变淡或消失；或者采用一块反光率较高的揉皱了的锡箔纸制成的反光板，也能起到弥补的作用。
另外，也可以改变被摄人物的姿势，由站立、正坐变为躺、仰靠等等，同时避免阳光直射人物眼睛，以防眯眼。同样，在顶光下拍摄塑像、产品广告等其他可倾斜、倒置的物体，也可以采取这种方法。需要的话，还可以用一个支撑的架子来固定被摄物。
以顶光拍摄风光时，环顾四周，景物的受光情况一致，而且，地平线附近的天空也是一样的蓝色，所以，不管朝哪个方向，以拍摄蓝天为背景的风光较为理想。不足的是，景物的阴影仅仅在景物的底部，所以，如果你拍摄的地点是处在丘陵地带，那么广阔的远景照片会显得很平淡，因为几乎每座山丘都是均匀受光，缺乏立体感。在这种情况下可以用一个生动的前景来活跃画面，如从树林里向远处拍摄。如果你在树冠下拍摄，树的枝叶或躯干在顶光下一般呈现为剪影，把它拍入画面，既能拉开画面的透视层次又能增强影调对比。
侧光
阳光从侧面射向被摄体，称为侧光。
侧光照射被摄体，在另一侧产生具有明显方向性的投影，它能较好地表现被摄体的肌理和立体感，纵深感强，造型效果好。所以，侧光摄影的影调层次比正面光丰富得多。被摄体的某些部位受阳光直射，而另外部分则靠天空或四周景物的散射和反射光照明。无论是拍风光、人物、静物，侧光照明都是富有表现力的。
如果是在较暗的环境中如树林里、窗户自然光照明的室内拍摄，侧光摄影的明暗反差则很大。此时，如想获得丰富的影调层次，可以采用反光板或利用周围环境淡色物体的反光来给被摄体加补助光。
晴日侧光可有两种分类方法。一种是分为前侧光、正侧光和后侧光；另一种则是以一天之中太阳高低变化将其分为平射侧光和斜射侧光。
前侧光、正侧光和后侧光是在一定的太阳光位置下调整照相机与被摄体及光源之间的平面夹角而产生的不同光照效果。
1．前侧光
前侧光一般是指阳光、被摄体和照相机三者之间的平面夹角在45°左右。这种光线尤适用于新闻摄影。日光直射，画面一目了然，又有一定的反差，能反映出被摄体的基本面貌，且容易表现出物体粗糙或光滑等质感。特别是对于初学者来说，在还未能很好地把握光线造型的情况下，用前侧光拍片的成功可能性会更大一些。
用前侧光拍摄风光片效果也不错。拍出的画面蓝天、大海的色彩纯度仅次于顺光。它还能将景物的线条明显地勾画出来，景物的纵深感也要比正面光强。
2．正侧光
正侧光又称标准侧光，阳光与被摄体、照相机镜头之间的平面夹角成90°。这种侧光能锐利地勾画出被摄体的线条。如果是拍正面人像，则人的面部一半受光，阴影在画面当中占的比例比前侧光大。拍摄黑白片明暗分明，反差强烈，黑白效果极强；彩色片则将有一部分色彩被黑或者灰色所代替。然而正侧光对树叶、花卉等被摄物具有一定的透射效果。所谓透射就是光线穿透被摄体产生比正面光照射下更艳丽的色彩，因此用正侧光拍摄花卉、树叶，画面的色彩将会很鲜艳。
3．后侧光
后侧光是指照相机镜头、被摄体与阳光之间平面夹角约在135°，亦称侧逆光。在这种光线下，无论是彩色片还是黑白片，画面中暗部比例增大，相当一部分细节被阴影掩盖。物体往往以简洁的线条或者很少的受光面出现在画面中，产生强烈的艺术造型效果。这种光线多用于艺术创作，而较少用于新闻摄影或普通人像照，除非加闪光灯补光或者被摄体正面所受的散射光或反射光较多，足以使其与受阳光照射部分之间的光比在2级以内。
后侧光的纵深感强，是拍摄风光艺术片的理想光线。景物的透射性好，只要避免阳光直射镜头，就能拍出反差极强、画面简洁、造型生动的艺术风光片。
后侧光拍摄人像，选择暗背景可拍出低调侧面艺术人像。这种效果以往一般只能在摄影室人工光布光下获得，但现在随着现场光摄影越来越受到重视，传统的摄影室灯光人像照常常可以为现场光人像照所取代，走出摄影棚的现场光人像摄影更能产生自然生动的效果。
4．平射侧光
平射侧光，在一天中早晚各一次。平射侧光最大的特点是投影长，光线较柔和，色温低。这是由于平射侧光太阳离开地平线位置较低，景物的投影相对就长，阳光穿过地球大气层的
路径也较其他光线长，大气层中的水气、尘埃对阳光的反射也相对大一些，所以平射侧光的光线显得柔和些。这就使景物的暗部与亮部的反差减弱，因此拍摄人像、建筑、风光，不仅有足够的明暗反差，有立体感，而且还有较好的过渡影调。如果是拍彩色片，此时的侧光摄影色调温暖，拍少女更显出温情和朝气，拍风光有层林尽染、满目辉煌的意境。
5．斜射侧光
斜射侧光，一般是指阳光以与地平面呈60°左右角度照射到被摄体的侧面光。这种光线产生的明暗对比较强，是拍摄自然风光、建筑和各种人物的理想光线。因为在斜侧光照射下，景物的立体感强，影调丰富。拍摄彩色照片，色彩还原正确，拍摄花卉枝叶透射增艳效果好。而且，此时光线穿过空气中的水气和尘埃的路程也相对减少，故而光线偏硬，景物的清晰度较高。这种光线下拍出的照片往往层次丰富，影调饱满，色彩鲜艳，画面明快、清新。
晴天侧光摄影是运用得最多的拍摄用光方式。对于初学者来说，用侧光拍摄较易体现摄影语言的魅力。初学者不妨从侧光人手，先将上述两大类分开琢磨，反复进行单项训练。如先在同一时刻进行前侧光、正侧光、后侧光的拍摄实践，仔细分析比较这三种侧光的造型效果。同时注意背景的选择，观察这三种侧光在明亮的背景、阴暗的背景和杂乱背景或灰色背景下的拍摄效果。可以买些散装的黑白胶片作摄影练习之用。在掌握了这三种光线的表现力的基础上，进而研究这三种光线在一天中不同时刻由于太阳高低产生的平射侧光、斜射侧光的效果。在熟识多种侧光的特点后，你就可以在拍摄实践中灵活运用，通过改变拍摄角度或被摄体的位置或等待时机来获得你所需要的光照，从而实现你的拍摄意图。
逆光
太阳从被摄体背后射来，阴影落在景物的前面，这种光照称逆光。此时物体处在背阳处，仅有边缘一小部分受光，亮度要比其他光位低得多。因为被摄物体处在阴影下，物体的细部
及表面质感得不到细致的表达。当主体有深色的背景衬托时，逆光照明能使主体从背景中显露出来，给人以明显的轮廓光勾勒的艺术效果。逆光照射下的景物由远及近，景物的色彩由淡而浓，由亮变暗，造成极妙的纵深感。
早晚平射逆光，因为阳光投射角度低，被摄体的投影拉长，暗部的亮度更弱(得不到来自地面的反光)。但这种光线却是勾勒人物和景物轮廓，体现人物优美的体态和创造丰富纵深
感的理想光线。太阳从被摄体后方以很低的投射角度照向被摄体，光与形变得极其简炼，有助于突出主体，使在其他光照条件-下显得杂乱的景物变得简洁而富有表现力。若选择湖、海等大面积水面或灰亮的天空作背景，无论使用黑白或彩色片，均能拍出主体鲜明突出的剪影照片。此时的阳光因色温低而显得色调暖，另外低角度的光线对枝叶等其他较薄而透光的被摄物有透射增艳的效果。应注意的是，太阳位置较低易产生晕光。晕光会使景物模糊，对黑白照片更是有致命的损害。彩色照片则因此而改变色调。但你不妨试试用广角镜小光圈直接把太阳摄入画面，处理得当非但不会使画面因讨厌的晕光而变成灰色，反而可使画面因太阳的光芒而生辉。长焦镜头则无法拍摄泛白后的太阳，但也要避免晕光和炫光。
太阳与地面呈60°左右的照射角照射到被摄体上的逆光称斜射逆光。斜射逆光在一天中持续的时间较长。这种光线拍摄的照片虽然还有大量被摄物处在背阳处，但景物立体感强，层次丰富，是拍摄人物、风光的好光线。画面层次丰富且比平射逆光明快。特别是太阳与地面夹角在65°以上时，天空中强烈的散射光可使整个画面影调丰富，易拍得质感好的照片。
逆光拍摄，一般以主体物的亮度为曝光依据。尤其在拍摄人物近景时应按人物脸部阴影部位的亮度曝光，同时宜选择较深暗的背景来衬托人物。若拍剪影，则应按背景的亮度曝光，
且宜选亮或浅色调的背景。
色温
色温，自然风光摄影中十分重要的概念，在数码技术流行的今天，变的越发的重要。大家都知道，早晨和黄昏的光线是黄色的，而不是象中午、白天一样的，为什么会这样呢，主要是因为大气层的原因，早上和黄昏阳光是被大气折射、散射过的，与中午直接穿透大气的光线是不同的。于是产生了色温的概念。
色温的国际单位是k（开尔文），太阳的标准色温是5400k，其它日常生活中的灯光更加复杂，粗略的认为灯光的色温是3600k，于是我们大家就会注意到，传统的胶卷都会注明，如Kodak color100 日光型、Kodak MAX400灯光型等等，这就是不同色温条件下的胶卷选择。用日光型的胶卷在低色温（2400k-3600k）条件下拍摄会有什么效果呢，一个普遍的现象就是片子偏黄，人物、景物等被光线照射的物体都会表现出日常要黄，由此带来的最大的问题是不能正确的还原色彩，当然了，在风光摄影中还是可以表现不同意境的。闪光灯，是标准的5400k光源，好的闪光灯可以在光线不好的条件下正确的表现色彩（其实正不正确只是依据人们日常生活的习惯）。通过滤镜也可以有效的改变色温，达到所需的效果。有时，其实大家还是很喜欢那种昏黄的意境的，但有时还有人物出现时无法兼顾人物和环境，就要用其它的方法了，比如电影中常用到的手法，在日间通过使用哈夫镜，即能正确的表现人物主体的色彩，有可以造出黄昏的感觉：）

补充：
在混合光源下，最好使用手动白平衡，对准白色物体来设定。
另外为保证曝光准确，可以简单的用手来当18%灰板，注意，手应当放在被摄体的位置。

影调和色调

2006-07-27T16:54:00.000+08:00

基本概念
影调是指画面的明暗层次和虚实对比及色彩的明暗关系。在这些关系中使观众感到光的流动和变化。影调可以说是光的空间存在形式。光影的明暗变化层次还会使面面具有一种音乐般的视觉节奏和韵律。景物的层次和空间距离及光源方向是获得这种丰富影调效果的途径。
影调有两个含义：一是指被摄体表面的不同亮度在黑白感光材料上所形成的阶调层次——黑、白、灰以及处于这三个主要等级之间的过渡层次。二是指整个画面的调子。黑白照片讲究影调，—幅作品若影调难看，就谈不上艺术性。依照调子的不同，摄影作品主要分为三个类型，即高调、低调、中间调。
色调，主要是指彩色摄影中画面色彩的基调，是由色彩的明暗和色别所组成。在画面上起着主要作用，或在量上占有相当比重的色彩称为主色调。根据色相的不同，色彩有红、橙、黄、绿、青、蓝、紫；因饱和度不同，每种色彩会产生多种灰度不同的色彩，它们构成了彩色摄影作品丰富的色调。就彩色摄影而言，不讲究色调运用的彩色照片称不上好照片，摄影者根据拍摄的内容确定画面的基调，色彩在画面上的作用不仅是再现自然，更重要的是表现自然——通过色彩的选择、控制和运用达到良好的艺术效果。
摄影构图中影调和色调有意识的运用方法
1. 影调的处理
在影像构图中搞好明暗配置是非常重要的，当我们在画面中选择拍摄对象时，在大面积的亮影调中安置一小块暗影调，或是在大面积的暗影调中出现一小块亮影调，都能够吸引观众的视觉注意力，有利于表现所要强调的对象或主体。明暗配置在画面构图中还可以用来均衡构图，如果画面一侧是很浓重的暗调，而另一侧是很轻淡的明调，利用构图适当地调整明暗关系，就能够改变这种不均衡的情况，使画面的结构形式稳定、均衡。
2. 色彩的处理
色彩能够影响我们的情绪，如拍摄红色，能让人有一种喜庆、奔放的感觉，绿色能让人有一种宁静、平和的感觉，白色让人有一种恐怖、死亡的感觉，在拍摄时应根据主题和内容的需要选择感情特征明确、相互关系鲜明的色彩，进行恰当、灵活地匹配、组合和运用。
色彩还可以用来表现时间，如红叶象征秋意，橘红的草地告诉我们夕阳正在落山，而姹紫嫣红则显示早晨，而且色彩还能烘托视觉要素的表现力，如肤色红润表现青春年华。
3. 光线的处理
摄像用光的动态性特点不仅是由摄像的技术要求和造型特点所决定的，它还与不同内容对光线的不同要求有密切的联系。在纪实性影像中，如纪录片、风光片、纪实性专题片等通常要求在不失真的情况下艺术地再现典型环境中的典型光效，注重实景光线的运用，强调真实自然的光效。而艺术类影像的用光比纪实类要复杂而多样，可以根据需要进行人工处理，但应根据拍摄内容和节目体裁的区别来适度地掌握。

控制光的方向和角度：户外摄影要充分利用户外摄影的黄金时刻『清晨和黄昏前半小时，甚至不到半小时，太阳不高于地平线15゜的位置，可拍出多种多样的画面影调』和最佳时刻『指上午九十点和下午三四点，太阳于地平线15゜～60゜的位置，光线从侧上方照射下来，光线在被摄体一边，能造成被摄体的自身投影，获得丰富的明暗描绘』控制光的效果。

控制光的强度：中午光线强，反差大，影像生硬呆板，没层次。主光和补助光的光比最好控制在1：4之间。

光线的集中与分散的运用：集中的直接的“硬性光”『被一极强的灯光照明』明暗界限分明，对比强烈，中间过渡色调极少，能刻画出主要形象的外形轮廓线条。

主光不聚集在一点上，而在被摄体周围淡淡分散开，对比减少，使深黑色的阴影和耀眼的光斑消失，产生柔和的效果，扩大色度范围。
4. 线条的处理
在构图中线条的造型美感在很大程度上取决于它与画面框架的相互关系。如拍摄同一根旗杆，虽然现实生活中它是笔直地矗立着的，但是在电视屏幕的画面框架中，它可以居中占满画面，也可以靠边分切画面，给人的感觉是不一样的。这就要求您在拍摄过程中要能够认识和选择何种构图下被摄主体的线条形式最佳、最能表现和反映其本质、最能传达主题思想和创作意图。

进一步的讨论
明与暗的核心是照片的影调和层次。改变画面上的明暗结构，调整影调与层次的手段有：
1、利用照明光线进行调整：
被摄主体受光后形成亮调，而背景处于暗调之中，可体现主体与背景的影调差别。
被摄主体有明有暗，背景保持中间调，用中间调托出主体的亮面和阴影部分。
用背景上暗的部分衬托主体亮的部分，或用背景亮的部分衬托主体暗的部分。
如果是在较暗的环境中如树林里、窗户自然光照明的室内拍摄，侧光摄影的明暗反差则很大。此时，如想获得丰富的影调层次，可以采用反光板或利用周围环境淡色物体的反光来给被摄体加补助光。
2、利用滤镜进行调整：
黑白摄影中利用滤色镜可以调整照片上的明暗结构，使照片上本来深浅相近的一些灰色影调有了明暗的差别。凡是与滤镜颜色相同的被摄体，表现出来的影调就会变的浅淡。与滤镜的颜色互补(或接近互补)的被摄体，表现出来的影调就会变深。
3、利用曝光时间进行调整：
黑白摄影中，不同的曝光量会直接影像被摄体原有影调的再现。
如按明亮的部分曝光，暗部就会损失某些层次；如按阴影部分曝光，亮部又会损失某些层次。解决的唯一办法是调整曝光量，取被摄体测光的平均曝光值，这样亮部可呈浅灰影调，暗部呈深灰影调，使画面明暗适中。被摄体明暗差别较大时，还可利用暗房加工调整。
4、用暗房工艺进行调整：
5、利用控制景深进行调整：
尽量使被摄主体置于最短的景深范围之内，而使其前景或背景处在景深范围之外，以获得主体和陪体的不同程度的清晰度，区分被摄景物的前后层次，表现出空间感和纵深感。

黑白摄影经验分享

2006-07-14T10:33:00.000+08:00

用数码相机拍摄”数字黑白”重要的是”拍摄前期”而不是”后期ps”,更不应该是因为曝光不准或者彩色照片偏色无法矫正而把它改成”黑白”,拍摄的时候就要抛开色彩对你的干扰.大多数职业摄影师不喜欢在同一段时间既拍黑白又拍彩色,因为那是截然不同的两种方法

拍摄黑白照片要从结构,质感,形态,色调等方面审视事物,学会不被色彩所迷惑

阴影是决定光线质素的关键,同时也是影调效果的关键,留意光线的方向和质素以及光线与形态的关系,留意投影边缘的锐利与柔和程度,以及阴影的浓淡程度,是创作一张富于感染力和立体感的黑白照片的关键

气氛是照片里一个难以捉摸的要素,它经常存在于某种情景中,但却很难在照片上表达出来.在彩色摄影中,往往通过对色彩的运用来激发气氛;但在黑白摄影中,则要依赖于被摄物的照明方式和控制影像色调的对比.

记住您所使用的胶卷的品质和特点,有助于"想象"最终的拍摄效果,并影响你观察和处理题材的方法.

当照片中的某种东西留出了想象空间时,即捕捉到了情绪和气氛的感觉.一张非常清洗,明朗的影像,若所有细节都一览无遗,那么不管被摄物多么有感染力,也失去了这种品质.阴影在烘托气氛中非常重要.这是因为它掩盖了某些细节,造成了影像某种程度上的神秘感和模糊感.

被摄物的色调品质对影像的气氛也有重要的影响.一张主色调极浅的高调照片,倾向于安静,悠闲的气氛;一张色调特暗的低调照片,其气氛就是阴沉,严肃的.

影调通常有两种含义:
一是指阶调,即图片中各色阶过渡的缓急和明暗反差的对比程度.
二是指基调,即图片中何种色调占主导地位.

使用染料型黑白更需要寻找有适当反差的景场拍摄.适当的过暴有助改善染料型黑白反差不足的弱点.

国外主流媒体对图片后期处理的规定

2006-07-07T10:36:00.000+08:00

任悦编译自 www.poynter.org

(一）美联社 (Association Press)
美联社关于电子照片的使用规定制定于1990年，电子影像带来的问题是新的，但是处理它的方法我们仍然秉承以前的价值观念。
我们核心的思想是，美联社不歪曲照片，我们从不对读者隐瞒事实。
具体来说，我们遵循以下几点规定：
1，　只对照片做从前暗房可以做的加光，减光，调整色调，剪裁等处理，图片的内容无论如何也不能修改。
2，　在调整颜色的时候一定要非常仔细，确保是现场真实气氛的还原，如果出现不同寻常的色调一定要在图片说明里向读者说明，一定要把色彩的改变控制在最小的范围之内。
3，　如果在照片的处理过程中有任何问题，立刻向高级编辑咨询。
4，　诚实是美联社图片的最高准则，没有什么比这个更重要。
　
(二）纽约时报(New York Times)
1，　照片上的人或者物体不能够通过后期增加、更改位置，颠倒、歪曲，或者是从照片中去除。（除非是通过剪裁的方法去除视觉噪音）
2，　对照片颜色和灰度的修改仅仅限于最小限度内，是为了更清楚准确的传递信息，这方面的尺度可以参考传统暗房里加光减光的方法。
3，　照片里一旦有可能会使读者迷惑的地方，一定要在图片说明里向读者解释。
　
(三）新闻日报 (Newsday)
1，　绝对不能更改照片的内容从而导致读者对信息的误读。我们的准则是尽可能的反应真实。
2，　在一定的尺度内，用作插图摄影的照片可以进行更改，使其更有创意，但是这种更改一定要非常明显甚至夸张，从而使读者可以清楚地看出来，绝对不能导致对读者的欺骗。
3，　如果照片剪裁或者制作成剪影的效果会误导读者，我们不会去做。
我们不把照片反转过来，使之左右易位或者上下易位这样用。
　
(四）美国新闻摄影协会（NPPA，National Press Photographers Association）认为对电子照片进行像“化学洗印照片时所做的简单遮挡、修片和色彩矫正是可以的，而任何改变不论大小，如果影响到照片的真实都是不可取的”。世界上各大媒体也都对电子影像的改变的许可程度做有明确的规定。

谈人像摄影的四个艺术境界

2006-05-20T19:21:00.000+08:00

人像摄影是摄影中最重要的领域之一，也是最能体现摄影师艺术境界的摄影领域之一。以笔者拙见，人像摄影的艺术境界从低到高，可以概括为赏心悦目、惟妙惟肖、张扬个性、诠释生命四个层次。
一、赏心悦目
赏心悦目是一般大众也包括一般摄影师对人像摄影作品的基本要求。无论是商业人像、家庭留念照、新闻人像乃至任何一个摄影领域中涉及的人像，无论是被摄者、摄影者和观看者，只要无特殊目的，无不希望看到赏心悦目的人像，而使观众、听众的身心得到愉悦是任何艺术形式最重要的目标之一。
赏心悦目首先成为商业摄影师和顾客共同追求的目标。而现代摄影的发展从技术上以较轻易地解决了很多前辈摄影家很难或无法解决的问题，因而使实现赏心悦目这一境界变得相对轻松一些，对于商业摄影来说。这一境界的人像摄影作品，除了对摄影师本身的素质提出要求之外，还依赖于一些客观因素，如：优秀的化装师、美丽的服饰、精致的道具，高档的摄影器材、高级的灯光、设备先进的摄影棚，高级的照片后期加工系统、精美的装裱和精心的编辑策划等等。
对于这一境界的人像摄影来说，非摄影本体语言过多的介入和摄影本体语言的淡化是最大的缺陷。所谓摄影本体语言就是摄影技术、艺术的独特表现手段，包括胶片的运用、曝光的控制、摄影用光和构图的经营等等。而非摄影本体语言主要是指原本对摄影起辅助作用的非摄影表现手段，如化装、服饰、道具等等。
在这些人像摄影中，摄影本体语言一般较为淡化，而在所剩无几的摄影本体语言中，绝大多数已成为一种固定的模式和套路，甚至还会有所扭曲。比如在用光上说，为了迎合大众口味，更多地采用了正面光和柔光；在曝光上说，为了使肤色显得更白，经常采用曝光过度的方法。
但所有这些都是为了顾客，这是无可厚非的。赏心悦目就是使顾客和普通大众的身心得到愉悦，所以，这种人像摄影本身就是摄影艺术的重要组成部分，也正是这种赏心悦目的摄影作品把万千大众吸引到影楼里，而这成为中国摄影艺术尤其是业余摄影艺术发展的重要经济支柱。
既然摄影作品具有吸引大众的能力，就说明摄影作品具有引导大众的审美倾向的能力。这种以赏心悦目为代表的商业人像摄影流行十年以来，大众的审美倾向已经在悄悄地发生改变。
而且，近年来，随着一批极富艺术表现力的青年摄影师对商业摄影的突出贡献，使的目前的人像摄影正呈现蓬勃发展的态势。
二、惟妙惟肖
摄影术的出现使得人像再现的“相象”问题变的轻而易举，当代人像摄影的发展又似乎脱离了这一发展方向，尤其是流行的当代商业人像越来越不象本人，而离惟妙惟肖的距离也显得更为遥远。这里的惟妙惟肖当然不仅仅是简单的“相象”，而是在赏心悦目基础上的神形兼似。
这一境界的人像摄影作品，一般具有以下主要特征：
1、摄影本体语言和非摄影本体语言的正确运用
摄影本体语言的运用不以是否赏心悦目为唯一依据，而以能否表现人物的神态特征为主要依据，用光自然考究，曝光准确，体现正常肤色及质感。化装道具不过分张扬和哗众取宠。化装的目的不时掩盖什么，而是要进行衬托，道具只是修饰而不是表现什么。
2、精妙的神态捕捉和眼神塑造
神态的捕捉是摄影师永恒的主体，也是一幅人像摄影作品能否做到惟妙惟肖的关键。，在柔美型的当代人像摄影中，应该说在这一点上做得是很不错的。
在在眼神的塑造上就有所欠缺了。这主要是由于摄影用光的平淡造成的。正面的柔光所营造的高调是很难突出眼神的。所以通过光线的运用来表现人物的眼神是这一境界的人像作品的关键。
三、个性飞扬
人像摄影中个性的张扬可以分为两个方面，一是张扬被摄人物的个性，二是张扬摄影者的个性。
从被摄影者的角度出发，拍摄人像的目的无非是留念、欣赏及展现自己的个性魅力。从这一点上说，摄影师就是要帮助被摄者展现自己的个性魅力。而从摄影者的角度出发，他作为一个艺术作品的创作者，要通过摄影手段、借助于模特的表现能力来表现自己的摄影创意，来体现自己的摄影风格乃至通过摄影语言来诉说自己对生活的确理解。
这一境界的人像摄影作品通常具有以下特征：
1、独特的摄影本体语言
从摄影语言的运用上说，第一境界人像摄影作品的摄影语言运用一般流于平淡，第二境界人像摄影作品的摄影语言运用趋于自然，第三境界摄影作品的摄影语言运用重在卓然不群。
用光是摄影最独特的本体语言。如谢墨拍摄的《对影双姝》，巧妙地利用阴影，营造了奇妙的错觉，令人过目难忘。又如朱恩光的《圣徒》，柯林·托马斯的《一线光明》，萨博·亚历萨顿的《纯》等等。摄影本体语言妙处体现得淋漓尽致。
2、独特的而简练的戏剧性情节
如阿德莱尔·穆萨威拍摄的《生命中的阴影》，画面中的男女主人公在摄影者苦心经营的光影效果中诉说着一段耐人寻味的故事。它不是一部电视剧，但却似乎比一部电视剧要说的更多。当然，这幅作品在用光和构图上也都有独到之处。
3、展现对人和自然关系的独特理解
纯粹的人像摄影也许是不包括自然的，但在这个特殊的环境危机时代，不少摄影者把镜头对准了自然，对准了人和自然的关系。或是热情的讴歌，或是尖锐的批评。
不管是卡尔·考雷的《人与太阳》还是易水生的《人与太阳》，都表达了人与自然融合的渴望。
4、强烈的视觉冲击
无论是匠心独具的光影、别出心裁的构图还是创新大胆的镜头运用，其目的都是产生强烈的视觉效果。
张扬被摄人物的个性就是使拍摄出来的人像摄影作品要与众不同而富于戏剧性的。而摄影者个性的张扬要通过自己个性化的摄影本体语言来展现自己对摄影的理解、对被摄人物的理解、对人像摄影的理解，甚至对生活的理解，所以从某种意义上说摄影作品就是摄影者无声的自白。
四、诠释生命
伟大的人像摄影作品之所以伟大，是因为他刻画了人物的灵魂，是因为它讴歌了生命的伟大，是因为它记录了一个时代的精神风貌，是因为它记录了人类社会的大悲大喜。
从人的个体来看，伟大的人像摄影作品深刻地记录了人物的内心世界，或是悲伤或是喜悦，或是思索或是呐喊。也正是因为它呈现了人物的内心世界，所以这样的摄影作品才给人以心灵的震撼。同时它讴歌了生命的可贵与伟大，面对这样的作品，每一个观众都将为拥有生命而自豪。
从人类社会的总体来看，伟大的人像摄影作品记录了一个时代人们的精神风貌，它记录了人类社会的大悲大喜。伟大的人像摄影作品的意义已经完全超出了普通肖像的意义。它是社会的象征，是时代的象征，是历史的象征，从这一意义上说，人像摄影的意义远不止被摄者的留念和摄影者的个性张扬。
伟大的人像摄影通常具备以下特征。
1、强烈的情感冲击
2、反映了生命存在的价值、讴歌了生命的伟大
3、反映了人类社会的大喜大悲
4、反映了被摄人物特殊的人格魅力
5、摄影本体语言的淡化
比如解海龙的希望工程系列照片中的《大眼睛的小姑娘》，由于它拍摄出了失学儿童渴望的目光、承载了无数失学儿童的希冀，所以她震撼了无数国人的心灵，同时也使这幅看似普通的人像摄影作品具有了非同寻常的意义。
如倍受布勒松推崇的匈牙利摄影家马丁·芒卡西拍摄的《三个黑人小孩奔向大会》的照片，虽然连三个主人公的脸都没有看到，但却使所有观察者体会到生命的可贵和伟大。这幅摄影作品中所表现出来的人类社会积极向上的精神风貌可能会令观察者终生难忘。
又如哈尔斯曼拍摄的邱吉尔，冷峻的面庞、犀利的目光无不显示了这位铁腕政治家的心灵世界，也是那一难忘时代的精神象征。而他拍摄的爱因斯坦者几乎成了科学的代表符号。据说在拍摄这张照片时爱因斯坦者正陷入对在广岛爆炸的原子弹的沉思，可以看到，在爱因斯坦睿智的目光中，有沉重的悲哀，而这也是这张照片最打动人的地方。当然，这两幅摄影作品的成功与被摄人物的特殊人格魅力不无关系。而这些伟大的摄影作品似乎有一共同的特征，即摄影本体语言又趋于平淡。
以上对人像摄影作品艺术境界的分析并不是对人像摄影作品的简单的高下评判，具体的一幅摄影作品也很难明确的划入哪一境界。但任何一种境界的人像摄影作品都可能可以达到使观察者得到艺术享受的目的，只是体会不同而已。

人像摄影作品后期PS工作流程

2006-05-20T18:38:00.000+08:00

调整亮度（曝光）
第一眼看上去，这张照片拍的颜色比较的暗，第一步我们要把画面加亮。复制一个这张图的图层。
将混和模式选成“屏幕”，不透明度按需要调节。本教程设定为45％。
把图片放大，选择柔化工具，笔刷按需要选择，压力选择的低一些，这里暂定为24％。对模特的皮肤做柔化处理，如果碰到有较大的斑点，可以用复制图章工具。
去痘
磨皮
柔化是一个很讲究耐心的工作，一定要慢慢来，对不同的皮肤位置选择不同大小的笔刷，但是压力一定不要太高，我一般都是在45以下。磨皮时候注意眼睛，嘴唇，脸部轮廓等位置，要避免对这些部位做柔化。而且，柔化不应该只是对脸部，身上裸露在外的皮肤都应该处理。
色调
做完柔化后就应该调整色彩了，当然，先做这一步也一样。
色彩的调整要看个人的色感如何，很多人都说调不好颜色，其实就是色感不太好。调整色彩可以用“色彩平衡”、“可选颜色”、“曲线”等等。。。我们这里先用色彩平衡做一下调整。调整参数如图所示：
调整了色彩平衡以后，发现画面还是有些偏黄。于是我们再用可选颜色，对画面的黄色部分进行调节。调节参数如图：
OK，磨皮和颜色调整完毕。接下来做一个锐化，让画面更加锐利些。将图象模式转换为Lab格式。
选择通道－－明度
选择滤镜－－锐化－－USM锐化。锐化程度按你自己的观察选择，这里的设定如图：
将图象转回为RGB格式。好了，所有的调整都完成了

关于人像摄影的几个简单技巧

2006-05-20T18:33:00.000+08:00

马克 R. 威廉姆斯
美国《大众摄影》

    出色的人像并非必须出众的摄影器材，实际上，一盏离机闪光灯就能创造出奇迹。
    当《国家地理》杂志派摄影师外出执行任务时，他们被告知做一件并且是唯一的一件事：针对特定的地点和主题带回有史以来最好的照片，几乎不惜代价和花费多长时间。依仗无以匹敌的才干、付出和资助，难怪《国家地理》不断发表世界上有关异域和动植物的最伟大的图片。但这本杂志有史以来出版的最受欢迎的照片，在世界各地翻印，几乎被公认为是象可口可乐一样的标志，是一幅长着满头黑发和动人眼神、身着红色斗篷的阿富汗小姑娘的简单肖像。意外吗？我想不该。一幅恰到好处的人像，带着迷人的表情、美妙的构图和光线，拥有相对于其它形式的照片更强的感染力，更大的魔力。
    出色的人像并非必须出众的摄影器材。依靠少许知识，你可以摈弃昂贵的工作室频闪灯、帆布悬挂、手持测光表、宝丽来后背、柔光箱和一些你认为严肃人像摄影所必须的随身用具。
    为了证明它，我们将要一步步演示给你如何仅使用单反相机、机顶闪光灯、几块床单，一张硬纸板和其它几种便宜的零星物件拍出艺术性的专业人像照。人像摄影是个很大的话题，我们无法以几页篇幅囊括它，但我们可以告诉你几个随时随地都非常实用的灯光设置方案，不搀杂任何术语和理论的基本设备和技巧。
    你可以找到令人像摄影由平俗到引人注目的技巧和捷径－而这一切都无须你去抢劫银行。

一个只使用机顶闪光灯的光线系统
    是的，正如你所知，大部分专业人像摄影使用多达4个频闪的多闪光系统。为使利用机顶单闪光系统达到同一效果，你首先要知道每个频闪起到什么作用。很简单，4灯系统中的每道光线都是为了达到一个也是唯一的一个作用。

主光源
    这一光线用来照明主体，做决定暴光的测量。你的主光源就是连接你相机的机顶闪光灯（很可能是TTL曝光系统），经由一个10-25英尺的离机导线。你或许在以前听说过，这里我们再重复一遍：改进你人像光线的首要方式就是将闪光灯远离相机。机顶闪光灯表现出枯燥的毫无生气的光线。把你的主光源远离相机到允许刻画出拍摄对象的骨骼构造、皮肤和脸部其它特征的位置。固定在机顶上的闪光灯是无法表现出创造性的。
    在你使用离机闪光灯时你有几种方式可以控制暴光，我们推荐使用与你相机品牌匹配的TTL闪光灯和导线。这将把离机闪光灯和相机内置测光表连接起来用于控制暴光。问题在于，相机厂商提供的导线或许太短，找厂商订制一根加长导线。一根20-25英尺长的个人电脑导线也可以代用并且价格便宜。你相机的内置测光表可能不工作，但我们会教你一种即便你没有手持测光表，即便你的相机没有没有内置个人电脑连线插头的方法－找一只机顶插头转换器。

滤光
    在你将主体光定位之后就是滤光，习惯上用来柔化和消除主体光产生阴影。它不起任何作用，取决于你不需要或者想要控制阴影，滤光通常放置在相反的方向或相机的正上方。
    提示：假如你使用滤光会得到更好的效果。但你可以不购置第二只闪光灯充当滤光。只需放一大块闪光的白板在你通常放置滤光的位置用来反射部分主光输出。假如你想更进一步消除主光产生的阴影，在你定位之前在纸板上包一层锡箔，或者使用一面墙镜。无论用什么作反射，利用距离你的拍摄对象远近来控制其效果。

背光
    这一光线只用于照明你的拍摄对象背后，取决于你是否想要照亮背景。通常放置在主体的背后，难怪，总是指向背景。
    假如你想跳过背景频闪的开销，只需使用黑暗的背景－背光通常适用于明亮的背景。为了建立一个黑暗的背景，在拍摄主体背后4-5英尺挂一块黑床单－一个免除褶皱，撕痕和布纹出现在照片上的距离。
    假如你恰好拥有一个大房间并且能把它完全遮暗，你也可以把拍摄对象放置于离背景墙10或者15英尺的距离。仅仅照亮主体，你无须一块布就可以拥有一个漆黑的环境。假如你坚持要明亮的背景但还不想购置背景灯的话，在白天距离敞开的窗户几英尺处拍摄人像。最好有个好风景，但大光圈可以虚化窗外的一切。或者在火前拍摄以达到同样的效果。当然，你也可以在一堵明亮的墙前拍摄，但没有分隔光线，在画面上，墙面可能看上去象洗过一样并且有些脏。

边缘光
    只用于把主体从背景中分离开来。通常放置于主体上方和稍后对着头发的位置。
    我们的建议：忘了边缘光，对于普通拍摄而言。假如你把主光的位置摆设恰当，边缘光起不到什么作用。它们也较难使用，除非你有下桁架（BOOM STAND）和柔光箱。
    假如你做稍微的移动，在眼睛或鼻子上会出现意想不到的亮点。最主要的，边缘光可以令你的光线看上去有些人工化甚至出现差错，特别是当用做头发光线的时候。以我的观点，假如你的拍摄不使用边缘光，你可以得到一个不落俗套并且更具艺术性的人像照。
    提示：假如你只是偶尔做人像摄影，没必要投资在架子上以稳定灯光，背景或反射板，可以使用家什做为代用品。把闪光灯固定在三脚架上，把一面墙镜放在沉重的椅子上。当手头没有专业设备时，职业摄影师通常都会这么做，你也可以。
一个普遍的光线设置？
    几乎是所有专业人士称之为短光，好处是它能使脸庞显得消瘦且抬高颧骨，它能够取悦除了瘦长脸形外的所有人。把拍摄对象安置在相机的正前方，确定他们比较好看的一个侧脸，然后让他们在适当的方向扭转大约20度。把你的主闪光灯放置于拍摄对象转头的一面离相机大约75度的位置，把滤光或反射光放置在相机旁相反的方向，这叫做短光，因为你照亮扭离相机的那边脸，否则光线会直接泄入镜头，这将导致眩光。
    直接闪光照明比较生硬，意味着形成暗淡鲜明的阴影，强调了皮肤的表面细节。柔光形成不太暗淡、环绕在主体周围比较模糊的阴影，一般来说，在大多数时候为人像照提供更佳光线。使用柔光时你不必象放置强光要求十分准确时那样容易犯错误。并且，假如你碰巧身边没有化妆师时，柔光有消除污迹和皱纹的优点。总体来说，特别是针对女士时，当使用短光时你会想到柔化主光。
    为了把强烈的闪光转化为比较柔软的光线，在闪光灯和主体之间挂一块半透明的白床单。闪光灯的位置距离床单越远光线越柔和。为了防止光线在床单上发生散射，在闪光灯反射镜上罩一张锡箔，职业摄影师在发明柔光箱之前很多年就是这样做的，并且许多人还在这样做，因为一块床单能够屏蔽除了最大最昂贵光板外更大的光源。
    顺便提一下，与短光相反，是阔光－就是当主体稍微转向左边或右边时，近脸的光线。它使得脸庞更阔或者更圆，令下颌看上去很大，所以不太好，除非针对于非常消瘦的脸庞，这是使用离机闪光灯新手中常出现的错误。
    提示：为了使光线看上去更自然和悦目，在放置闪光灯时可以参照太阳的角度。在拍摄对象头上几英尺高处朝下。假如眼神中看不到光，或者在眼窝内发现阴影，那就是灯光太高。假如鼻子下面有一小块阴影，就是太低。

青春之泉光线的设置？
    是的，至少在摄影圈子内，因此这种光线在三十多岁和更年长的妇女中非常流行。
    你的拍摄主体正视前方，把主光放置在相机左方或者右方，滤光反射镜放置在相反的一面。令主光穿过白床单形成柔光－主光和反射镜之间的空间一定要确保镜头伸入。经过柔化的轴心光能够遮掩脸部瑕疵，令皮肤看上去更平滑，并且减轻皱纹。特别对女性而言更呈现出年轻的表情。（轴心光是指来自相机方向的主光。）

表现个性的灯光设置
    为了表现出个性，特别是男性对象，要使用强光。自闪光灯直射的没经过修正的光线非常理想。只需在相机的上方位置90度的角度对准拍摄主体。在另一边放置滤光反射镜，或者根本就不用反射镜。拍摄主体以侧面或者正对着相机。强光和强烈的光线角度产生表现皮肤纹理和面部深度的阴影，特别适用于年长的男子：老兵、农夫、饱经风霜的老渔夫和诸如此类的角色。也适用于粗犷的年轻人。
    提示：把诸如ROSCOLUX2号的琥珀色凝胶绑在反射镜上，让影像沉浸在暖调的金色光线中。这样可以增强皮肤色调，非常适合温柔浪漫的肖像照。

无可争议的影象控制
    职业摄影师用模式光线来设置灯光，手持测光表来检查暴光和宝丽来后背，以确保在拍摄之前一切万无一失。假如你没有这些设备怎样达到专业效果呢？一大批职业摄影师也没有这些专业设备或者至少不经常用到：那些经营商业人像摄影工作室的人。工作室人像摄影师检测灯光并且日复一日地使用同样的灯光设置。拍摄主体和灯光位置、光度、镜头选择诸如此类的东西通常都是一样的，因此在每次拍摄前不必检查暴光之类的事情。假如你立足于一两种光线设置，学好它，可以在每次拍摄新的人像时使用同样的设置，你也可以丢开模式光线、宝丽来后背甚至手持测光表。
    假如你使用带长线的TTL闪光灯的话，暴光就非常简单。然后，你可以依赖相机的内置测光表不去理会光线的变更或者散射。测光表会自动补偿闪光灯到拍摄主体以及滤光反射镜距离的增减。假如你闪光灯系统使用非TTL电脑导线，试着保护你的光线以达到正确的暴光。设置、记录闪光指数和滤光反射镜到拍摄主体的距离，拍摄一卷实验胶片，多方论证，然后确定最佳暴光。自此之后，在距离主体同样的距离总是使用同样的暴光，灯光和反射镜设置。
    提示：假如拍摄主体的脸特别圆或者宽的话，让他稍微扭转偏左或偏右。你的光线还是设置在拍摄主体脸部的前方，但轻微的相机角度会令面颊狭窄显现更好的总体面貌。

相机设备
    在拍摄人物时，大部分拍摄主体都显露出令人不快的毛孔和皱纹。这就意味着使用普通摄影的设备－高对比度胶片、犀利的镜头、体现高度细节的大底片－不一定适用于你的人物肖像照。拍摄肖像时，小底片、高速胶片、较弱的色彩平衡、不太锐利的镜头、甚至价格便宜的老式变焦镜头也占尽优势。自动对焦和自动暴光当然是多余的，因为你将拥有许多时间来设置、对焦并且检查暴光。然而，大光圈有利于模糊背景并把注意力集中在眼睛上。焦距范围85-120毫米的镜头通常被称做人像镜头是由于它们方便的工作距离和显而易见的令人愉快的远景。
    实际上，对于人像摄影来说没有焦距的上限而是取决于你拍摄时房间的大小。我们照例使用300-600毫米焦距范围的镜头，并且我们喜欢其产生的效果。广角镜头甚至鱼眼镜头非常适用于环境型的人像摄影，但对于我们描述的光线设置，你最好不要使用中距望远/变焦或者更长的镜头。
    在人像摄影中，光线控制比光度更重要。因此，假如你更为认真的话，你要购置的第一样东西就是一只合适的入射式测光表。
    提示：彩色负片具有较大的暴光宽容度，能够原谅在没有测光表时产生的暴光错误。尝试使用职业摄影师在婚礼和人物肖像照中使用的胶片，比如富士NPH和柯达真彩。这两种胶片对于皮肤颜色都很完美。

姿势，表情和结构
    除了光线，人像摄影的创造力来自于把脸庞、手臂、身体、色彩和表情组合在一起的动感。这里有几个基本注意事项：
    从观察拍摄对象开始。你要取其长避其短，作出决定。比如说，拍摄对象的哪一边脸更适合拍照。一定要观察下巴的高度，下巴稍微抬起或低下都会产生戏剧性的变化，令整个脸更具吸引力。
    想想什么是你拍摄对象的引人之处，把它转化成视觉效果。试图通过拍摄激发表情和姿势的鉴赏范围。简言之，就是在拍摄过程中抓住脸部的个性表情。
    不要要求你的拍摄对象微笑或者看上去在沉思，机智诙谐且有预见地启发你的拍摄对象微笑或者看上去在沉思。用语言和动作引出你要寻找的表情而不是要求那一表情。你将得到看上去更自然表情的报偿，因为它们看上起更自然。
    注意拍摄对象衣服和背景之间的色彩关系。确保主体的色彩互补而不是混作一团。避免衣服和背景颜色雷同。一件黑衬衫不会从黑色的背景当中突出出来。把烘托主体摆在优先位置。
    提示：注意细节。是否有一缕头发挡在眼睛前？衣服上是否有松开的带子？确保你的拍摄对象手中在做着什么特别是要令手的位置看上去更吸引人。一个基本法则是你在拍摄时没有注意到的东西会在冲洗后跳出来表现出缺陷。多留意细节，你可以避免高昂的修正代价和其它头疼的东西。
    提示：眼神接触对于大部分人像照是必须的，抓住眼睛中的光线也同样重要－它令人物神灵活现。假如你的拍摄对象戴眼镜，试着翘起脑袋，抬高眼镜，或者移动镜头来消除或者减轻眩光。总是聚焦在眼睛上，假如它们距离相机不一样，聚焦在最
近的眼睛上。

光线选择
通用光线：在大部分时候都适用的人像摄影光线设置。
适用于：普通的人像照儿童/青年/短光设置/阔光设置

性格和戏剧型的光线设置
适用于：粗犷的运动型的面孔/年长的男子/神秘型女子/裸体照/黑白照

青年之泉光线设置
适用于：中年妇女/老年女子/想要看上去年轻的男子/普通女子/神秘型的照片/儿童/面部特写

随机闪灯光线设置
适用于：方便照/事件记录照/快照/身份照/鬼脸照

    最后，对照片构图的一点建议：让趣味点远离人像的正中。下一次你步行路过美术馆时，研究一下人像画，留意令你感动的照片和图画的结构，思考一下为什么。在其它物体上，你会注意到很少有照片或者图画肖像的眼睛在画框的正中间。
    我们试图说明的是，利用最简陋的工具也能拍出杰出的照片。并不是说你在专业摄影器材商店里看到的所有的人像照专业设备都是没有用的，它们是非常有用的。一个多滤灯系统，柔光箱等等诸如此类的设备都可以帮助你又快又容易地拍摄出出色的人像照。但容易并不等同于必要，并且在人像照中，最基本的要素是一只耗电低的简单闪光灯，能够令你人像摄影之路上走得更远，甚至非常远。

相由心生

2006-05-20T18:31:00.000+08:00

午夜，你从梦中醒来，怀着感恩之情。感激上苍予你有一些闲，也有一些钱，于是，你喜欢上了拍照。偶然地，你来到了一个叫“色影无忌”的地方。
有人给了你一份行路指南：《漫漫器材发烧路》。你开始走上了一条充满乐趣，而同时又充满诱惑的“败家”之路。你知道，你会不停地被人下毒。还好，你还有一双看不出分别的肉眼。
一如前辈所说，中毒，是从镜头开始的。你首先喜欢上一种叫“AF Nikkor”的东东。你开始查找有关尼康镜头的各种毒品，有人推荐这20 种，也有人说那10种的好。当一个叫“Maizhan”的人给你丧心病狂地纸上谈兵的时候，你彻底得被毒晕了。
一刀三断，你先拿下了Nikkor AF-S 17-35/2.8D IF-ED和 AF-S VR Nikkor 70-200mm 1：2.8G 。你喜欢用超广角-广角变焦头夸张的透视感表现浩瀚的风光,用中长焦-长焦变焦头虚化掉所有的背景直留下被摄者的那双眼睛。随着拍摄技术的进步,你又喜欢上用广角头拍人,从而走近人文现场;用长焦头拍景,从而走进自然意境。而标头,说实话真要玩出味道来,你感到火候还不够.
关于机身，你要的是经得起"操".毫无疑问专业机身Nikon F100就是你的首选。过两天升级，再把Nikon F6搞回家也就够了。

有了兵器，还得学一些基本功：构图啦，曝光啦，景深啦……你慢慢开始琢磨“如何拍出好照片”……

在烧了一些PP以后，有一天你看到了一些在厨房里拍出令人惊讶的照片后，你也开始迷上了微距。于是，你艰难地要在“失落的帝国”： Nikkor AF MICRO 70-180mm f/4.5-5.6 ED和“用处不大的一只镜头”：Nikkor AF Micro 200/4 D IF-ED 中做出一个选择。当你跑到市场上一看，那支“失落的帝国”已变成“消失的帝国”而杳无踪迹，你便只有选择把那个“用处不大的一只镜头”扛回家，然后跑到路边的绿化丛中把它的用处搞搞大。当然，同时，Macrobug的《自然微距摄影宝典》你也是时时带在身边的。微距摄影让你发现了一个美丽新世界。

低头拍拍野花野草，抬头却又想拍拍家里头领导这朵美丽的家花，于是，你就又想搞个“美人头”，是起点，也是终点的Nikkor AF 85mm f/1.4 D 呢？还是那支 “明日黄花”：Nikkor AF-DC 135mm/2 呢？有人说后者是NIKON最好的三支半镜头中的一个，你也不想过早地从“起点”跑到“终点”，所以，最后你还是决定用“明日黄花”的镜头去记录家里的“黄花”昨日的青春往事。这时候，你的摄影包里贴的是人像摄影的 9个Tips 呢？还是10个Tips ？有点记不得了。
随着开始玩“美人头”，你渐渐关注起镜头素质。通过观摩一场对"小钢炮"的批斗会，你开始去了解Bokeh,MTF,等?你开始学着去体会所谓镜头的味道。你开始颠覆了你一开始井底之蛙地以为 “NIKON是最好的135单反相机”的孤闻寡陋之想。你开始知道了其实各门各派都有其独门极品。你开始关注“镜头风格话题”（1、 2、 3、 4、 5、 6、 7）。最后，你宿命般地中了“菜丝”和莱兹的毒。

然而，135SLR作为一个系统，要改弦更张、更换门庭，却又谈何容易？手头还有点闲钱，但要弃日系N门，改投德系C、L名门，却还嫌力不从心。干瘪的钱包是最好的解药。于是，你收起野心，游走于各大照材市场,按着上、下、里、外、前、后的顺序，购置一些附件，完善你的Nikon135SLR系统。

俗话说，噱头噱头噱在头上，先从头上入手，相机“头上”便是闪灯。到了此时，你也知道了，会拍照和不会拍照的一大区别就是：人家天黑用闪光灯，而你不用；人家大白天不用闪光灯，而你却要用了。闪光灯不仅可以拿来做做标志，而且还可以凝固快乐的人舞蹈跳跃的瞬间、压暗孤独的人犹豫伤感的背景…等等，玩法层出不穷，好了，你就看上最新最有玩头的Nikon SB-800。有了一个闪光灯后，你渐渐又不满足了，想再多配置一些灯具，进而研究研究影棚的基本知识，建个自己的studio （数码篇）。灯多了，光也复杂了，你觉得测光的重要性。此时，你想要一个独立测光表了，你选了世光608。

人工光线玩多了后，你最后还是觉得自然的弱光（现场光）最美妙，所谓“早晚能出片”。照片的灵魂其实就是那些微妙的光影。要想玩现场光摄影，你便面临了相机“下头”的附件：三脚架的选择问题。无疑，最能毒倒你的就是G2的第二种武器：捷信（GITZO）。最后，一刀三断的选择：捷信G1227 MK-II + KongRinpoche NB3。

“上面”有了Nikon SB-800这个“噱头”，“下面”因为有了GITZO 1227也不“蹩脚”了。这把，“前面”的 UV镜也不能马虎了，至少要对得起价值不菲的镜头嘛。UV镜最大的作用其实是和遮光罩一起用来保护镜头的，在光学上最有玩头滤镜非偏振镜莫属，先把线偏振镜（PL）和圆偏振镜（CPL）的原理与使用搞懂吧。接着，你觉得拍拍风光片，在拍天高地远的大场景时COKIN的渐变镜是有需要的；在拍小溪流水等小景时，却需要ND4等减光镜。而其它的各色滤色镜，你觉得还是留待以后慢慢再琢磨。

当你开始认真拍片，认真揣摩锻炼曝光技巧，使用曝光补偿、包围曝光等功能时，你突然发现，有时候你增减1/3甚至整整一档的曝光，但出来的PP还楞没区别，你开始怀疑所谓的曝光补偿、包围曝光是不是皇帝的新装。当然，不可能所有的教科书和前辈DX们都有兴趣来欺骗你这样一个无名小卒。很快，你知道了这都是冲印社的自动扩印机惹的祸。于是，你开始放弃负片,尝试用反转片了。一下子，你被惊艳了，你觉悟到要想得到讨好的PP，从器材上讲，投资镜头是事倍功半，而投资胶卷则是事半功倍。反转片里：PVP、PDP、E100VS等等各具特性，你研习了各种反转片的各类技术参数,最后,你把Fujichrome Provia 100F Prof. 当作了你扫街时的消耗品,而Fujichrome Velvia 100F Prof.则是你旅游时的万能胶卷。另外,Fujichrome Provia 400F Prof.也有时在特定场合下拿来玩玩。
用了反转片，自然而然，你得掌握一些关于幻灯片制作、收藏和观看等一些问题的常识，然后添置一些设备：观片箱、施耐德的Loupe 、leica P300幻灯机、幻灯机幕布等等.

用了一阵子彩色反转片后，你渐渐又有野心了。你想学人家大师玩黑白的了。而且，你又被告知，拍了照片给人家冲洗就象买炮竹给人家放一样无趣。于是，转了一圈你又回到负片，你决定自己冲印黑白片玩了。首先得建个自己的暗房，买买放大镜头，研究研究曝光校准与显影时间的技巧，搞些依尔福、柯达黑白卷，然后就是不停地暗房实践…..

在暗房里待得久了，你又想跑出去采采风，呼吸呼吸新鲜空气了。你开始严重剖析摄影包的全攻略了。最后决定，在城市闲逛买个 “白金汗” 用用；出门旅行就选“乐摄宝”，当然，以后器材多了，还要在“败（buy）”个PELICAN摄影箱。OK，穿上户外衣裤，套上户外鞋，背起登山包、帐篷和摄影包，驾一辆吉普车,收藏一些户外经验。你玩起了旅游摄影。

当然，不是每一次出门都会是跑西藏青海甘南川西滇西北去的。有时候，你游走在城市的街头，都市里“快速转换的影像、瞬间一瞥的中断与突如其来的意外感”往往使你产生摄影的冲动。你开始学着去领悟“瞬间”。你觉得，把一个瞬间凝固下来的感觉很棒。你开始憎恶单反相机的那块反光板了。于是，你要从SLR中跳出来。你要一台RF了。你差一点就选了七种武器中赫赫有名的G2 了。但是，ZEISS T*的镜头固然好，但她下嫁小日本的京瓷后所产的CONTAX机身就so-so了。你其实早就中过毒而买过CONTAX T3了，甚至把它当作G2的“前戏”，然而T3的镜头盖实在是“阿喀硫斯的脚踵”，两年时间，它就莫名其妙地挂彩了。从此以后，你对日产的CONTAX总有点心病。事实上,你认为,目前对CONTAX G系列最恰当评语应该是:CONTAX G系的镜头是性价比最好的135镜头。
当你看了有人用Hasselblad XPan拍的糖水片和有人用Hasselblad XPan拍的人文片后，你决定你的第一台旁轴非Hasselblad XPan II莫属了。

其实，你是知道的，Xpan的魅力实际上是宽幅的魅力。要玩RF，其实是非常宿命的，尽管你知道结局，尽管你一再自欺欺人地拖延发烧地脚步，尽管你象以买T3同样的理由，买了Leica CM，但千呼万唤之后，你无法避免的“高潮”就是把那个代表“Compact”的“C”去掉！是的，135所有的东东到最后对于毒入膏肓的你来说都是假的，你要的就是Leica M，任何有关 Leica M的文字都会让你怦然心动：一个老外所作的评价、一个国人写下的神话……
于是，你开始认认真真地读“沧桑”写的《我对Leica M系列相机选择的一点建议》 ……

当你把Leica MP、 Leica M7、Summilux-M 35mm f/1.4 Asph. 、 APO-Summicron-M 90mm f/2.0 Asph. 等抱回家后，你以为一切发烧都可以结束了……

然而,就是那位给你LEICA M选择建议的”沧桑”,又对你说:”想升级到Leica的朋友，推荐你一种新选择——Contax 645”.于是,你又发现了一片新天地:中画幅相机。你开始中了中画幅的毒。当你看到一个人用哈苏拍的美景，一个人用禄来拍的美人后。你决定，中画幅你的首选非哈苏即禄莱。于是，你一三五把自己关进哈苏集中营，二四六再加入到禄来6008协会。你明白了卡尔-蔡司真正的魅力其实是体现在中画幅的领域中的。最后，在建构一整套中画幅系统工程前，你决定拿下一台禄来双反玩玩先。
你喜欢上一手玩哈苏X-PAN，一手玩禄来双反的“HR”双修的感觉：一宽一方两种画幅，正暗合了张弛有道一放一收两种心境。
当你参观中画幅612&617&624俱乐部后，你决定要好好研究一下 617产品的现状与发展。然后，你计划用宽大的重器：LINHOF 617和重磅的利器：HASSELBLAD 503CW分别作为哈苏X-PAN和禄来双反的升级版。

出来混，迟早要还的。就如同135的宿命是LEICA，很快，你发现，对你而言，120的宿命就是——ALPA 、ALPA 、ALPA 、ALPA 、ALPA ……

或许，从某种意义上讲，ALPA是MF（中画幅）的终点，同时，又是LF（大画幅）的起点。因为，你从ALPA的广告上看到这样一句话：“THINGS ARE SIMPLE AT THE TOP”，大道至简！
随着对画幅的追求，很快，你便关注起大画幅相机和大画幅镜头。你开始垂涎4*5的：Linhof Master Technika 2000 了。当然，也保不定你什么时候还会去迷恋8*10......

事实上，你发现，大画相机最最吸引你的不仅是因胶片面积变大而使得画质的提升，而更是，它带给你迥然不同于135、120的摄影理念。从某种意义上讲,120只不过是放大的135。135如果是汉堡包中间的一块beef,那120就是法国大餐里红酒牛排,而大画幅则是:冬天里的一碗热粥。
当初，你刚踏上摄影之路，拿起135SLR时，初学构图、曝光之术。你领悟了摄影的根本是光影。你追求的是MTF、是Bokeh，你知道了选购镜头的重要性，镜头是相机的灵魂。你知道了摄影是减法，你喜欢用大光圈，你喜欢用长焦镜。你想把你看到的东西以最美的方式表现出来；
而后你玩上了135RF的时候，又体验到把人的行为凝固下来的那一刹那间的快乐。你苛求的是快门时滞和快门声响。同时你又喜欢上广角镜，你用超焦距，你用盲拍，你颠覆了摄影是减法的理念。你开始学习摄影语言，你要表达的是关系，画面里各元素的关系、摄者与被摄者的关系。你开始想通过相机来走进这个人类社会；
自从你尝试使用了超越135画幅的相机后，你开始迷恋起细节的展现。你颠覆了镜头是相机的灵魂的理念，底片大小才是画质好坏最根本的分水岭，你开始关注的是胶片的面积和画幅的长宽。你开始明白了量变到质变的飞跃，一个微小的细节在135极限的尺寸内或许只是一点瑕玼，而把它放大到中画幅相机所能展现的尺寸内就变成了点睛之笔。你拿起中画幅相机走进大自然中去，你见山不是山，见水不是水。
而大画幅相机，它则让你回到摄影根本，它让你回味摄影本身。它让你走进自己的内心。
摄影是看的艺术，相机是摄影的工具。而大画幅相机让你体悟到摄影对于你的真谛：让你的心静下来。止，而后能观。

于此时，你突然发现，你对照相机发烧的道路方向却恰恰是逆反于照相机发展的方向。为了与时俱进，你开始关注起数码浪潮了。于是，你有点迷茫了，是 Olympus 4/3系统呢？还是 SIGMA SD运用Foveon的X3技术比较好？又或者是富士的Super CCD？作为已入N门的你不可能不对NIKON的LBCAST表示关注；NIKON的D70可能是目前最有人缘、最具“亲切感”的DSLR了；而在高端，使用COMS的EOS-1Ds Mark Ⅱ在目前独持牛耳。同时，你又从 Leica Digital-Modul-R中看到某种希望，而这种希望很难说不会从Nikon F6上得以实现。相似的，在旁轴领域， Zeiss Ikon给人以经典旁轴的数码化遐想。另外，你又十分垂涎 Konica-Minolta的防抖(AS)系统，而 Olympus所特有的超声波除尘系统，你也认为是DSLR所不能或缺的一个功能。你相信 EOS-1Ds Mark Ⅱ和柯达的DSC Pro SLR/c、DCS Pro SLR/n已对传统的120系统产生了极大的冲击，但Mamiya ZD以及哈苏和易迈康的联姻下的H1D，又让你看到了120相机的反击……
数码真让人感到浮躁。
最后，你决定你的数码化道路将分成两条路走。一条路是数码相机的道路，买一台LC-1或Pro 1，体验一把不计成本胡乱拍拍先的感觉，走走发现自我的LOMO道路，或走进非LOMO的反摄影联盟。小DC权当作口袋机用，玩厌了就送给家人。
而对于认认真真拍的PP，你觉得暂时还是先玩玩胶片机，你总觉得目前还没一台可换镜头的数码相机，能有Nikon F6、Leica MP、HASSELBLAD V系列等那么成熟，反正是自娱自乐嘛，不以此技讨生活。对你，数码化不是为了方便出片，而只不过是为了方便交流。于是，另一条数码化道路就是底片数码化的道路。先拿下Nikon 5000 ED或Nikon 9000 ED , 再配个Epson Perfection 4870 以备NIKON底扫不方便扫的场合使用。当然，作为数码的观片工具，显示器马虎不得，还得要个色彩校准仪折腾折腾GAMMA……而数码打印机,你也观望起来先。
其实，你知道，玩数码唯一绕不开的是PHOTOSHOP。无论你是想从DSLR上得到漂亮的片子，还是想通过SCANNER得到一张通透的图片，Photoshop（数码处理）才是数码图片的竞技场：管理管理色彩、调调直方图、锐化、磨皮......你开始循序渐进地学习PS的基础知识。

你知道，从传统走向数码是潮流所趋，玩NIKON D100的“听蓝”资深、使富士S2/S3的“元素”编辑、用SIGMA SD9/SD10的马帮帮主“猪猪”，他们的作品让你中毒不浅。何况数码变量本身就被称作第八种武器。其实无论数码还是胶片，从你的内心深处知道：没有什么可以改变摄影的本质！

你看看你先后业已收藏了一屋子的大炮、铭器，突然产生了：“Minolta TC-1 + Leica CM，人生足矣”的念头。你问自己成为摄影发烧友以来，到底是什么带给了你快乐？

是那些借以亮骚的器材吗？
有一点。
你把所有的器材保养后放在防潮柜里，慢慢欣赏器材本身的各种造型，你有一种“此物只应天上有”的感觉，管它来自火星，还是来自水星，而幸福感油然而生。

是那些摄影技术、技巧的掌握吗？
也有一点。
学习本身就是一种快乐，这种快乐出现在你苦学区域测光法的时候；这种快乐出现在你钻研动态范围和宽容度的时候；这种快乐出现在你解决构图错误的时候；这种快乐出现在你克服“在大街上拍摄时产生的心理障碍”的时候......

是那些通过相机而得到的精美的摄影作品吗？
更有一点。
看看四季美景，瞅瞅时尚MM，糖水养眼啊。

然而，摄影并非生活的全部。摄影带给你的快乐，更多的是在摄影之外。
在硬件方面，因为玩过相机，让你对器物的精良、工具的精密产生了迷恋。
和镜头一样，大家都是玻璃，于是你对望远镜、眼镜产生了兴趣。和照相机一样，大家都是视觉艺术的工具，那么DV也是要玩的。
所谓“三代始知穿衣吃饭”，玩色彩，玩层次，视觉上有了追求，其它听觉上、味觉上、嗅觉上……也是要讲究的。
通过相机，你算开了眼了。有句话说：“穷玩车，富玩表”。大到买房装修，小到厨方刀具，大俗到酱油、芝士，大雅到文物、书画，都是学问啊！

而在无形的方面，摄影带给你的收获那就更丰厚、更弥足珍贵了。
因为摄影，通过影像作品，你认识了亚当斯、布列松、寇德卡、李元……等中外摄影大师；通过文字理念，你认识了巴特、桑塔格、本雅明、阮忠义……等摄影理论学家；通过网络论坛，你认识了“Xitek”、“135F2DC”、“G2”、“shishamo”……等摄影发烧友的ID。

因为摄影，你看到别人的爱情，尽管你不认识他们，但你依然感到欣慰快乐。因为摄影，你看到朋友的逝去，尽管你也不认识他，但你依然感到唏嘘悲伤。因为摄影，你看到携手到白头的爱，因为摄影，你看到援手在无声世界里的爱。
摄影就是爱。

因为摄影，你看到生、老、病、死 ……因为摄影，你躲进花、鸟、鱼、虫中，借以忘忧：品品黑白的味道、探探色彩的本质。
摄影就是避难所。

因为摄影，你走过欧洲、穿越西藏；因为摄影，你前往动物王国：肯尼亚，你去过行色天堂：尼泊尔；因为摄影，你曾七年间，行走秦岭，远山苍茫；因为摄影，你也曾蜜月里，面朝大海，春暖花开；因为摄影，你见证了在珠峰，人类力量的伟大；因为摄影，你也见证了在巴以，人类力量的可怕。
摄影就是在场。

因为摄影，你体验时尚；因为摄影，你寻访历史；因为摄影，你记录下西方的飞扬青春；也记录下东方的年少意气；因为摄影，你伤感于即将消失的风景线和古老的部落文明；因为摄影，你记录下浪漫温馨的魅力瞬间；也记录了模糊感觉的记忆碎片。也因为摄影，你得以发泄快感，你走向你生活的城市街头进行“扫街”，无所谓主流非主流，管它什么啊是什么？！
摄影就是当下。

尽管你已习惯了用图片小结你的历程，尽管你也拍下了一些景，一些人。但你突然发现，摄影让你真正看到的，并不是镜头前的这个世界，而是相机后的你自己。一张反映真实的记录照片或一组充满善意的人文照片或一幅极具精美的风光照片，其实只取决于拍摄者你自己的心灵是否真、善、美。“照片上拍下的是别人，留下的却是你自己”。你拍下的不是外面的风景，而是你的内心，At the heart of the Image——相由心生

或许摄影真的并非生活的全部，然而，或许你生活的全部本身就是一次摄影。你发现，你才是这个世界上最完美的相机：对这个世界睁一只眼闭一只眼的态度就是你的“取景器”；对于“底片”的要求，也是对于你的胸怀的要求：宽容、细腻；你的心就是“光圈”：越是细心，看到越多。放开心灵，就要难得糊涂；而“快门速度”则是你一辈子的时间；真、善、美就是构图时的对焦主体；活在当下的每一刹那，就是摁下快门时的“决定性的瞬间”……

于是，有时你放下相机，读读书，听听音乐，看看电影……煮一杯咖啡，思考思考宇宙是什么；沏一壶茶，研究研究中医的真谛。
于是，你放下一切，一心念佛：阿弥陀佛、阿弥陀佛、阿弥陀佛、阿弥陀佛、阿弥陀佛……

午夜，你从梦中醒来，怀着感恩之情。你拿出相机，里面没有胶卷，你闭上眼，摁下快门，“咔嚓”一声，怦然心动……

水系列摄影完全攻略

2006-05-12T22:20:00.000+08:00

表现水珠的晶莹感
尽量用低角度逆光,点测.这样才能表现水珠的晶莹感.选取适当的拍摄角度,让水珠从载体<草叶等>和背景中凸现出来<而不能融合>.

《一》水滴类
拍这类型的水主要分三个步骤:
1.下坠前2.下坠中3.下坠后.
  （1）下坠前：
器材:需要配备具有一定微距功能的相机,机内自带闪灯输出要可调节型的.
三角架当然不可少了.有条件的用影室闪灯更好.
用具:水龙头家家都有吧.选那种下面没有滤网的为佳.(形成水珠大)
机位角度选好后,调节水的流速,这是关键.流速直接影响起形状.快门速度个人
试下来,无需在同步档位,视个人情况而定.认真观察成片光效,转换调节光型角度.

  （2）下坠中：
器材与上略同.用具:要添上背景的变化了.水,无色无形,但我们可以赋予.开动脑筋,想弄啥特效就弄啥.
拍摄时注意观查背景调节后的水珠被映衬后的变化(极有趣)
在环境条件允许的情况下,光圈要小,因为此种类型对景深的要求较强.
水的流速依然是关键问题.
（3）下坠后：
器材略同,或者能弄个手柄式连闪灯,定个位,也可协作.
用具:这里要用上盛水器皿了,器皿的形状和色彩直接影响成片水的变化.
拍摄时,这张用的是蓝色盆子.盆的直径和深度也要深究,以实际情况而定.呵呵,这个下
坠态,你拍一万次都找不到相同的PP.在这里水波纹的扩散形成和水珠上扬后的姿态
应该够你玩上一天哦.飘飘的器材在这里惨痛受挫!被飞溅的水花暴力折磨,没办法,俺的
摄距近啊.后来明白了,那保鲜膜包了上,只露出镜头上套UV
水花及情景结合类
《三》人造浪花
光圈:f/9.6 可以用快门:1/1000
摄距要保持一个距离(防止DC中飙),光圈小是为了不可预料的水滴溅射范围内的清晰度，但实际还是不够.1/1000其实当时是保持全黑(事先将DC的拍摄值都设定好),用闪光凝结刹那的景象.
关键语句
  （1）水滴类关键语句：机位角度选好后,调节水的流速,这是关键.流速直接影响起形状.快门速度个人
试下来,无需在同步档位,视个人情况而定.认真观察成片光效,转换调节光型角度
  （2）水花及情景结合类关键语句：在快门时滞中谋生存．
有时快门时滞未必不是件好事，至少他能给我一个丢下苹果的时间差：）
  （3）人造浪花关键语句：用闪光凝结刹那的景象,俺的NIKON4500闪光输出设置负1.0---2.0基本都能在全程同步(包括1/500以上达到同步)(输出量越低,闪灯持续时间越短).如果大家使用的相机不行,可以在全黑情况下开B门,使用外置式闪灯完成.

棚拍人像用光

2006-05-12T22:17:00.000+08:00

转载
  有感于长安君和龙裔安乐的认真态度，献此一文，主要是对这次学习棚拍的总结。
　　这次棚拍的结果并不重要，关键是对于棚拍人像用光的理解提高。一些影友可能认为，作为业余爱好者，平常棚拍的机会少，外拍时用不上这些玩意。其实作为基本知识，用光的概念在外拍时同样重要。有的影友玩摄影多年，出来的片子连最基本的曝光问题都没有解决，可能就是光实践、不学习的原因。哈哈。
　　西安摄影艺术学校邓老师的这一课虽然时间不长，却简练明了，很有价值。在多数影友对棚拍用光有初步了解的前题下，讲了一些从实践经验中提炼出的实用技巧和注意事项。当时没带纸笔（该打），回来后回忆了一些要点，抄录下来，给同样没做笔记的影友们共同学习。有不确之处请纠正，有遗漏请补充。
1.     正面高位光会使人物鼻梁高耸、印堂发亮有精神。
2.     因正面顶光或高位光照射背景少，可减少背景色在面部轮廓的反光。
3.     灯距近时，光线从柔光罩各个位置发出，会照亮人物面部的颗粒、纹理处的阴影从而减弱这种颗粒和纹理，适合美化皮肤，不适合表现皮肤质感。
4.     眼神光一般不可在瞳孔中央。
5.     头发光一般在135度位置并且与主光相对。
6.     伦勃朗用光：侧逆光线入射，人物侧脸。
7.     主光多在45度位置，辅光应接近相机。
8.     拍摄白背景应当让人接近背景，有更多的光线照亮背景使白色更白；反之，拍黑背景应当让人远离背景。同理可实现其他背景拍摄时增亮、压暗的效果。
9.     脚光补光可减弱眼袋和下巴、鼻子阴影，使人物看起来晶莹剔透。
10.     注意将人脸处于光心位置。
11.     注意光在人脸上因反射角度原理形成的效果变化。
12.     大多数情况下，相机位置比人眼位置高一点。
  另外，《人像摄影》2004年第11期有一篇文章短小精干，虽然题目是构图与光线，但主要是介绍用光的基本知识，扫描下来与大家分享。